viernes, 31 de octubre de 2014

INVESTIGANDO SOBRE THE MATRIX (1999) : RESEÑA, ESCENAS Y CURIOSIDADES



Sin duda esta cinta de ciencia ficción marca un punto de quiebre en el cine, siendo una de las películas más importante de la década de los 90 por sus aportes estéticos, técnicos, coreográficos y sus efectos especiales. 

La cinta combina acertadamente mensaje y envoltura, contenido y empaque, generando una película cautivante, original y controversial. 

Escrita y dirigida por Andy y Larry Wachowski, sin duda, el film revolucionó a la audiencia, convirtiéndose en éxito de taquilla y cinta de culto. 



La temática, de la humanidad controlada por las máquinas, retomó una metáfora interesante sobre la realidad del hombre moderno, envuelto y hasta expuesto a los altos factores de poder que parecen delimitar el curso de acción de sus vidas. 

Si bien el guión es atrapante, muchos lo critican por su falta de profundidad filosófica. Creo que es un terreno para el debate, y habrá fanáticos como detractores por igual porque sin duda fue sinónimo de polémica. 



Según el filósofo William Irvin: “Matrix es la película más filosófica que se haya hecho nunca: cada paso de su vertiginoso argumento puede ser puesto en conexión con algún problema filosófico. Si el mundo que conocemos no es más que un sueño virtual nuestro, ¿convierte eso al sueño en realidad? Si tuviéramos la posibilidad de salir de ese mundo soñado para regresar a otro más real pero menos agradable –tomar la pastilla roja- ¿sería un fracaso moral no hacerlo? ¿Por qué los seres humanos son más valiosos que [eventuales futuros] mecanismos electrónicos inteligentes? ¿Puede vivir la mente sin el cuerpo o el cuerpo sin la mente?”


Lo que es indudable es la calidad con la que esta ejecutada, la frescura que aporto a las escenas de acción, la innovación en el uso y movimientos de cámara. 



Uno de los efectos que popularizó esta película es el llamado "bullet time", creado originalmente por Michel Gondry, quien lo uso en el video "Like a Rolling Stone" de los Rolling Stones en 1995. Esta técnica "consiste en aparentar que se congela la acción mientras la cámara sigue moviéndose alrededor de la escena. El efecto visual se consigue utilizando múltiples cámaras que graban la acción desde distintas posiciones a una cantidad elevada de fotogramas por segundo, posteriormente se intercalan los fotogramas de cada una de las cámaras." . 

Se trata de una cinta deslumbrante, una de las más fascinantes entregas de ciencia ficción de los últimos años, y que siempre contará con una emblemática presencia en la historia de la cinematografía.




NOTAS Y CURIOSIDADES:





- Antes del inicio de The Matrix, los actores principales pasaron cuatro meses en un riguroso entrenamiento con expertos en artes marciales.

- Algunos medios de comunicación, en su día, la definieron como «la Biblia digital»,8 lo cual da una imagen bastante concreta de la cinta. Se podría decir que es el eterno ejemplo de la caverna de Platón9 llevado al cine de ciencia ficción con la manida y habitual base de una futura guerra hombre-máquina.


-Con todo su lujo y su poderío digital, Matrix estuvo a pique de salir a los cines como un filme de bajo presupuesto. Algo que parece más o menos lógico, dado que en los corrillos de Warner Bros se conocía al proyecto como “ese guión que no entiende nadie”. Cuando los productores les dijeron que ‘sólo’ dispondrían de 10,3 millones de euros para rodar su película, los hermanos Wachowski recurrieron a una estratagema genial: gastarse toda la suma en la primera escena del filme. Cuando vieron a Carrie-Anne Moss propinando esa legendaria patada en tiempo-bala, los ejecutivos les extendieron un cheque en blanco.

-Está inspirada en la 'Alegoría de la Caverna' de Platón. También hay una gran referencia a las primeras meditaciones de Descartes.

- En la escena final, El Oráculo afirma que volverán a ver algún día a Neo; esto puede ser una connotación religiosa respecto a la resurrección de Jesús.

