domingo, 30 de noviembre de 2014

28 DAYS LATER - RESEÑA Y ESCENA DE LONDRES DESOLADA - Fernanda Bargach-Mitre





28 Days Later , es una película dirigida por Danny Boyle. Está protagonizada por Cillian Murphy, Naomie Harris, Brendan Gleeson, Megan Burns y Christopher Eccleston, y ha dado lugar a una secuela (28 Weeks Later), y a una novela gráfica del mismo título. 

Sinopsis: Londres es un cementerio. Las calles antes abarrotadas están ahora desiertas. Las tiendas, vacías. Y reina un silencio total. Tras la propagación de un virus que acabó con la mayor parte de la población de Gran Bretaña, tuvo lugar la invasión de unos seres terroríficos. El virus se difundió, tras la incursión en un laboratorio, de un grupo de defensores de los derechos de los animales. Transmitido a través de la sangre, el virus produce efectos devastadores en los afectados. En 28 días la epidemia se extiende por todo el país y sólo queda un puñado de supervivientes. 



La película se presenta como un thriller psicológico , utilizando como fondo analizar el comportamiento humano . En lugar de utilizar escenas sangrientas ( aunque a veces aparecen ), el director optó por utilizar escenas sugerentes , lo que hace la película más interesante , y no se puede quitar la vista de la pantalla , rezando para que no le pase nada a los chicos buenos , constantemente en peligro .



A diferencia de los zombies lentos y pesados que se ven películas normales de terror, el director Danny Boyle y el guionista Alex Garland decidieron que sus zombis podrían ser más rápidos que los humanos.  Esta es una de las buenas noticias que trajo renovación al género.  



El director combina su estilo moderno, con muchas tomas de cámara en la mano y una gran fotografía, conversaciones interesantes y un ritmo rápido . Luego se hace un poco más lenta, pero se compensa con un ritmo de edición ágil y trepidante.


Las actuaciones son excelentes , Cillian Murphy (Jim ) y Naomie Harris (Selena ) dan un espectáculo de interpretación. Lo que diferencia a esta película de otras del género ,es que los personajes se exploran profundamente , no de forma superficial .



La utilización de la cámara digital para rodar la película proporciona un mayor realismo a lo que vemos, ya que todo parece de algún modo más cercano al espectador. No se de una película una película de terror simple, es compleja , innovadora y en algunos momentos extraña e inquietante.


LONDRES DESOLADA







En esta escena vemos vemos a un confuso Murphy vagando por las calles de una Londres completamente desierta, pasando por paisajes famosos. Ver a una de las ciudades más pobladas del mundo completamente vacía es desconcertante.

Hicieron esta escena sin ningún truco de pos producción, y de hecho estas se realizaron solo gracias a un bajón en el presupuesto y la tecnología disponible. 

En vez de filmar con cámaras tradicionales ( lo que les habría costado horas de preparación para cada toma, debido a los permisos que tienen que conseguir), los cineastas decidieron ir con varias cámaras relativamente baratas, unas Canon XL-1S digitales, con las que podían filmar a Murphy desde diferentes ángulos mientras caminaba por Londres a horas de la madrugada. 

Gracias a las cámaras más baratas, pudieron completar la secuencia filmando las calles unos minutos cada vez, y pidiendo a la gente que esperara un poco o que tomara otra ruta para ir a la casa, deteniendo por pocos minutos el tráfico.

TRAILER




CHRISTOPHER NOLAN : ESCENAS SIN EFECTOS ESPECIALES - Fernanda Bargach-Mitre




Actualmente los efectos especiales parecen ser la norma, el utilizar CGI o gráficos generados por computadora. Sin duda un avance admirable en el séptimo arte, que funciona cuando está tan bien hecho que nos transporta a otra realidad sin que lo notemos haciendo lo imposible , posible. Sin embargo hay directores, que se atreven, aún hoy en día a realizar escenas de verdad,  como el excelente realizador Christopher Nolan, como podrán ver en las siguientes secuencias.

"Según Nolan ¨ La cosa con imágenes generadas por ordenador es que es una herramienta muy poderosa para la toma de mejores efectos visuales. Pero creo en una diferencia absoluta entre la animación y fotografía. Sin embargo sus sofisticada imágenes generadas por ordenador son , si se ha creado desde la ausencia de elementos físicos y no se ha filamdo nada , vacías y falsas. Por lo general hay dos objetivos diferentes en una película de efectos visuales . Uno es para engañar a la audiencia a ver algo sin fisuras, y eso es lo que trato de usar. El otro es para impresionar a la audiencia con la cantidad de dinero gastado en el espectáculo del efecto visual , y en eso no tengo interés alguno¨

INCEPTION
LA FUERZA DEL AGUA

La escena en la que el agua entra con fuerza por las ventanas del castillo japonés, mientras el personaje de Leonardo DiCaprio observa, se filmó de manera real: enormes cañones de agua escondidos detrás de las ventanas, disparaban entre 10.000 y 12.000 litros dentro del set.


