viernes, 8 de enero de 2016

ENTREVISTA A PIAZZOLLA ALLA EN EL INVIERNO DEL 62 - RICARDO BARGACH MITRE

   


En el invierno de 1962, yo hacía la "colimba" (y por lo tanto exhibía el avergonzante rapado de los "soldados" de esa época) en una Argentina muy convulsionada por constantes "planteos" (así se llamaba  a la amenaza en aquéllos tiempos) militares, al gobierno constitucional del Dr. Arturo Frondizi, elegido en las urnas (me refiero a las electorales, por si acaso) y ungido merced a la proscripción del peronismo.
Perón daba órdenes desde Madrid.
Yo estudiaba abogacía y "dirigía" una revistita "under"  y super -protestataría que se llamaba YA y "tiraba" unos 1.000 ejemplares impresos en "Rotaprint".
La publicación se había originado en  "mi" Colegio Secundario el Instituto José Manuel Estrada (aún existente en la intersección de la Av. Entre Ríos y la calle Constitución, en Buenos Aires) y un grupo de ex - alumnos del mismo, hacíamos lo posible por mantenerla, en combinación con los que aún estudiaban allí.
Yo, además de izquierdista y protestatario era un ferviente admirador de Astor Piazzolla y tenía en la revista una columna que se llamaba " Lo que Vendrá",  título de un famoso tango de Astor en la época.
Mi admiración, además del restallante talento de Astor, que había hecho que los jóvenes de mi tiempo (Halley, Elvis, Los Plateros y la primera Mercedes Sosa, eran los ídolos de los "pensantes" como yo y El Club del Clan, el de los otros) accediéramos a escuchar algo que sonaba a "tango", vocablo que para la época, sonaba irremisiblemente a "viejo", provenía de  otras fuentes. De niño, e inducido por mis padres, había estudiado bandoneón y sabía, en carne propia, de las grandes dificultades de ejecutarlo.
Argentino y fundamentalmente porteño, le hacía alguna "concesión" al tango, por ejemplo, si los ejecutaba el Gordo Troilo, que era demasiado grande para ignorarlo, o si lo "gritaba" el Tata Cedrón, que era demasiado "nuestro" como para  no tenerlo en cuenta.
El caso es que en aquél invierno de 1962, le digo a mi amigo, Héctor Pallazo, gran fotógrafo en ese tiempo y después: " vamos a hacerle un reportaje a Piazzolla".  Y así, con la inocencia de la juventud y el último ejemplar de YA como credencial, nos presentamos en el "boliche" en que tocaba Piazzolla, una hora antes de su presentación y sin cita previa.
Astor no nos sacó a patadas. Por el contrario, nos atendió muy amablemente en su camerino, mientras Héctor tomaba fotos que se perdieron en mis exilios y yo, joven, atrevido y rapado, extraía una libretita de mi "piloto" y le hacía las preguntas al maestro.
Tampoco pude rescatar el ejemplar de Ya, en el que publicamos la nota, ya que mi suegro León, los hizo desaparecer junto con algunos discos de La Rosa Blindada, ejemplares de "Hoy en la Cultura", "El Escarabajo de Oro" y algún libro de Sartre, Marx y hasta del "Colorado Ramos" (y otros accesorios  culturales y folklóricos de la época) una vez que le pedí que "me los guardara", debido al riesgo que la policía allanara  el departamento en que vivía con mi compañera y con mi hija, Fernanda, que apenas, en ese tiempo, se erguía de su cuna.
Esa, no obstante, es otra historia.
De aquélla noche  del 62,   en la que "entrevistamos a Astor", al que se lo veía flaco y muy elegante, sólo me acuerdo de pocas cosas: la admiración que me confesó para "los bajos" del Gordo Troilo y la felicidad que teníamos con Héctor cuando nos fuimos con "la nota", después que el Maestro nos invitara a presenciar la actuación del su Quinteto.
Miento, recuerdo otras cosas.
 Cuando volvía para mi casa, en el "Colectivo 39" aún pensaba: "como hace este tipo para abrir el "fueye" de esa manera".
Y aún lo pienso.
Creo que la magia del compositor y del arreglista opacaron la maestría del Piazzolla bandoneonista.
Alguien se hará cargo de arreglar, igualmente tarde, esta injusticia.

En Caracas, Febrero de 1999.

Ricardo Bargach Mitre (QEPD)


PIAZZOLLA:EL RIGOR Y LA PASIÓN DE UN IRREVERENTE GENIAL - RICARDO BARGACH MITRE






Sin duda, algo feo nos pasa a los argentinos. Como si no pudiéramos soportar el talento de nuestros compatriotas, los atacamos ferozmente en cuanto los alcanza el éxito. Si este es internacional, peor. Si el mundo los reconoce, más los vituperamos.
El mundo se equivoca, nosotros no.
Pasó con Borges.
Pasó con Piazzolla.
Pasó (o pasa) con Cortázar.
Y ahora parece pasar con Sábato.
Sin duda nos queremos poco.
"Lo importante de Piazzolla es que la base de su música ES TANGO y que encima, está la música. Y no se parece a ninguna porque es absolutamente Piazzolla."  Esta opinión,  emitida, por un crítico del New York Times, y poco compartida en su tierra, alegraba a Astor que decía de su música: ..." La escribo para la gente que ama la música, porque sí..."
Astor Piazzolla, hijo de Vicente (Nonino ) y Assunta, alumno de Rachmaninov,  Nadia Boulanger y Alberto Ginastera; hombre de tango atípico, que no amaba la noche ni los tragos, que se levantaba temprano y le gustaba el aire libre. Este marplatense, cuya infancia transcurrió en Nueva York y cuyo nombre, al igual que el de Carlos Gardel, es sinónimo de Argentina, de tango y más precisamente de BUENOS AIRES, TUVO LA PASION Y EL RIGOR DE UN IRREVERENTE.