- Con 200 planos de efectos especiales, que ocupan el 20 por ciento de su metraje, Matrix puede alardear de haber popularizado esta técnica que combina la imagen ralentizada con movimientos de cámara extremadamente rápidos. Ahora bien, ¿quién fue el primero en sacársela de la manga? Algunos (los clásicos) dicen que ya se hallaba en los trabajos del pionero Eadweard Muybridge (1830-1904). Otros, que apareció por primera vez en los créditos de la serie anime Speed Racer (¿te suena?). Pero su primera aplicación en el cine, por lo visto, tuvo lugar en Mata y mata otra vez, un producto videoclubero de artes marciales fechado en 1981. Los Wachowski, que la conocieron a través de los videoclips de Michel Gondry para Bjork, pueden sentirse orgullosos: un año después del estreno de Matrix, la escena más famosa del filme había sido parodiada en 20 películas.

- Una de las cláusulas del contrato que firmaron los hermanos Wachowski para la realización de la trilogía de The Matrix, es que no darían ninguna entrevista a los medios de comunicación.

- Cualquiera diría que la ropa lucida por los personajes de Matrix se compone de diseños exclusivos de primeras marcas, ¿verdad? Pues nada de eso: ese vestuario tan molón fue uno de los apartados en los que Silver y los Wachowski decidieron escatimar presupuesto, obligando a la diseñadora Kym Barrett a trabajar con materiales de baratillo

- Morpheus es el dios de los sueños en la mitología griega. Una de las premisas de la película es la relativa diferencia entre el mundo real y el mundo de los sueños. Representa una figura paternal para Neo, el encargado de ayudarle a “despertar”.

- El Oraculo, hace alusión al famoso oráculo de Delfos, era un santuario adonde acudían los antiguos griegos para conocer su futuro. En su entrada, al igual que en la película, se leía la frase: «Conócete a ti mismo».

- Una de las escenas más celebradas de Matrix es aquella en la que Morfeo pone a prueba la concentración de Neo mediante la famosa mujer del vestido rojo. Si te fijas en dicho momento del filme, verás que todas las personas que pasan por la calle se parecen muchísimo unas a otras. ¿Una consecuencia de la falta de extras? Todo lo contrario: todos los figurantes que aparecen en la secuencia son parejas de hermanos gemelos.

- El número de departamento del señor Anderson era el 101. En la novela 1984 de George Orwell, ese número hacía referencia al lugar donde enviaban a las personas para ser torturadas e inducidas a creer en situaciones falsas.

- Smith: es un apellido muy común en inglés, lo que insinúa que puede representar a cualquiera, o a todos a la vez. Y así lo vemos en la película, el agente Smith se encuentra en cualquier parte de la matrix, Smith es un programa, pero después se ve como una especie de virus que termina infectando toda la matrix, en las demás películas.

ESCENAS:

PELEA SOBRE EL TECHO



ESCENA DEL LOBBY



PELEA EN EL SUBTERRANEO



ESCAPE DE TRINITY


jueves, 30 de octubre de 2014

LA REINA MARGOT (1994) - UNA OBRA DE ARTE DEL CINE FRANCÉS





Esta película, dirigida por Patrice Chéreau, con guión de Danièle Thompson sobre una novela de Alejandro Dumas de igual título ambientada en el siglo XVI, es de vista obligada para los cinéfilos. 




Se ubica cuando Francia se encuentra inmersa en una guerra de religión que divide a católicos y hugonotes. El rey Carlos IX y su madre Catalina de Medicis intentan terminarla arreglando el matrimonio entre Margarita de Valois, su hermana pequeña, y Enrique de Borbón, el rey de Navarra, uniendo ambas dinastías. 

Con una ambientación maravillosa y un excelente juego de color esta historia es desgarrada e intensa. 




Margot, interpretada soberbiamente por Isabelle Adjani, está condenada a un destino que no desea, un matrimonio sin amor. Seis días después de la boda, tendrá lugar la matanza de San Bartolomé: entre cinco mil y diez mil protestantes fueron asesinados esa noche en las calles de París por orden del rey Carlos IX. 




La película es dura, de una violencia a veces atroz y la presencia de los vicios de la época es obvia. El film es una espléndida superproducción francesa que combina un definido retrato de personajes, con una maravillosa adaptación de época, un vestuario espectacular, cada detalle en su lugar y es a la vez una historia de amores imposibles. 




Las actuaciones de todo el plantel son maravillosas y el guión muy sólido es llevado a la pantalla con destreza por Patrice Chéreau. Galardonada con 5 premios Cesar, también fue nominada a los Globos de oro como mejor película de habla no inglesa y a los Oscar en el renglón de mejor vestuario entre muchas otras nominaciones a los premios Bafta y el festival de Cannes. 




En suma se trata de un espectáculo soberbiamente elaborado, apasionante e inolvidable. 