 


DANDO VUELTAS

En el mismo film, hay una escena impresionante: la icónica pelea del pasillo donde Joseph Gordon-Levitt trepa por las paredes y corre por el techo como si la gravedad no existiera. Entre peleas, tiros y golpes, al estar en un estado de ingravidez vemos como los actores dan vueltas pegándole a las paredes, todo gira. La idea de realismo de Nolan lo llevó a construir un escenario giratorio de 30 metros de largo y conecto una cámara para que rodara con este. En dicha escena los actores realmente se golpean con las paredes y  van dando vueltas. Las plataformas giratorias no son un invento de Nolan, ya Stanley Kubrick la había utilizado para simular la ingravidez en 2001: Space Oddisey en la escena de la nave con estación giratoria para contrarrestar dicha falta de gravedad.





TODO EXPLOTA

Otra escena impactante es cuando Ellen Page genera en su mente la ciudad de París y junto a DiCaprio están sentados en un café el sueño se desmorona, entonces todo empieza a estallar.Los cineastas pusieron cañones de aire dentro del cafe y en las gradas cruzando la calle, luego reventaron todo alrededor de DiCaprio y Page. Filmada a alta velocidad pudieron proyectarla en cámara lenta y así evitar el momento en que los actores reaccionan involuntariamente, luego se hicieron otras tomas y se completó la escena.





THE DARK KNIGHT RISES
UN AVIÓN AL SUELO

Continuando con Nolan, en la escena inicial de The Dark Knight Rises, en la que Bane y sus seguidores estrellan un avión de la CIA al saltar desde otro avión C-130, llevándose al objetivo y luego sacándole las alas al de la CIA en pleno vuelo.

Para las tomas interiores que necesitaban que se vean los actores , Nolan los metió en un fuselaje en el suelo. Los dobles de acción fueron filmados  en una pieza de fuselaje colgando de un helicóptero en una zona rural de Escocia.

Incluso llegado el momento en el que tenía que fingir algo, Nolan optó por mostrar un pequeño modelo de un avión perdiendo sus alas en vez de usar efectos digitales. Seguidamente en la escena vemos como cae el avión al suelo, esto sucedió de verdad, Encontraron un espacio vacío y lo tiraron desde el cielo. La escena estaba planeada para completarse en 9 días. El director la hizo en dos. 





THE DARK KINGHT

PERSECUCIÓN EN LA AUTOPISTA

Se trata de una genial escena,  que destruyó un Batimovil, un camión del Guasón, un camión de basura, un blindado policial, un montón de autos de policía y varios vehículos comunes.
La primera toma impresionante es cuando el Batimovil aparece para enfrentarse a la caravana del Guasón donde acelera y hace un gancho vehicular al camión de basura.

La voltereta que le dan al camión se hizo de verdad. Para conseguir la cantidad de fuerza hacia arriba que necesitaban para poner al monstruo patas para arriba, el equipo de efectos construyó un enorme mecanismo de pistón a vapor en el trailer del camión. Para hacer dicha escena cerraron una calle en Chicago.

ESCENA PARTE 1

 

 ESCENA PARTE 2 


CITAS: ANDRÉI TARKOVSKI



sábado, 29 de noviembre de 2014

PELÍCULAS SOBRE TEMAS RELIGIOSOS SUMAMENTE POLÉMICAS - Fernanda Bargach-Mitre




La religión es normalmente motivo de controversia, siempre ha causado polémica en el cine: Desde prohibiciones hasta disturbios. Algunos cineastas atrevidos que trataron la religión de una manera diferente, generaron revuelo y fueron inmediatamente rechazados por El Vaticano, por los seguidores o fieles y hasta por otras vertientes religiosas. Por lo general esto, en vez de perjudicar a dichos films, los beneficiaron con publicidad generando que el público quisiera verlas y averiguar la razón del escándalo.

ESTIGMA - STIGMATA (1999 )

Protagonizada por Patricia Arquette quien interpreta a una peluquera atea, quien lleva una vida llena de excesos y a la que se le empiezan a manifestar estigmas en varias partes de su cuerpo y al mismo tiempo pareciera estar poseída por el demonio, a su ayuda llega un sacerdote jesuita (Gabriel Byrne), quien descubre uno de los evangelios gnósticos escritos religiosos del siglo 4 condenados por la Iglesia Católica. El sacerdote descubre un complot dentro del Vaticano para mantener la "verdad" de estos evangelios oculta. 

Esta cinta fue muy controvertida, al tocar un tema muy sensible para la religión católica. Algunos la tildaron de blasfemia , falacia y provocación. Recordemos que ademas del controversial tema de los estigmas, se insinúa una atracción entre la peluquera y el cura. El film fue dirigido por dirigida por Rupert Wainwright.

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JESUCRISTO SUPERSTAR - JESUS CHRIST SUPERSTAR (1973)





Se trata de una película estadounidense dirigida por Norman Jewison en 1973. Está basada en el musical del mismo nombre, de Andrew Lloyd Webber y Tim Rice. Narra la vida de Jesucristo desde poco antes de la entrada en Jerusalén hasta su crucifixión.