Se "metió" con el tango. Y lo renovó. Y convocó nuevamente al asombro. Y le dio nueva estatura internacional...
¡Qué coraje, el de Piazzolla!...aparecerse, con su Octeto en  la Argentina del 55, aquél año que marcaría el final del segundo gobierno peronista, derribado por un golpe militar. Gran parte de aquél país en transición, culturalmente adormecido lo rechazó ásperamente.
Sentenciaron, simplemente, que su música no era tango.
Ni siquiera "nuevo tango".
El talento de Piazzolla ofendió a la mediocridad. Nuestra tradicional intolerancia hizo el resto. Boicots, rechazos, persecuciones. Saboteos de músicos, emisoras y editoriales lo llevaron a emigrar a Nueva York en 1958.
Volvió en el 60 a una Argentina que cambiaba aceleradamente y formó su primer Quinteto - el de Nonino, Verano, Invierno, Otoño y Primavera Porteñas, el de Decaríssimo (en donde le rindió homenaje a otro antecesor irreverente: Julio de Caro) - el de Muerte y Resurrección del Angel - formación en la que volcó su pasión y su rigor de genial irreverente, para terminar de inscribirse como uno de los músicos más importantes del siglo.
Para acabar con las imbéciles discusiones de aldea que se sostenían en Argentina, llamó a la suya "Música Contemporánea de la Ciudad de Buenos Aires".
Entonces el prejuicio tuvo un momentáneo alivio y aquéllos que enérgicamente imputaban " eso no es tango" pudieron descansar por un momento.
No fue mucho más que un momento, porque mientras en Argentina los seguidores de Piazzolla se multiplicaban, el Mundo se encargaba, también, de zanjar la estúpida discusión.
El carácter universal del arte se encargaba de devolvernos, lo hace todavía, la imagen que el mundo tenía (tiene) de Astor Piazzolla. La de un genial creador argentino de música de tango.


Ha corrido mucho agua debajo de los puentes y, contemporáneas a Piazzolla, sucedieron muchas cosas, algunas tan trágicas como la dictadura militar de los 70. No obstante tantas cosas, quedan, todavía, muchos argentinos que dicen, ahora tímidamente, "que querés que te diga, para mí eso, todavía, no es tango".
Dicen que Piazzolla, allá por 1989, se reconcilió públicamente con alguno de ellos, en un Concierto que dio en el Teatro Opera.
Enorme grandeza la suya.
Mayor que la nuestra, que aún lo estamos pensando...
No por Astor, sino por nosotros, aquéllos argentinos que pensamos que algo feo, nos pasa.
A nosotros, porque son demasiados ejemplos de mezquindad.
Es hora que dejemos de intentar devorarnos a nuestros mejores compatriotas...

Caracas, Febrero de 1999.
Ricardo Bargach Mitre (QEPD)

sábado, 24 de enero de 2015

PALABRAS DE CINE : STANLEY KUBRICK - Juan José Marín Abadie







El día de la pelea junto a una casta de malditos caminamos senderos de gloria limitados entre miedo y deseo.

Nacido para matar y cubierto con la chaqueta metálica, llevaba ojos ampliamente cerrados pero con cierta inteligencia artificial. 

Sería el atraco perfecto, suerte de 2001 odisea en el espacio Teníamos la perfección de una naranja mecánica, de una patrulla infernal. 

Pasamos por la puerta de Barry Lyndon aquel doctor insólito que al asomarse por la ventana erguido como Espartaco nos inundó con un violento resplandor. 

 A la vuelta de la esquina estaban los marineros. Rápido como un padre volador, mire fijamente a Lolita y le regale el beso del asesino. 

 Al instante sonó un teléfono rojo que nos dijo, volamos a Moscú.


sábado, 17 de enero de 2015

AMERICAN SNIPER : CORTA REFLEXIÓN - Fernanda Bargach-Mitre





American Sniper es una película estadounidense de acción y biográfica del 2014 dirigida por Clint Eastwood y escrita por Jason Dean Hall. Se basa en la autobiografía de Chris Kyle, American Sniper. La película está protagonizada por Bradley Cooper, Sienna Miller, Luke Grimes, Kyle Gallner, Sam Jaeger, Jake McDorman y Cory Hardrict.


REFLEXIÓN




AMERICAN SNIPER, de Clint Eastwood,nos trae la historia del francotirador más letal de Irak, norteamericano por supuesto. 

Este hombre apodado leyenda por haber matado a más de 100 personas, es el motivo de un film nominado al Oscar y ganador de muchos premios. 