FICHA TECNICA: Dirección: Patrice Chéreau 
Guión: Daniele Thomson, Patrice Chéreau 
Música: Goran Bregovic 
Fotografía: Philippe Rousselot 
Reparto: Isabelle Adjani, Daniel Auteuil, Virma Lisi, Vincet Pérez.

TRAILER:


miércoles, 29 de octubre de 2014

CORTA RESEÑA Y ESCENAS DE 37°2 LE MATIN - BETTY BLUE (1986) - Fernanda Bargach-Mitre





37°2 le matin (Betty Blue /1986) Basada en la novela de Philippe Djian, con guión adaptado y dirección a cargo de Jean-Jacques Beineix, este film marcó pauta en su estreno.




La película narra la historia de Zorg, un aspirante a escritor que trabaja como encargado de unos bungalows en la playa donde conoce a Betty, una joven tan bella como salvaje e impredecible. 




La vida tranquila de Zorg dará un vuelco en esta tormentosa y ferviente relación y observará como el carácter sin reglas de su amada empieza a descontrolarse hasta colindar con la locura. 




El film es una maravilla, una historia con mucho sexo y una ternura muy natural que describe una relación tan desgarradora como intensa. 

La fotografía es maravillosa, interpretaciones geniales tanto de Jean Hugues Anglade como de Béatrice Dalle , música perfecta y lo más importante: la trama nunca decae y nos atrapa desde el primer fotograma. 




Se trata de una pieza fundamental del buen cine erótico francés acompañada con un color intenso y sentimientos inquietantes. 

En sus más de tres horas de duración “Betty Blue” es una película que mantiene la expectativa de cómo va ser el final de la historia de amor. La película nos muestra como un hombre es capaz de amar a una mujer, centrándose más en todo lo positivo de ella y menos en lo negativo. Zorg afronta los trastornos emocionales y actos impulsivos de Betty, con tranquilidad. Él no la abandona en ningún momento, sigue ahí con ella brindándole un querer con actos y palabras. Es capaz de mostrar que en nombre del amor, él puede ser un luchador de la vida.

“Beineix consigue alejarse del estilo realista que predominó en el cine francés en los años 70 para traernos, sin duda alguna, una de esas películas que el paso del tiempo no callará.” 

La película tiene dos versiones, la primera estrenada en los cines y una segunda con más metraje y un nuevo montaje del director estrenada años más tarde, llegando a superar las 3 horas de película. A principios de la década de 2000, se reedita en DVD esta versión extendida de la película en varios países europeos y en Estados Unidos. En el verano de 2009, se estrena en cines por primera vez en Estados Unidos, gracias a la distribuidora "Cinema Libre Distribution", la película en su versión del director.





Estamos frente a una de las más influyentes películas de “ amor loco” que se hay realizado. Su huella queda indeleble en las emociones del espectador, sus escenas quedan resonando en nuestra memoria, es sin duda, una cinta inolvidable.

ZORG Y BETTY




CLIP DE MOMENTOS



TRAILER CORTE DEL DIRECTOR




BETTY BLUE BANDA SONORA POR GABRIEL YARED


martes, 28 de octubre de 2014

4 IMPRESIONANTES ESCENAS DE PELEA POR LIAM NEESON





TAKEN 2














TAKEN 1







UNKNOWN IDENTITY






ESCENAS INDELEBLES DE THELMA AND LOUISE





Con dos actrices de alta factura como Susan Sarandon y Geena Davis,las dos fantásticas y ambas nominadas al Oscar, esta película se convirtió en un éxito total, en base a la romántica y emocional historia de dos amigas que emprenden uno de los viajes de carretera más famosos del cine. 

Con este film Scott logra recuperar el prestigio de saber combinar comercialidad con el carácter de director de culto. Thelma y Louise no es una historia de seres desesperados, aunque pueda parecerlo. Por eso el tono del film ofrecía grandes dificultades. ¨Me propuse, ante todo, lograr una mezcla sutil de comedia y tragedia¨.




 El film posee una cinematografía de carácter publicitario que logra el objetivo de atrapar el ojo del espectador, y por muchos lugares comunes dentro del guión, la química entre el director y sus dos musas provocó que se filmara una película inolvidable, para volver a ver cualquier día a cualquier hora. 

Así mismo esta película abrió el mundo de la acción para las féminas, poco aprovechadas en este género. La película marcó un corte que le permitió a muchas actrices ser consideradas para roles arriesgados, antes reservados para los hombres.