Jesús presentado al ritmo del rock,despertó la ira de la iglesia por la banalización que sufre la imagen de Cristo. Además se le criticó por haber basado la Pasión de Cristo en el punto de vista de Judas, quien además era afroamericano.

Fue una de las películas más controvertidas de su época por presentar a los actores como hippies, por presentar a un Jesús más humano y menos Dios y porque es una ópera rock; todos los diálogos son canciones interpretadas por los actores en ese género musical.

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EL CÓDIGO DA VINCI (2006) THE DA VINCI CODE






Esta película dirigida por Ron Howard y protagonizada por Tom Hanks y Audrey Tautou, es una de las más polémicas de la historia, al punto que diversos grupos católicos conservadores intentaron boicotear el rodaje de la película, acusándola de blasfemia y de un irrespeto a la Iglesia, debido a algunas controvertidas interpretaciones de la historia del cristianismo.

Coloca a la Iglesia católica en el centro de una conspiración (de ficción) para encubrir la verdad acerca de Jesús, que estaba casado con María Magdalena y era el padre de un niño cuyos descendientes han sido protegidos de la Iglesia que busca asesinarlos desde entonces. 

Es más, esta película muestra a María Magdalena como la legítima esposa de Jesús; lo cual es retratado como parte de una gran conspiración de la Iglesia para acabar con la devoción a la divinidad femenina, que se encontraba en el corazón de la adoración cristiana primitiva. 

En los meses previos al estreno de la película en 2006, la mayoría de las organizaciones cristianas se abstuvieron de llamar a un boicot total, en su lugar utilizaron la película para suscitar el debate acerca de Jesús y de impugnar los reclamos del film. A pesar de las malas críticas, la película recaudó unos 758 millones de dólares en todo el mundo, convirtiéndola en una de la más taquillera de 2006.

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EL EVANGELIO SEGÚN SAN MATEO (1964)





Se trata una película ítalo-francesa de 1964, escrita y dirigida por Pier Paolo Pasolini, producida por Alfredo Bini y protagonizada por Enrique Irazoqui. La obra retrata la vida de Jesucristo (desde su nacimiento hasta su resurrección) tal como es narrada en el Evangelio de San Mateo.

Se transformó en una de las películas bíblicas más polémicas. El film fue rechazado por la iglesia dado que el realizador era abiertamente comunista y agnóstico y gay, lo que además le llevó a ser acusado de no tener una base filosófica e ideológica para desarrollar una película sobre la vida de Jesucristo.

PELICULA COMPLETA  





EL CRIMEN DEL PADRE AMARO (2002)





El crimen del padre Amaro es una película mexicana del año 2002 adaptada de la novela homónima del escritor portugués Eça de Queirós, escrita en 1875.

Esta película protagonizada por Gael García, tuvo bastante polémica por mostrar la vida de un joven padre que sostiene relaciones amorosas con una mujer a quien deja embarazada y convence de abortar en una clínica clandestina.

Antes de su exhibición pública en México se desató una controversia debido a que grupos católicos integristas intentaron prohibir la película. El gobierno del presidente Vicente Fox, a cargo de su entonces Secretario de Gobernación, Santiago Creel, exhibió privadamente la película ante personalidades religiosas, ya que el Instituto Mexicano del Cine IMCINE produjo en parte la película. 

Aunque el grupo derechista ProVida intentó demandar al gobierno para prohibir su exhibición, esta película se convirtió en la más taquillera del cine de México, sobrepasando a Sexo, pudor y lágrimas (1999). La cinta producida por menos de dos millones de dólares recaudó más de cinco millones solo en Estados Unidos y más de 22 millones de dólares en todo el mundo. 

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DOGMA (1999)





Dogma, es una película del año 1999 dirigida por Kevin Smith. Trata sobre dos ángeles, Bartleby y Loki, que fueron expulsados por Dios del cielo y desterrados a Wisconsin. Azrael los manipula ofreciéndoles la oportunidad de regresar a su hogar por medio de una enseñanza de la Iglesia Católica llamada indulgencia plenaria. Si esto sucede significaría el fin de la existencia, por lo que se envía a la última descendiente de María, Bethany, a detenerlos. Bethany contará para su misión con la ayuda del decimotercer apóstol, Rufus, de Serendipity y de dos profetas, Jay y Bob el Silencioso.

Esta cinta es una sátira a la Iglesia y la fe católica, lo que genero infinidades de protestas  y una gran controversia en muchos países. . Con el tiempo, el director (Kevin Smith) recibió más de 30 mil mensajes de correo de odio. 

Grupos católicos de todo el mundo llevaron a cabo protestas y Smith recibió varias amenazas de muerte.

La productora original, Disney, ante la llegada de las críticas sociales sobre la película que estaba a punto de producir, se desvinculó de la imagen de la película, exigiendo la salida de su marca de los títulos de crédito. Un ejecutivo declaró entonces "Dogma no se ajusta a ninguna de las filosofías de ninguna de las empresas de Disney". Miramax, propiedad de Disney, tuvo que deshacerse del proyecto. Una de las posibilidades barajadas por Disney fue la de crear una nueva marca (cuyo coste sería de unos $10 millones de dólares) bajo la que distribuir, sin conexión pública de imagen con Disney, la película. De esta forma, los resultados económicos (esperadamente positivos) llegarían a las arcas de Disney sin comprometer su prestigio social.