Clint nos muestra su lado nacionalista moderado con esta historia, que si bien muestra la crudeza de la guerra, no profundiza. Como amante de su cine, siento cierta perplejidad frente a esta última cinta.

Perfectamente realizada, de alta factura y buen elenco la película me dejó un sabor amargo. Viendo a los soldados perdidos en un territorio desconocido, lo primero que me pregunté, es que hacían esos muchachos jóvenes a miles de kilómetros de su país. Que hace USA en Irak? Peleando contra el terrorismo? defendiendo a la población civil?.A esta alturas, ya sabemos que esas son verdades muy relativas. 

En conclusión el film me parece conveniente y complaciente. En otro orden de ideas, Por qué destacar la historia del mejor asesino ? La premisa es que por ser francotirador salvó a muchos soldados. 

A mi criterio es patético que se hable con orgullo de un experto en matar sea por las razones que sea. Definitivamente el film deja una sensación hueca, de falta de reflexión y profundización sobre el tema y el personaje central.

TRAILER




domingo, 4 de enero de 2015

ESCENAS Y RESEÑAS DE IMPORTANTES PELÍCULAS DE LOS AÑOS 70 - Fernanda Bargach - Mitre





Aunque los grandes estudios seguían dominando la distribución de las películas, otros sectores de la industria, como la producción, el rodaje y el financiamiento estaban cada vez más en manos de estudios y productores independientes. En los años 70 empezaron a aparecer los actores- productores, directores-productores, guionistas-productores y actores-guionistas. Si bien seguían las super producciones de los estudios, los grandes cineastas que surgieron o llegaron a la plenitud en los setenta, crearon las obras de arte más audaces de la historia, y posiblemente las verdaderamente clásicas. Esto es, las que nunca envejecen, nunca pasan de moda, y están fuera de su tiempo para permanecer en la historia del cine indelebles.


El Padrino (1972)




Es una de las producciones más aclamadas y apreciadas de la cinematografía estadounidense y mundial, siendo considerada por la mayoría de la crítica y un gran sector del público como uno de los mejores filmes de todos los tiempos y la mejor película de Francis Ford Coppola.En 1973 se hizo acreedora a tres premios de la Academia de las Artes y las Ciencias Cinematográficas estadounidenses por Mejor Actor para Marlon Brando, Mejor Película y Mejor Guión Adaptado para Mario Puzo y Francis Ford Coppola; anteriormente había ganado cinco Globos de Oro por Mejor película - Drama, Mejor director, Mejor actor - Drama, Mejor canción original y Mejor guión.
Esta película presenta un retrato preciso y profundo de una época y un ambiente, pero sobre todo es una crítica subrepticia a la sociedad norteamericana, las relaciones intrafamiliares, la práctica política y sus esquemas morales tratados sutilmente como trasfondo del guión mediante asuntos relativos al mundo de la mafia, la inmigración, la relación de pareja, los sistemas de dominación familiares, la violencia criminal y su asociación política, etc. Parte del atractivo visual y estilístico de la obra consiste en la interpretación de la figura de Michael Corleone. En la secuencia inicial de la película Michael se nos presenta con rostro angelical, incluso Coppola emplea filtros especiales que reducen sus arrugas y combinados con la iluminación y el maquillaje nos enseña un Michael mucho más joven, recién abandonada la adolescencia. El brutal cambio que se opera en su alma cuando asume la herencia de sangre de los Corleone se refleja también en su rostro, que en la última escena es ya el de un hombre maduro, complejo, que mira directamente a los ojos y miente con todo su corazón. Sin embargo, se le ha criticado al director el ofrecer una imagen demasiado atractiva del mundo de la mafia.

ESCENAS








Alien (1979)




Alien: el octavo pasajero (Alien) es una película estadounidense de ciencia ficción y terror dirigida por Ridley Scott y estrenada en 1979. Contó con los actores Sigourney Weaver, Tom Skerritt, Veronica Cartwright, Harry Dean Stanton, John Hurt, Ian Holm y Yaphet Kotto. El título de la película hace referencia al antagonista: una agresiva criatura alienígena que acecha a la tripulación de una nave espacial. Con un suspenso magistral, esta cinta obtuvo buenas críticas y fue un éxito de taquilla para convertirse en un referente del género. Muchas películas posteriores se inspiraron en la estética y la tensión manejada por Ridley Scott a lo largo del metraje. Un film que no da respiro, con un excelente casting y actuaciones que conforman solidez y asertividad en este largo imperdible.

ESCENAS







Taxi Driver (1976)




Taxi Driver es una película de culto estadounidense de 1976 dirigida por Martin Scorsese y escrita por Paul Schrader. El filme está ambientado en Nueva York, poco después de que terminara la guerra de Vietnam, y está protagonizado por Robert De Niro, quien interpreta a Travis Bickle, un excombatiente solitario y mentalmente inestable que comienza a trabajar como taxista, incorporándose a la turbia vida nocturna de la ciudad. 
La voz en off, el ritmo narrativo magistral, la angustia y desolación de Travis, su locura, todos elementos , componen una pieza única de las mejores de la extensa filmografía de Scorsese.