La historia estuvo a punto de no ver la luz, ya que su guion suscitaba una importante desconfianza entre un buen número de productores y directores. De hecho, era sobre todo la temática que trataba la que costaba que los estudios aceptaran, en particular, la antológica escena final que contrastaba con el final feliz clásico de Hollywood. Incluso, cuando se estrenó, la película suscitó una intensa polémica en Estados Unidos, básicamente porque mostraba dos heroínas que respondían con armas a la violencia machista. Sin embargo la cinta, situada en la intersección de varios géneros cinematográficos, está hoy considerada un clásico que ha llegado a influir en otras películas y obras de arte, y se ha convertido en un mito del movimiento feminista.





Lo esencial de la acción pasa en la carretera. Las dos heroínas atraviesan los paisajes suntuosos de Arkansas y Arizona, en un Ford Thunderbird 1966 descapotable, con los cabellos al viento, lo que evoca una sensación de gran libertad.Además de los numerosos planos visuales con el coche en movimiento, los decorados son muy representativos del estilo de vida estadounidense, asociado a las largas distancias, la carretera y los elementos que la configuran: surtidores de gasolina, moteles, tiendas y servicios destinados a los camioneros. Ridley Scott explica que el hecho de ser europeo ha sido una ventaja para el rodaje de esta película. «Los estadounidenses viven rodeados de un montón de cosas que ni siquiera ven porque forman una parte integrante de su cultura... Sin embargo, yo, en tanto que no iniciado, puedo ir en coche a través del desierto del suroeste y extasiarme delante de kilómetros y kilómetros de postes telefónicos, lo que el estadounidense medio considera del todo normal».




En una mezcla de géneros: road movie, policial, drama y hasta comedia con toques de los viejos films del oeste, esta película ha sido y es un referente cultural dentro de las mujeres en el cine. 



ESCENA DEL CAMIONERO




ESCENA DEL POLICIA




ESCENA PERSECUCION EN AUTO




ESCENA DEL ROBO




ESCENA FINAL CORTE DEL DIRECTOR





ESCENA FINAL OFICIAL


viernes, 24 de octubre de 2014

BUENA MUESTRA DE CINE NEGRO: L.A. CONFIDENTIAL (1997)





Dirigida por la certera mano de Curtis Hanson, este thriller negro estuvo nominado a 9 Oscars y se llevo el de mejor actriz de reparto para Kim Bassinger y mejor guión adaptado escrito por Brian Helgeland y el propio director, basándose en la novela de James Ellroy. 



La trama está ambientada en Los Ángeles, años 50. El departamento de policía vive tiempos agitados en una ciudad revuelta y sacudida continuamente por escándalos que destapa la prensa sensacionalista, y donde todo el mundo busca la fama, drogas, alcohol, sexo o dinero. 



Dos agentes de caracteres opuestos, en cambio, guían sus acciones por nobles sentimientos: Bud White (Russell Crowe) se mete en todo tipo de líos pero no soporta que maltraten a una mujer. Mientras, Ed Exley (Guy Pearce) es un novato que quiere 'limpiar' el cuerpo de policía de la corrupción imparable que invade todo el escalafón policial, aunque le cueste el desprecio de sus compañeros. 



Cada uno tiene sus tareas y sus problemas, hasta que una noche aparecen muertos varios agentes en un local nocturno que dará pie a una investigación fascinante. L. A. Confidential narra la alianza moralmente ambigua entre estos tres policías incompatibles que se unen en la investigación de unos asesinatos múltiples hasta que descubren que los más altos cargos de la policía y del Gobierno están implicados en asuntos de drogas, chantajes y pornografía.




Esta película sin duda, representa lo mejor del cine negro norteamericano de los últimos años, plasmada magistralmente en la pantalla grande. "El cine negro estaba dormido (casi muerto) a finales de siglo, cuando de repente nos llegó este film magistral, turbio, intenso y asombrosamente narrado."




Una compleja e intensa historia ejecutada con pulcritud, que nos envuelve en su ambiente turbio y sus personajes sublimes. De gran riqueza visual y excelente banda sonora, esta cinta es absolutamente atrapante y una muestra de excelente narrativa , acertada dirección y un elenco de lujo.

La película fue muy aplaudida en su tiempo por mezclar exitosamente varios elementos del género y por tener una trama muy bien diseñada, llena de subtramas que se entretejen para dar lugar a la principal, sin perder el toque de suspenso, acción y drama.