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LA PASIÓN DE CRISTO (2004) THE PASSION OF THE CHRIST





La Pasión de Cristo (también conocida como La Pasión) es una película dramática y cristiana estadounidense de 2004, dirigida por Mel Gibson y protagonizada por Jim Caviezel como Jesucristo. 

Recrea la Pasión de Jesús de acuerdo al Nuevo Testamento y los Evangelios de Mateo, Marcos, Lucas y Juan.

Las dos principales críticas a la película fueron el antisemitismo y la extrema violencia que se muestran en ella.

Contando la crucifixión en clave ultra sangrienta, se ganó el apoyo de la Iglesia Católica que la elogió al considerarla de “sensibilidad artística y religiosa exquisita”, el mismo papa Juan Pablo II la vio en una función privada en El Vaticano y la Iglesia la aprobó por completo. 

Por otro lado, el Comité Judío Estadounidense, criticó a la película asegurando que “representa un inquietante retroceso a los destacados logros entre las relaciones judeo-cristianas en los últimos cuarenta años” y concluyeron que “El filme vuelve a imponer estereotipos sobre los judíos ya rechazados por una mayoría de líderes católicos y protestantes”. 

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EL EXORCISTA (1973) THE EXORCIST





El exorcista , es una película de terror norteamericana de 1973 dirigida por el realizador William Friedkin, sobre un guion escrito por William Peter Blatty basado en la novela homónima del propio Blatty, publicada en 1972 y que sólo en Estados Unidos llegó a vender cerca de trece millones de ejemplares. Está protagonizada por Ellen Burstyn, Jason Miller, Linda Blair y Max von Sydow. La cinta relata los fatídicos hechos de la posesión diabólica de Regan MacNeil, una niña de doce años de edad, y del exorcismo al que más tarde fue sometida.

Es considerada por muchos como una de las mejores películas de terror de la historia, pero la Iglesia Católica la tildó de satánica, malvada y fue tanto la presión que algunas escenas debieron ser suprimidas.

Algunas respuestas críticas fueron: "un pedazo de charlatanería ocultista elegante" "Una película prácticamente imposible de tragar" "Establece un nuevo nivel de grotescos efectos especiales ...", "El Exorcista tiene éxito en un nivel como un entretenimiento eficaz insoportable, pero en otro nivel más profundo, es una película completamente malvada, y no es más que una película porno religiosa". Algunos predicadores, como Billy Graham, sintieron que la película en sí era satánica.

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ÁNGELES Y DEMONIOS (2009) ANGEL AND DEMONS



Esta película fue la continuación del Código Da Vinci.

Fue dirigida por Ron Howard y protagonizada por Tom Hanks y Ayelet Zurer. Está basada en la novela homónima publicada en 2000 y cosechó gran éxito.

Esta vez, cuando el profesor Robert Langdon (Tom Hanks) descubre que los Illuminati están detrás del secuestro de cuatro cardenales y poseen una bomba de antimateria, se verá envuelto en una carrera a contrarreloj junto a la científica Vittoria Vetra (Ayelet Zurer) para salvar la vida de muchísimas personas.

Por tratar temas delicados, como conspiraciones y asesinatos dentro del ámbito eclesiástico, fue considerada anti católica.

Algunos cristianos dijeron que se trata es una fábula basada en mitos maliciosos, intencionalmente creados para desacreditar a la iglesia.

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NOÉ (2014) NOAH




Noé (Noah en inglés) es el título de una película estadounidense épica basada en el Antiguo Testamento. Está dirigida por el cineasta Darren Aronofsky, escrita por Aronofsky y Ari Handel y está basada libremente en la historia bíblica del Arca de Noé del libro del Génesis.Protagonizada por un reparto coral en la cual participan Russell Crowe, Anthony Hopkins, Jennifer Connelly, Douglas Booth, Logan Lerman, Emma Watson y Ray Winstone.

Noé se suma A las cintas bíblicas que han tenido que lidiar con el escándalo, bien porque ofrecían una interpretación demasiado libre de unos hechos supuestamente intocables, bien porque añadían dosis de erotismo o violencia.

El diario L 'Avennire, que se publica en el Vaticano, en un artículo, consideró la película como una oportunidad perdida y dice que Noé se muestra como un Noé sin Dios. Así, en la primera postura oficial del Vaticano, no solo no se logró la confirmación que los productores esperaban, sino que se afirmó que esta película más recuerda la era m

Los católicos quedaron decepcionados, pues el guión retrata a un Dios iracundo que no muestra compasión por los hombres. 

Sectores ultras de ambas confesiones, además, no aceptan el toque fantástico de una historia que reivindica el papel de la mujer como fuente de vida y misericordia.

En Oriente Medio ha sido boicoteada debido a que muestra la imagen de un profeta y el Islam prohibe la representación de los mismos.