ESCENAS









Midnight Express - 1978




Fue dirigida por Alan Parker y contó con Brad Davis como actor principal. El guion es obra del ahora famoso director Oliver Stone. El filme está basado en un hecho biográfico real acaecido en 1970: la historia de Billy Hayes, un joven estadounidense que fue detenido por posesión de hachís en el aeropuerto de Estambul (Turquía) y fue condenado a 30 años de prisión por tráfico de drogas. Fue sometido a vejaciones en un ambiente infrahumano y logró escapar a Grecia, donde fue detenido y deportado a los Estados Unidos. Billy escribió el libro homónimo en que se basa el filme.
Muy duro de digerir, se trata de una cinta carcelaria y no escapa al dolor, la desesperación y la locura inherente a estas, tomando en cuenta que se desarolla en Turquía. Brad Davis brinda el performance de su carrera, excelente en su labor y muy creíble en su metamorfosis. Un alma a punto de ser destruida que logra preservarse en el mero centro del infierno.

ESCENAS







The Tenant - El Inquilino (1976)



Roman Polanski participa en el guión, dirige y protagoniza esta excepcional película que es una mezcla de cine de terror, humor negro y discurso filosófico sobre la identidad y la locura. Este thriller psicológico, estrenado en 1976, fue un fracaso de taquilla y tuvo mala recepción de la crítica. Sin embargo hoy en día es para muchos de las mejores cintas de Polanski y es considerada un clásico de culto. Esta obra es muy personal con muchas aristas donde se mezcla de forma magistral el humor negro y el terror.
“El inquilino” nos cuenta la historia de Trelkovsky , un tímido Roman Polanski, que se muda a una habitación, en la que una chica intentó suicidarse arrojándose por la ventana. A medida que pasa el tiempo, el nuevo inquilino empieza a temer que sus vecinos intenten provocar en él un estado de paranoia que lo induzca también a saltar por la ventana.
Una vez que el nuevo inquilino siente que los demás lo están tratando como la víctima de suicidio, él llega a creer que quieren convertirlo efectivamente en ella. Casi masoquista, acepta esta imposición en su propia individualidad y en su obsesión, sucumbe a la creencia paranoica que se está convirtiendo en alguien que no sea él mismo, por estar literalmente en su morada.

ESCENAS








Annie Hall (1977)



Annie Hall ,es una de las más célebres películas dirigidas por Woody Allen. Por ella ganó el Óscar a mejor película, mejor director, mejor guión original en 1978. Se trata de una comedia romántica protagonizada por Diane Keaton (Óscar a mejor actriz) y por el propio Woody Allen. Con un guion que ha sido imitado, parodiado y homenajeado a lo largo de los años, el cineasta se da el lujo de jugar con las reglas cinematográficas: sus personajes le hablan directamente a la cámara, hay regresiones en el tiempo, digresiones y hasta una secuencia de animación parodiando la cinta animada de Walt Disney Blancanieves y los siete enanitos.
Con un estilo narrativo de estructura distinta  y por presentarnos infinidad de secuencias cargadas de ironía, humor inteligente e ingeniosos diálogos es un fillm imprescindible de este realizador.

ESCENAS







Perros de Paja - Straw dogs (1971)



Perros de paja es una película estadounidense-británica de suspenso-drama de 1971 dirigida por Sam Peckinpah y protagonizada por Dustin Hoffman y Susan George. El film nos cuenta sobre un astrofísico que se muda con su familia al pueblo de su esposa. Es un hombre pacífico hasta que algunos individuos llegan a tal extremo de violencia, que el protagonista decide devolver con la misma moneda para preservar a los suyos.
Cuando a mediados de la década de 1960 empieza a cuestionarse si determinadas películas hacían alarde de una violencia gratuita, la figura de Peckinpah rompe los moldes con obras en las que la violencia aparece en primer plano y muestra su cara menos amable. Perros de paja es una de las películas más características de esta época.
Este relato se adentra en lo más profundo de las entrañas de la violencia humana y hace un crítico análisis del comportamiento de las personas cuando éstas se encuentra en situaciones límite.

TRAILER




ESCENA




Barry Lyndon (1975)



Se trata  una película británica-estadounidense,  dramática e histórica ,escrita y dirigida por Stanley Kubrick y protagonizada por Ryan O'Neal y Marisa Berenson. Está basada en la novela homónima de William Makepeace Thackeray. La película ganó cuatro premios Óscar a la Mejor Dirección Artística, Mejor Fotografía, Mejor Vestuario y Mejor Banda Sonora, y fue nominada también a Mejor Película, Mejor Director y Mejor Guión Adaptado. Además Kubrick ganó el premio de la Academia Británica de Cine y Televisión (BAFTA) a la Mejor Dirección y John Alcott ganó el de Mejor Fotografía, y el film fue nominado a Mejor Película, Mejor Dirección Artística y Mejor Vestuario.

Rodada enteramente en decorados de época (sobresaliendo el Castillo de Howard) y en luz natural (con velas en las escenas nocturnas o de interior), mediante objetivos de cámara muy luminosos y mediante el tratamiento especial del negativo, esta película presenta una fotografía excepcional, auténtica proeza técnica que le confiere una estética más bien sombría y muy particular, en el tono de la historia y las pinturas de la época. El espectador se encuentra de esta forma imbuido en la intimidad de los personajes, tal y como pretendía Kubrick, que quería realizar un documental que se desarrollara durante el siglo XVIII.