TRAILER



REVISANDO EL CINE DE GONZÁLEZ IÑÁRRITU: BABEL (2006) - Fernanda Bargach-Mitre






Según el director González Iñárritu esta fue su última colaboración con el guionista Guillermo Arriaga, en lo que el llama el cierre de un trilogía, por lo que Babel fue la última entrega, de este conjunto tan prolífico y profesional. 




Todo empieza a girar con un disparo, emitido por un niño jugando con un rifle en el desierto de Marruecos que desencadenará una serie de hechos aparentemente fortuitos que conectarán a una pareja de norteamericanos que entrarán en una lucha por sobrevivir y trascender terribles circunstancias. 




Por otra parte, nos encontramos con la niñera de origen mexicano que cuida a los niños de la pareja, que cruzará ilegalmente la frontera junto a los infantes y a una adolescente japonesa sordo-muda y rebelde cuyo padre es investigado por la policía.




A pesar de las culturas distintas que los separan así como las distancias geográficas, este grupo de seres comparten un hado de aislamiento y dolor que los lleva a sentirse perdidos: en el desierto, dentro de sí mismos, dentro del mundo que los rodea para lentamente sumergirse en el abismo de la confusión y el miedo, mientras navegan las profundidades de las relaciones. 

Si bien como en las películas anteriores de este director, hay varias historias, en esta ocasión ocurren en tres continentes diferentes y es multilingüe, por lo que fue un reto rodarla, logrando tanta precisión en la recreación de los distintos ambientes. 

El realizador sale airoso en el sentido estético aplicado a cada cultura, con el inteligente uso del color y los movimientos de cámara logran hacernos sentir el caluroso desierto marroquí con la misma veracidad que la urbe japonesa. 




Como en sus anteriores films revela una pericia técnica sobresaliente en el uso de efectos de cámara y los visuales recursos narrativos. Logra además, incluir al espectador en el mundo emocional de los personajes, con impactantes primeros planos y una edición precisa en un desarrollo no lineal. 

Con un sólido reparto el film se apoya en excelentes actuaciones. Estamos sin duda frente a una gran obra que desborda creatividad e ingenio. Puede pensarse que el guión y el montaje, critica que han hecho muchos, responden a una forma artificial que solo busca el exceso de drama. Sin embargo su estructura es una opción válida para llegar a lo más hondo de los personajes, cometido que se logra gracias a los recursos usados por el director como la cámara en mano, composiciones tipo descuidadas, aceleramiento de la imagen y un excelente manejo del sonido que juega magistralmente, con los silencios y la banda sonora. 




Vale destacar el maravilloso trabajo de Gustavo Santaolalla en la música de la cinta. Toda esta conjugación de elementos: el inteligente y sólido guión de Arriaga, la dirección eficaz y sobresaliente Iñárritu., las maravillosas actuaciones y en suma el gran trabajo de todo el equipo detrás de cámara, dan a luz un brillante film que se nos mete en la piel a través del sufrimiento existencial de sus personajes en un época contradictoria, seres enfrentados al miedo, el vacío, la soledad, la inadecuación y otros sentimientos inherentes a la vida contemporánea. 

Seres que se que nos quedan en la memoria y que nos hacen reflexionar sobre el dilema de la existencia en un mundo globalizado, pero plagado de sectarismos y separación.En suma se trata de un film profundo que además resalta por su impecable factura. 




Babel es en suma un film que plasma el mundo polarizado en el que vivimos, reflexión que se hace a través del acercamiento a distintos dramas existenciales. Definitivamente un tema interesante pero es la forma en que está contada y filmada lo que hace que esas diversas historias nos lleguen adentro, en un laberinto como la Torre de Babel. 

Se trata de cine de autor, con un sello claramente definido. Para algunos es una formula repetida, para mi es un vehículo adecuado, una forma para contar distintos contenidos y considero que cada uno de sus films podrán parecerse en su estructura pero son por separado obras que valen por sí mismas. 

TRAILER



CLIP DE LA PELÍCULA


REPASANDO EL CINE DE TIM BURTON : CHARLIE AND THE CHOCOLATE FACTORY (2005) - Fernanda Bargach-Mitre





Al entrar al mundo de Tim Burton las palabras claves son imaginación , excentricidad y algo de oscuridad. Este director de corte surrealista ha recreado múltiples ambientes en sus películas, mundos extraños pero siempre estéticamente coherentes. 