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MENCIÓN ESPECIAL A:

THE LIFE OF BRIAN,
http://ojoadicto.blogspot.com.ar/2014/11/peliculas-polemicas-life-of-brian-1979.html

JESUS DE MONTREAL
http://ojoadicto.blogspot.com.ar/2014/11/jesus-de-montreal-1989-dura-critica-los.html

LA ULTIMA TENTACIÓN DE CRISTO
http://ojoadicto.blogspot.com.ar/2014/11/la-ultima-tentacion-de-cristo-de-martin.html





REVISANDO EL CINE DE LOS HERMANOS COEN: FARGO (1996) - Fernanda Bargach-Mitre




Los hermanos Coen componen este ingenioso film, presentado falsamente como basado en una historia real, que se desarrolla en el contexto rural de Minnesotta, en un desierto de nieve donde nunca pasa nada. Sobre esta blanca nada los directores nos plasman un viaje lleno de personajes fascinantes que se hacen verosímiles dentro de ese contexto. 


La historia narra la historia de un hombre apocado y tímido, casado con la hija de un millonario que le mantiene totalmente alejado de su fortuna, decide contratar a dos delincuentes para que secuestren a su esposa, y así con el rescate poder montar su propio negocio. Pero en el transcurso del rapto, tres inocentes resultan brutalmente asesinados, siendo el comienzo de una serie de muertes sin sentido que tendrá que resolver la policía.




William H. Macy, está fenomenal como el apocado marido cabeza del secuestro, Steve Buscemi como uno de los secuestradores hace el perfecto papel de psicópata con poca inteligencia, Frances Mcdormand es realmente genial como la policía embarazada con sentido común y buen olfato investigativo. 

Se trata de una cinta que representa lo mejor del cine negro de esa década. De un modo único se mezclan la comicidad macabra, la ironía y toda clase de estrambóticas situaciones. 




El guión de esta cinta es fascinante y sólido, otorga una estructura y un toque satírico que impregna todo el metraje dándole vida al film. Realizado con desenfado, es muy estilizado en su ejecución, que hace muy buen uso de los planos generales, travellings, picados componiendo cada plano de manera interesante. 

Vale acotar que los Coen se llevaron el Oscar al mejor guión original y Frances McDormand el de mejor actriz, muy merecidos ambos premios ya que lo que más destaca en la cinta es su guión y su reparto. También ganó el premio BAFTA y el premio al mejor director en el Festival de Cannes. En 2006 fue introducida al National Film Registry. 




Fargo se abre con el siguiente texto: " ESTA ES UNA VERDADERA HISTORIA . Los eventos descritos en esta película tuvieron lugar en Minnesota en 1987. A petición de los sobrevivientes, se han cambiado los nombres . Por respeto a los muertos, el resto se ha dicho exactamente como ocurrió. " Aunque el argumento de la película es completamente ficticio ,  los hermanos Coen afirmaron que muchos de los acontecimientos que tienen lugar en la película se basan realmente en verdaderos eventos . Joel Coen señaló : " " No estábamos interesados ​​en ese tipo de fidelidad. Los hechos básicos son los mismos que en el caso real, pero las caracterizaciones están completamente imaginadas: acciones disparatadas que encajaban perfectamente con su cine.‘Fargo’ supone la combinación de dos géneros que los Coen dominan a la perfección como son el thriller y la comedia negra.




Estos géneros componen una comedia despiadada, llena de un humor negro inquietante, con una muestra de personajes que van acorde con el paisaje rural y pueblerino, un vacío de nieve, donde parece que cualquier cosa puede ocurrir.






Definitivamente una muestra de un inteligente relato que ratifica la manera única y singular que tiene esta dupla de hacer cine y que ya ha dejado un sello característico que los hace irrepetibles.

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ALGUNOS DATOS



-Las escenas de exteriores tuvieron que ser rodadas en distintas partes de Minnesota, Dakota del Norte y Canadá, ya que se acercaba la primavera y la nieve se estaba derritiendo.

- En algunos casos se tuvo que usar nieve artificial


-Durante la escena en la que se encuentran Carl Showalter (Steve Buscemi) y Wade Gustafson (Harve Presnell), Buscemi dice la palabra ¨fuck¨ un total de 10 veces.



-La escena en la que Jerry (William H. Macy) discute con unos clientes sobre la venta de un coche le ocurrió en la vida real a Ethan Coen en una tienda de coches.

-En 2006, esta película fue seleccionada por el National Film Registry de Estados Unidos como ¨cultural, histórica o estéticamente significativa¨  y es una de los principales ejemplos de neo-noir y género de comedia.

-La música de Fargo, como en todas las películas de los hermanos Coen, fue hecha por Carter Burwell.


-Carl (Steve Buscemi) dice que esta en la ciudad por ¨solo un poco del viejo mete-saca¨ (just a little of the ol¨ in-and-out), es una referencia a La naranja mecánica.

CITAS : FEDERICO FELLINI





viernes, 28 de noviembre de 2014

REVISANDO EL CINE DE MIKE FIGGIS: TIMECODE (2000) UNA OBRA DE INGENIO - Fernanda Bargach-Mitre





Timecode es una cinta experimental del año 2000 escrita y dirigida por Mike Figgis y con un gran elenco , incluyendo Salma Hayek , Stellan Skarsgård , Jeanne Tripplehorn , Suzy Nakamura , Kyle MacLachlan , Saffron Burrows , Holly Hunter , Julian Sands , Xander Berkeley , Leslie Mann y Mía Maestro .