TRAILER




ESCENA





Novecento - 1976




Novecento es una coproducción fílmica europea , dirigida por Bernardo Bertolucci, con Robert De Niro y Gérard Depardieu en los papeles principales, acompañados por un importante y largo reparto de consagradas estrellas cinematográficas.

El director hizo, al filmar la película, un gran homenaje al comunismo italiano, aunque con una lógica reflexión utópica sobre la ideología al final de la cinta. La película fue una gran epopeya de su tiempo, producida por Alberto Grimaldi. 
La cinta tiene un gran carácter persuasivo e ideológico; sin embargo, el excelente plantel de actores, el argumento, la fotografía de Vittorio Storaro y la banda sonora de Ennio Morricone convierten a esta película en no sólo una crónica del devenir histórico de las ideologías en la Europa del siglo XX, sino también en una obra de arte cinematográfica.
Durante casi 5 horas, describe la epopeya de dos niños nacidos el mismo día, en la Italia de principios del siglo pasado, con la salvedad de ambos pertenecen a clases sociales diametralmente opuestas. Olmo (G. Depardieu) es el hijo del bracero y Alfredo (R. De Niro) el hijo del terrateniente de la finca, cuyas vidas se ligarán a lo largo de todo el metraje. A pesar de su excesiva duración este film es una obra del séptimo arte.

ESCENAS








Continuará....


sábado, 3 de enero de 2015

OPERAS PRIMAS QUE DEJARON HUELLA - Fernanda Bargach-Mitre





Drugstore Cowboy - Gus Van Sant

Sinopsis

Estados Unidos, principios de los 70. Bob Hughes es el jefe de una banda de toxicómanos, integrado por su mujer, Diane, y otra pareja, Rick y Nadine. Viajan a lo largo y ancho del país atracando farmacias para cubrir su imperiosa necesidad de droga. A raíz de un trágico suceso, Bob se replantea su situación; decide rehabilitarse y comenzar una nueva vida. Las cosas, sin embargo, no le resultan sencillas... (FILMAFFINITY)




El film debut de Van Sant propone una película provocativa. No trata de evitar el atractivo de las drogas, al contrario da por sentando el placer que estas inducen al punto que sus protagonistas, se olvidan  sus demonios posteriores, pensando en el próximo viaje.  La aguja ofrece un escape de una existencia sin salida. La película se ambienta en 1971, ya el sueño de los 60s se encontraba agotado y surgía el consumo de drogas más fuertes. Esta banda no tiene otra vida que satisfacer su adicción marcando diferentes robos, en una ida y vuelta siempre por el mismo camino. Sin embargo algunos hechos harán que Bob Hudges decida intentar  alejarse y rehabilitarse. En este proceso se puede palpar su dolor por haber dejado las drogas, no solo el físico sino todo un modo de vida, reconociendo el poder y seducción de lo que deja. Un film irregular, sin duda este director nos ha entregado excelentes películas mayor logradas, que a pesar de haber sido superado por el tiempo en su temática, representó un punto de vista distinto en su momento.  Muy criticado fue la corta aparición  de William S. Burroughs en la cinta. Basada en la novela autobiográfica de James  Fogle, que no había sido publicada en el momento del rodaje,, es una ópera prima que vale la pena tomar en cuenta.

TRAILER





Being John Malkovich - Spike Jonze 




Sinopsis

La vida de Craig Schwartz está llegando al final de un ciclo. Craig es un marionetista callejero con un gran talento, pero él tiene la impresión de que su vida carece de sentido. Nueva York ha cambiado mucho y la gente no le presta mucha atención. Lleva diez años casado con Lotte, que trabaja en una tienda de animales y está obsesionada con su trabajo. Él consigue encontrar trabajo en la planta 7'5 del edificio Mertin-Flemmer de Manhattan, donde encuentra una pequeña puerta que le permite el acceso a un pasillo secreto que le aspira y que le permite acceder al cerebro de John Malkovich. (FILMAFFINITY) 





Being John Malkovich ,es una película estadounidense de cine independiente realizada en 1999 por el director Spike Jonze, en su debut cinematográfico, sobre un guión original escrito por Charlie Kaufman, quien también ofició su debut como libretista. Protagonizada por John Cusack, Cameron Diaz, Catherine Keener y John Malkovich, la película fue destacada por su particular argumento manejado con originalidad (la idea de la existencia de un extraño túnel que transporta, de forma literal, a la mente del famoso actor John Malkovich), siendo reconocida especialmente por la labor de Kaufman como autor. Being John Malkovich ganó numerosos premios de la crítica, y obtuvo tres nominaciones a los Premios Oscar.

Se trata del surgimiento de un director que ha sabido cosechar un sello propio. Este film, sin duda, es tremendamente original , con un guión delirante pero que gracias a la acertada dirección logra atraparnos en un espiral de imaginación.