Es de destacar que su afición por lo absurdo y sorprendente lo lleva a recrear escenarios fantásticos que se cuelan en nuestra memoria. Recordemos que hablamos del creador de películas que suelen girar alrededor de bizarros personajes como Betlejuice, Edward Scissorhands, El jinete sin cabeza, etc , que suelen trasportarnos a esferas conceptuales desbordadas de ingenio y sátira como en Big Fish, Ed Wood y hasta El Planeta de los Simios con su irónico final. 



Este director le pone su sello personal a todo lo que hace y Charlie y la fábrica de Chocolate no es la excepción. La película versa sobre el excéntrico chocolatero Willy Wonka (Johnny Depp) y Charlie (Freddie Highmore), un niño de buen corazón que procede de una familia pobre que vive a la sombra de la extraordinaria fábrica de Wonka. 

Aislado desde hace tiempo de la sociedad, Wonka lanza un concurso a nivel mundial para elegir un heredero para su imperio de golosinas. Cinco niños afortunados, entre los que se encuentra Charlie, obtienen Billetes de Oro de las tabletas de chocolate y ganan un viaje organizado a la legendaria fábrica que ningún extraño ha visto desde hace 15 años. 



La fábrica es un misterio para toda la ciudad, ya que nadie entra ni sale de ella en todo el día y sin embargo produce millones de golosinas distribuidas a nivel mundial. Una vez que los cinco pequeños y sus acompañantes adultos conocen a Wonka, quedan impactados por este personaje caricaturesco, al que Johnny Depp le saca el jugo, con una actuación muy pulida aunque algo maniqueísta (por este performance ha recibido fabulosas y horribles críticas a la vez). 

Wonka es un lunático que no ama en absoluto a los niños, de aspecto algo amenazante, una especie de payaso freak, que esta dispuesto a hacer pasar a los muchachos por varias pruebas antes de elegir al futuro encargado de su amada empresa. 



Cuando los visitantes entran a la fábrica, nosotros, los espectadores, entramos con ellos en un mundo surrealista, con enormes piscinas de chocolate, ardillas que trabajan de a miles pelando avellanas o los increíbles Oompa-Loompas, que se roban el show con sus interpretaciones musicales. Esta suerte de ejército simpático de Wonka tienen el tamaño de una mano y todos poseen la cara del actor Deep Roy, quien se luce en este rol. 

Este es un film tanto para adultos como para niños, que ofrece un humor oscuro pero sorprendente, situaciones inverosímiles pero fascinantes y una producción sumamente cuidada en todos sus detalles estéticos y narrativos. 



Detrás de la excentricidad de las situaciones y los personajes hay una profunda historia del amor de un niño por su familia, un mensaje humanitario, simple pero conmovedor. Y vaya que vale la pena emprender este viaje por la fábrica de Wonka, un mundo alucinante, explotado en color, lleno de seres extraños y raras maquinarias que nos atrapa de principio a fin. 



Tim Burton hace de las suyas y como siempre nos entrega una obra de calidad que exuda ingenio y fantasía, que con una banda sonora imponente compuesta por Danny Elfman, se convierte en otro film de culto de este excéntrico director que sabe dejar su huella indeleble en todo lo que hace con su indiscutible cine de firma.

ESCENA LA CANCIÓN DE VIOLETA CON LOS OOMPA-LOOMPAS



TRAILER


MEMORABLES ESCENAS DE DENZEL WASHINGTON





Denzel Hayes Washington, Jr. ( nacido el 28 de diciembre 1954) es un productor, actor Y director de cine  estadounidense . Ha recibido la aclamación de la crítica por su trabajo en el cine desde la década de 1990 , incluyendo por sus retratos de figuras de la vida real , tales como Steve Biko , Malcolm X , Rubin "Hurricane " Carter , Melvin B. Tolson , Frank Lucas y Herman Boone. Washington ha recibido dos premios Globo de Oro y un premio Tony y dos premios de la Academia : . Mejor Actor de Reparto por Glory (1989 ) y Mejor Actor por Training Day (2001)


JOHN Q - 2002










THE FLIGHT - 2011

ESCENA DESCENSO



ESCENA CONFESIÓN






MALCON X - 1992
DISCURSO INiCIAL



 


MALCON X : 
WHITE AND BLACK 







TRAINING DAY - 2001








MAN ON FIRE - 2004







AMERICAN GANGSTER - 2007






REMEMBER THE TITANS - 2000





INSIDE MAN - 2006








THE GREAT DEBATERS - 2007





THE HURRICANE - 1999