La película se construye a partir de cuatro planos  continuo de 90 minutos, que fueron filmados simultáneamente por cuatro cámaras ; la pantalla se divide en cuatro partes y las cuatro tomas se muestran simultáneamente. La película hecha un vistazo a varios grupos de personas en Los Ángeles en su interacción y  conflictos mientras se preparan para el rodaje de una película . 




El diálogo fue improvisado en gran medida , ya que los actores solo tenían solo un leve idea sobre la cual debían basarse.La mezcla de sonido de la película está diseñada para que la más significativa de las cuatro secuencias en pantalla domine la banda sonora en cualquier momento dado.

Toda una obra de ingenio, tanto en el guión, la edición, la sincronización de las imágenes y la estructura narrativa. Figgis no solo se limita a dirigir este experimento visual, sino que escribe el guión, hace la fotografía, el montaje y la música.




La historia es simple, relaciones de amistad, trabajo, románticas, casi todas en un punto de quiebre o  atravesando un giro importante, en el contexto de la Meca del cine, siendo una crítica aguda del mundillo de Hollywood. He aquí el puto débil del film, su contenido es más intrascendente que su forma. Vale acotar que no se usaron efectos de iluminación ni de montaje.

Sin embargo, es la manera en que son expuestas las historias lo que realmente es innovador. El film fue rodado en vídeo y se paso a film para su estreno.

Se trata de una propuesta radical, que permite pasear los ojos a gusto por la pantalla de un cuadrante a otro, lo que a priori nos lleva a pensar, elegir y discernir.



"El cine tiene la responsabilidad de reinventarse continuamente", sostuvo Figgis en octubre de 2000, cuando Timecode se presentó en el Festival de Cine de Sitges. "Los espectadores, que son inteligentes, están listos para ello, porque ya están aburridos del antiguo sistema. Necesitan más, quieren ver más"


Mike Figgis


Se trata de una cinta que fue absolutamente original en su tiempo, debido a su arriesgada estructura narrativa que exige una gran complicidad por parte del espectador y utiliza recursos hasta entonces poco usuales. sin embargo, dada la poca fuerza de la historia, es más un ejercicio estético y fílmico que tiene un dejo de vacío argumental.  

Vale la pena verla, sin objeciones, marcó una pauta a pesar de ser desapercibida por la crítica y la audiencia. La valentía del director de afrontar este reto y el logro conseguido merece ser visto.

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CITAS: ALFRED HITCHCOCK




JESÚS DE MONTREAL (1989) DURA CRÍTICA A LOS VALORES DE LA SOCIEDAD MODERNA





Esta coproducción entre Francia y Canada fue dirigida y escrita por Denys Arcand. 


La película versa sobre Daniel, un joven actor que es contratado por la Basílica de Montreal, para actualizar el guión de La pasión de Cristo, obra que se efectuará en los jardines de la parroquia y así mismo es elegido para representar a Jesús. 


Mientras se empieza a montar la nueva obra se genera un paralelismo entre el actor y la vida de Jesús, y desde donde se hace una crítica a la sociedad urbana y a los valores vacíos de la misma, los falsos ídolos, la mezquindad, la hipocresía de la Iglesia entre otros tópicos muy humanos. 





La cinta tiene varias lecturas, la de facto, es decir lo que le sucede al personaje de Daniel, y la otra lectura es más sugerente, llena de metáforas sobre la vida de Jesús , lo que dice la Biblia y lo que interpreta la Iglesia. 


Daniel reaparece en la actuación y empieza a llamar a sus amigos, poco a poco va creando una pequeña comunidad que sigue a una figura central, al principio unos aceptan sin pensarlo, otros se niegan, pero pronto lo seguirán, como Jesús empezó a llamar a sus discípulos. Poco a poco empiezan a adaptar el guión, Daniel hace una investigación histórica de Jesús y de la época, en donde incluye nuevos y controversiales aspectos, creando así una gran obra de teatro, a la cual el público responde con satisfacción, al igual que las críticas, pero la obra no le agrada al las autoridades eclesiásticas de la Basílica, ya que "es un insulto contra el establecimiento, al igual que con la sagrada escritura, porque usan las memorias de Jesús como salvajes especulaciones y crean una radical imagen de Jesús" * pidiéndoles que regresen al antiguo guión, pero los actores se han tomado sus papeles muy en serio, e insisten que el acto debe continuar. 





En esta película, el director no cuestiona la doctrina tradicional cristiana, por el contrario, es el dogma fundamental de la fe, la resurrección, para hacer una crítica a la falta de valores simbolizados por el declive de la religión en Occidente.

El film muestra que el mensaje del Jesús expresó con su vida, su práctica y su predicación aún tiene gran relevancia para la cultura actual, sobre todo en el contexto de la crisis de valores. Al mismo tiempo que pone de relieve la crisis de valores y la fragmentación de la cultura.