TRAILER





Sex, Lies, And Videotape - Steven Soderbergh




Sinopsis


John, un abogado sin escrúpulos, está casado con Ann, una mujer seria e introvertida. Ella, aunque muestra poco interés por el sexo, se siente segura de su matrimonio. John, en cambio, es un adicto al sexo y tiene una aventura con Cinthia, la extrovertida y desenfadada hermana de Ann. La llegada del enigmático Graham, un antiguo compañero de John en la universidad, alterará la vida de Ann. (FILMAFFINITY)






Sex, Lies, and Videotape ,es una película estadounidense de 1989 escrita y dirigida por Steven Soderbergh, con James Spader, Andie MacDowell, Peter Gallagher y Laura San Giacomo como actores principales. Cuenta la historia de un hombre que graba mujeres hablando de su sexualidad, y su impacto en las relaciones de un matrimonio en crisis y en la hermana menor de la esposa. Se estrenó el 20 de enero de 1989 en el Festival de Cine de Sundance, donde ganó el premio del público. Posteriormente fue presentada en la sección a concurso del Festival de Cannes de 1989 y galardonada con la Palma de Oro.2 Influyó en la revolución del movimiento del cine independente de principios de los 1990. En 2006, sexo, mentiras y video fue incorporada al Registro Nacional de Cine de la Biblioteca del Congreso de los Estados Unidos al ser considerada "cultural, histórica o estéticamente significativa".

TRAILER






Following - Christopher Nolan




Sinopsis

Following es un film del género neo - noir , una  película de suspenso y drama escrita y dirigida por Christopher Nolan . Cuenta la historia de un joven escritor que sigue a los extraños por las calles de Londres para buscar inspiración y se introduce en un mundo criminal cuando no logra mantener su distancia y se convierte en un voyeur.





La cinta fue escrita, dirigida , filmada , y co- producida por Christopher Nolan . Fue filmada en Londres, en película  de 16 mm blanco y negro . Nolan utiliza una estructura de trama no lineal para la película, un dispositivo que utiliza de nuevo en Memento , Batman Begins y The Prestige . Este tipo de narración , dice, refleja la incertidumbre inherente a la audiencia acerca de personajes de cine negro : " En una historia convincente de este género que continuamente se nos pide que repensar nuestra evaluación de la relación entre los distintos personajes, afirma el director.

Envuelta en una atmósfera tensa y perturbadora, hecha con los mínimos elementos, Nolan nos presenta un relato que ve desnudándose hacia el final. Ya aquí vemos su interés por despistar a la audiencia, desorganizando la información, para que esta ate cabos de manera progresiva. Una ópera prima interesante, especial para los amantes de este director.

TRAILER




Shallow Grave - Danny Boyle




Sinopsis
Tres compañeros de piso encuentran una maleta llena de dinero en la habitación de un nuevo y misterioso inquilino, que acaba de morir por sobredosis. En vez de llamar a la policía, deciden quedarse con el dinero, una decisión que implica no sólo deshacerse del cadáver, sino también que cada uno de ellos confíe en los otros dos. (FILMAFFINITY)






Shallow Grave es una película británica de crimen  y comedia negra de 1994  que marcó el debut como director cinematográfico de Danny Boyle con un guión original de John Hodge . La película también proporcionó papeles protagónicos a los actores entonces relativamente poco conocidos Ewan McGregor , Christopher Eccleston y Kerry Fox . La producción fue financiada por el Canal 4 de la televisión y la película fue distribuida por PolyGram Filmed Entertainment , que genera una gran cantidad de publicidad para las películas con un presupuesto limitado . Shallow Grave fue la película de mayor éxito comercial británica de 1995 , considerado un " clásico de los 90 "

Oscura, divertida por momentos cruel y muy delirante, Este film presenta a un Boyle potente, capaz de realizar un excelente film con bajo presupuesto.

TRAILER





MENCIONES ESPECIALES

KING OF CALIFORNIA - Mike Cahill 




Mike Cahill es el director y guionista responsable de esta excelente ópera prima .Se trata de una historia algo inverosímil pero sin duda muy original, que hace honor a los films sencillos, humanos, de esos que tocan la fibra del espectador haciéndonos reflexionar a la vez de entretenernos. Hablamos, sin duda, de cine de autor, que acompañado de excelentes actuaciones generan un film emocionalmente poderoso y que aún así nos hace reír. La cinta fue un éxito en el Festival de Sundance y la actuación de Douglas fue bien aceptada.....
Seguir leyendo
http://ojoadicto.blogspot.com.ar/2010/09/mike-cahill-es-el-director-y-guionista.html



DONNIE DARKO -Richard Kelly 




Esta interesantísima película escrita y dirigida por Richard Kelly y estrenada en el 2001 fue subvalorada en su momento, considerada una cinta adolescente. Nada más alejado de la realidad, aunque existe el ambiente estudiantil, el film es sumamente original, onírico, intrigante, inteligente, con dirección y guión de altura. Por suerte, con lo años se convirtió en una película de culto, de vista obligada para los cinéfilos.....
Seguir leyendo
http://ojoadicto.blogspot.com.ar/2014/10/repasando-donnie-darko-2001-cual-es-la.html



HARD CANDY - David Slade 




Esta cinta le hiela la sangre a cualquier espectador y tan solo cuenta con dos personajes y está casi enteramente rodada en espacios cerrados. Parte de la historia de una adolescente de 14 años que conoce a un treintón por Internet con quien decide citarse en un bar, donde hace poco desapareció otra joven.....
Seguir leyendo.....
http://ojoadicto.blogspot.com.ar/2014/10/operas-primas-hard-candy-2005-al-limite.html