¨Una metáfora de la salvación, un santo sepulcro del engaño: la misión de esta pequeña Compañía teatral que recorre a través de varios escenarios el relato que se describe en la Biblia - en una lectura opuesta a la eclesiástica y tradicional - acerca de la llegada de Jesucristo a la Tierra para salvar a la humanidad. No aquí a la humanidad de antaño sino a la sociedad actual, cansada ya de la presión y la represión física y espiritual heredada a través de los siglos, y dispuesta a una apertura de conciencia que un Jesús de carne y hueso, casi como un incensurable vecino de Montreal, podrá promover transmitiendo sus enseñanzas terrenales y comunitarias.¨ Alejandro Dramis 

Se trata de un film con momentos brillantes que es en suma es un enfoque original sobre una historia mil veces contada. 

Es una cinta elaborada con mucho ingenio, para retomar pasajes y personajes bíblicos y adaptarlos a la actualidad. 





La película, logra tocar la fibra pensante del espectador así como su mundo emocional , en base a una historia que nos desafía a re pensar los valores contemporáneos, la decadencia del pensamiento occidental y la falta general de justicia y espiritualidad en la sociedad moderna.


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LINK PARA VER EL FILM


PELíCULAS POLÉMICAS: THE LIFE OF BRIAN (1979) DE LOS MONTY PHYTHON - Fernanda Bargach-Mitre








Los Monty Python (a veces conocidos como los Python) fue un grupo británico de humoristas que sintetizó en clave de humor la idiosincrasia británica de los años 1960 y 1970. Estaba integrado por Eric Idle, Michael Palin, John Cleese,Terry Gilliam, Terry Jones y Graham Chapman.

En 1979, bajo la dirección de Terry Jones con Terry Gilliam como Director de arte, el equipo se lanza nuevamente a la pantalla grande con ‘Monty Python’s Life of Brian’. La película, protagonizada por Chapman, en el rol de Brian, cuenta la historia de un niño nacido en un pesebre cercano al de Jesús, donde una mujer llamada Mandy (Terry Jones), recibe luego del parto a tres hombres sabios que la llenan de regalos diciéndole que su hijo es el Mesías. 

Rápidamente se dan cuenta que el elegido ha nacido en el pesebre siguiente y arrebatándole los obsequios, se marchan dejándola a su suerte. La vida de Brian continua y como adulto se une a un grupo revolucionario para derrocar al gobierno, se enamora de una de sus compañeras de lucha y termina siendo condenado a la cruz. 




Este personaje, que obviamente no es Jesús, es confundido con este a lo largo de la historia, pasando por las más graciosas situaciones y persecuciones. La película causó bastante estrago en los grupos conservadores y eclesiásticos que la tomaban como una burla al Nazareno. Sin embargo, en el film se ve a lo lejos a Jesús dando el sermón de la montaña, como recurso inteligente de los Python para evitar confusiones. 

Sus detractores, aparentemente no vieron atentamente la película. Es más que obvio que Brian no es Jesús pero el mensaje de la película sí es claro: Piensa por ti mismo. No sigas una religión, grupo revolucionario o partido político ciegamente. Suficiente para molestar a los conservadores.



La vida de Brian fue un éxito de taquilla, logrando la cuarta mayor recaudación de cualquier película en el Reino Unido en 1979, y la más alta de cualquier película británica en los Estados Unidos ese mismo año. Ha recibido críticas muy positivas, siendo considerada como "la mejor película de comedia de todos los tiempos" por varias revistas especializadas y cadenas de televisión.

Se inspira en clave de parodia en la filosofía mesiánica que propició el nacimiento del cristianismo. Es una comedia de ficción situada en el contexto de la Palestina de la época de Cristo, durante el imperio romano. 

Se sustenta en las aventuras de un hombre común y corriente, Brian, hijo bastardo de un soldado romano y una promiscua feminista judía, al que las multitudes confunden repetidamente con el Mesías. 




La trama es bastante sencilla, no obstante, parodia entre otras cosas la intolerancia, el sectarismo y el dogmatismo, mostrando las divisiones internas envenenadas y los enfrentamientos mezquinos, tratando temas que siguen ocurriendo actualmente, como la negación de la realidad por parte de los fanáticos. 

Algunos gags famosos están protagonizados por un ficticio "Frente Popular de Judea" y sus rivales políticos, la pintada "Romani ite domum", que se inspira en el famoso "Yankees go home", entre otros, y haciendo uso de nombres, palabras y conceptos modernos, supuestamente pronunciadas en latín. 

Unos días antes del inicio del rodaje de La vida de Brian, en Túnez, el presidente de EMI Films leyó el guion de la película. Calificó la historia como "obscena y sacrílega", negándose a financiarla. En la discusión con el directivo que había concedido el visto bueno al proyecto de los Monty Python, Bernard Delfont pronunció unas palabras que aún se recuerdan por su involuntario contenido cómico: "No permitiré que la gente diga que yo me burlé del jodido Jesucristo". 




Fue el ex-beatle George Harrison, amigo del grupo de comediantes, el que salvó finalmente el proyecto, aunque para ello tuvo que crear su propia productora e hipotecar su casa y un estudio de grabación.

El cristianismo es satirizado en todo el film y en todas su vertientes. Se burlan de los fanatismo religiosos, desprecian gobiernos autoritarios y componen un film reflejo del pensamiento actual.

NOTAS Y CURIOSIDADES


-La película tras su estrenó en el Reino Unido, no llegó a verse en Irlanda y Noruega, donde incluso se prohibió su estreno.




-Se estrenó en EEUU en 1979, en unas 200 salas en todo el país. Hubo manifestaciones de protesta, incluida una de una asociación de rabinos de Nueva York. Las quejas, como suele ocurrir en estos casos, fueron beneficiosas para la taquilla, y la película pronto pasó a 600 salas. Ese año fue el filme británico con la mayor recaudación en EEUU, cerca de 20 millones de dólares. Fue la primera película de Monty Python en recibir una Clasificación R en los Estados Unidos, esto es, "Apta para menores de 17 años en compañía de un adulto".




-El poster del film está basado en el célebre de 'Ben Hur' (1959)

-Los decorados usados en la película son los de 'Jesus de Nazaret' de Franco Zeffirelli

-El 'Beatle' George Harrison, productor del proyecto, aparece como pastor en un cameo.

-Se eliminó del montaje final una secuencia con unos pastores que hablan de zoofilia junto al portal de Belén y otra escena en la que un comando nazi realiza un ataque suicida.

-Los 120 minutos que duraba la película quedaron reducidos a 94 en el metraje final.

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Escena final 
Siempre mira el lado brillante de la vida 

ESTA ESCENA FUE BASTANTE POLÉMICA Y SE DESARROLLA EN LA CRUCIFICCIÓN DE BRIAN


OPEN WATER (2003) AGÓNICA Y VISCERAL - Fernanda Bargach-Mitre




Se trata de una producción independiente, furor de la audiencia en el festival de Sundance, que con un costo menor al millón de dólares y sin efectos especiales, logra introducir al espectador en una pesadilla llena de adrenalina que lo mantendrá al borde del asiento durante sus 80 minutos de duración. Nos recuerda en su efecto, a ‘The Blair Witch Project’, que en 1999 aterrorizara en base a un miedo con dejos tan genuinos que producía escalofríos. 




En Open Water el terror se siente real, cercano, acechante presentando una nueva propuesta dentro del género. El film narra la historia de un matrimonio acosado por el stress del trabajo y las obligaciones, que decide tomarse unas merecidas vacaciones en una isla paradisíaca para descansar y practicar submarinismo. 

Daniel y Susan se embarcan en un bote, junto a otros turistas, que ancla lejos de tierra para que los buzos puedan disfrutar del mundo submarino. Después de 40 minutos bajo el agua, subirán a la superficie para comprobar atónitos que la embarcación se ha ido, dejándolos por equivocación a la deriva en el medio del océano. 




Aquí es donde verdaderamente comienza la película, junto a la cual hacemos un viaje plagado de ansiedad, sobresaltos y hasta agotamiento. Nuestros protagonistas quedan abandonados en el medio del mar, a merced de su fauna, que incluye enormes tiburones que los rodean periódicamente. 

Rodada con cámara digital al hombro, sin dobles, con actores submarinistas profesionales, sin grandes efectos computarizados, y en una misma locación durante tres cuartos de cinta, este reto lo asume con arrojo, Chris Kentis al frente del guión, la dirección y la edición. La 
fotografía la hizo junto a su esposa Laura Lau quien además encara la producción del film. 




Una historia, que, por increíble que parezca está basada en hechos reales. Aunque es difícil dotar de ritmo una película en la que sólo intervienen dos personajes en un único escenario, el director logra el cometido en base a un nuevo tipo de terror que genera claustrofobia. 

Parece un contradicción tener sensación de encierro en el vasto océano, pero nuestros protagonistas se encuentran 'atrapados' en su destino que les ofrece dos claras opciones: o serán rescatados cuando la tripulación se de cuenta que ha cometido un error o morirán de hambre y sed o devorados por los tiburones. 

Este sentimiento de encierro que produce el film, no aburre al espectador, por el contrario, lo acerca al drama humano de Daniel y Susan, generando una sensación de desasosiego. El ritmo se mantiene, allí donde parece imposible, en base a las conversaciones de los protagonistas, sus peleas, sus cambios de animo, sus necesidades fisiológicas, las posibilidades de rescate, y la intranquilidad creciente que se apodera de la pantalla. 




Rodada en las Bahamas, ‘Open Water’, es una película verdaderamente inquietante que nos enseña lo poco que solemos valorar nuestra cómoda vida y nos señala lo frágil que es el hombre frente a la inmensidad de la naturaleza. 

El guión es algo flojo y no profundiza en el desarrollo emocional de los personajes. Sin embargo, la fotografía es imponente y capta un impresionante espectro de luz marina. Una propuesta económica y arriesgada que vale la pena ver, solo si se es amante del género y se quiere experimentar un terror agónico y visceral.

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