THE BURNIG PLAIN - Guillermo Arriaga






Guillermo Arriaga, más conocido como guionista, especialmente en su asociación con el director Alejandro González Iñárritu, con quien realizó tres películas muy importantes como Amores Perros (1999), 21 Gramos (2004) y Babel (2007), que según el dueto formaban una trilogía caracterizada por estructuras narrativas tipo rompecabezas, con diferentes líneas temporales y ahondado en el tema de la muerte y el vacío desde diferentes perspectivas. Arriaga corta esta relación creativa y se estrena como director, además de guionista en "Lejos de la tierra quemada" (The burning plain, 2008), demostrando que es un director que promete, entregándonos un film que si bien no es una obra maestra, es sin duda ejemplo de buen cine.....
Seguir leyendo
http://ojoadicto.blogspot.com.ar/2010/09/arriaga-sigue-su-propia-senda.html




GONE BABY GONE - Ben Affleck




Gone Baby Gone (2007), es la ópera prima de Ben Affleck, más conocido como estrella que como actor serio y que sin embargo demuestra en esta película que tiene pasta como director y guionista, en una excelente adaptación del libro de Dennis Lehane, cuyas novelas mezclan un intenso suspenso con magníficos personajes y temas escandalosos extraídos de los barrios bajos en los que impera el crimen....
Seguir leyendo
http://ojoadicto.blogspot.com.ar/2010/09/gone-baby-gone-un-acierto-marca-affleck.html


CONFESSIONS OF A DANGEROUS MIND - George Clooney




Confesiones de una mente peligrosa es una comedia dramática estadounidense del 2002 dirigida por George Clooney, siendo su ópera prima. El guión es de Charlie Kaufman basado en el libro de Chuck Barris sobre sus andanzas en el mundo del espectáculo como productor y otros aditamentos, que no se sabe muy bien si son realidad o ficción, que bajo la batuta del genial Kauffman y la certera dirección de Clooney, se convierte en una cinta mordaz....
Seguir leyendo
http://ojoadicto.blogspot.com.ar/2014/12/operas-primas-confessions-of-dangerous.html


CRANK - Mark Neveldine y Brian Taylor




Realizada por dos directores noveles en el cine, pero de amplia experiencia en comerciales, video clip y hasta el documental, esta ópera prima, si bien carece de trascendencia intelectual, desborda dinamismo, proporciona una inyección de adrenalina de la cual es difícil escapar entrando junto con el protagonista un sobrio y arriesgado Jason Statham, en una carrera que logra hacernos comprimir todos los músculos del cuerpo y de vez en cuando relajarlos con una buena dosis de humor negro. Indispensable para los amantes de la acción imparable.......
Seguir leyendo
http://ojoadicto.blogspot.com.ar/2014/11/operas-primas-crank-2006-critica-y.html


MICHAEL CLAYTON - Tony Gilroy




Tony Gilroy es un reconocido guionista, autor de películas taquilleras de calidad como la saga de Jason Bourne (2002/2004/2007), la inquietante “El abogado del Diablo” (1997) Armageddom (1998) y la oscura Eclipse Total (1995), entre otras. Se puede decir que es un hombre del medio cinematográfico pero”Michael Clayton” es su debut detrás de las cámaras y la primera vez que dirige un guión escrito por él. El resultado es una historia interesante, bien planteada, con una realización destacada y un George Clooney que se luce siendo el hilo conductor del film. Sin duda se trata de una impactante ópera prima de un creativo que sabe plasmar guiones inteligentes y que ahora demuestra que puede llevarlos a imágenes con la soltura de un experto.....
Seguir leyendo
http://ojoadicto.blogspot.com.ar/2010/09/michael-clayton-tensa-opera-prima.html


HESHER - Spencer Susser 




Dirigida por Spencer Susser en su opera prima , esta cinta logra contar una historia dura pero con excelentes toques de humor negro que suavizan inteligentemente su crudeza. Además de ser una historia fascinante de corte muy independiente, lo que más destaca es la actuación de Joseph Gordon Levitt, magistral para el rol de Hesher que viene demostrando ser un solvente actor de carácter.....
Seguir leyendo
http://ojoadicto.blogspot.com.ar/2012/07/hesher-ferocidad-independiente-fernanda.html


BOYZ N THE HOOD - John Singleton





Durísimo film que mezcla el drama y la incoherencia del racismo, debut como director y guionista de John Singleton que contaba con apenas 21 años, y fue nominado al Oscar como mejor director siendo el más joven en la historia compitiendo en esta categoría y el primer afroamericano en lograr esta nominación....
Seguir leyendo
http://ojoadicto.blogspot.com.ar/2014/12/operas-primas-boyz-n-hood-1991.html



THE BLAIR WITCH PROJECT - Daniel Myrick y Eduardo Sánchez




The Blair Witch Project— es una película independiente de terror psicológico de bajísimo presupuesto, escrita y dirigida por Daniel Myrick y Eduardo Sánchez, que produce verdadero miedo, angustia, desesperación en el espectador. La cinta fue recibida positivamente por los críticos y obtuvo 248 millones de dólares a nivel mundial, convirtiéndose en la película más exitosa de todos los tiempos, tomando en cuenta la relación inversión/taquilla. Con cada mil dólares invertidos se produjo diez millones de dólares aproximadamente, fenómeno único en la historia del cine....
Seguir leyendo
http://ojoadicto.blogspot.com.ar/2014/11/operas-primas-blair-witch-project-1999.html



DISTRICT B 13 - Pierre Morel





Este film francés producido por Luc Besson y dirigido por Pierre Morel (2004) , se sitúa en un futuro cercano, donde el crimen es incontrolable y las autoridades se ven obligadas a convertir en prisión el Distrito B13 de París, construyendo murallas alrededor de esa y otras zonas peligrosas....
Seguir leyendo
http://ojoadicto.blogspot.com.ar/2014/10/operas-primas-district-b-13-parkour.html

jueves, 1 de enero de 2015

5 CANCIONES DE BANDAS SONORAS DEL CINE - Fernanda Bargach-Mitre




Hay canciones que identifican películas como emblemas , otras que se hacen famosas gracias a estas. De una u otra forma existen films donde la musicalización marca pauta y deja algún tema resonando en nuestra memoria. 5 temas , 5 largos.

8 MILE - LOSE YOURSELF - EMINEM



8 Mile es el álbum oficial con la banda sonora original de la película 8 Mile protagonizada por el cantante de rap Eminem. Publicada por Interscope Records y Shady Records en 2002, lleva 3 millones de copias vendidas. La canción más destacada es Lose Yourself, la cual ganó un Oscar.
La canción fue escrita por Eminem durante un tiempo libre durante la grabación de 8 Mile. Desde hacía un tiempo los Bass Brothers y Eminem intentaban componer la canción principal de la película. Eminem grabó el tema en un estudio portátil en el set de esta, interpretando los tres versos principales en una sola toma. Después de que los Bass Brothers (co-productores de la banda sonora) escucharan la grabación, decidieron que esta sería la canción principal de 8 Mile, finalizando un proceso de producción que había tardado más de un año y medio en concretarse. La hoja en la que escribió la canción aparece en la película, en una escena donde su personaje está escribiendo mientras viaja en autobús.



PURPLE RAIN - PURPLE RAIN - PRINCE



«Purple Rain» es una canción que conjuga los estilos rock, pop y gospel. Fue compuesta por el músico Prince y su banda The Revolution, perteneciente al álbum homónimo, que fue producido como banda sonora de la película del mismo nombre , en el año 1984. Alcanzó la segunda ubicación del Billboard Hot , por lo que fue certificado con el disco de oro en los Estados Unidos por la venta de un millón de copias. Se convirtió en parte de la identidad del cantante quien la toca en todos sus conciertos. 




SINGLES - BREATH - PEARL JAM



Singles es la banda sonora original de la película del mismo nombre, enfocado principalmente en la creciente escena grunge de principios de la década de 1990. Contiene contribuciones de Paul Westerberg (su primer material solista desde su salida del grupo The Replacements), The Smashing Pumpkins, además de antiguos roqueros de Seattle como Jimi Hendrix y the Lovemongers (Ann y Nancy Wilson del grupo Heart), Pearl Jam, Soundgarden Fue lanzado el 30 de junio de 1992. Este soundtrack es considerado como de una enorme ayuda para abrirle las puertas a la enorme popularidad que el grunge adquirió a principios de 1990. De acuerdo con Steve Huey de la revista Allmusic, "Singles ayudó a cristalizar la idea de la escena Seattle en el público mayoritario, además de ser el primer gran éxito de ventas en soundtracks de la década (obtendría certificación de Platino y la cima del Top Ten). Gracias a este álbum, el fenómeno de Seattle dejó de ser local para comenzar a convertirse en algo que alcanzaría en primer lugar todos los Estados Unidos. Breath de Pearl Jam fue incluida en este soundtrack, convirtiéndose en un éxito y emblema de la banda en aquella época. 





TRAINSPOTTING - LUST FOR LIFE  - IGGY POP



Las bandas sonoras de Trainspotting se compone de dos álbumes El primero fue lanzado el 9 de julio de 1996. El éxito cosechado por la  película y  la banda sonora original provocó una edición de una segunda banda sonora el 21 de octubre de 1997. Esta segunda banda sonora incluye canciones de la película que no entraron en el primer álbum , así como canciones que no aparecieron en el film final, pero participaron en etapas anteriores o fueron utilizados como inspiración por los cineastas .
Desde la vertiginosa secuencia inicial, musicalizada con “Lust For Life”, de Iggy Pop, Danny Boyle establece la importancia que tendrá la música en Trainspotting., es un protagonista más, acompaña con fuerza cada escena, imprime a las secuencias un sello particular además de estar compuesta por excelentes temas.





PUMP UP THE VOLUME 
- EVERYBODY KNOWS - LEONARD COHEN




Pump Up the Volume  es una película de 1990 escrita y dirigida por Allan Moyle y protagonizada por Christian Slater y Samantha Mathis.. El film no fue demasiado trascendente en el momento de su estreno y recaudó poco en taquilla, pero paulatinamente se convirtió en una cinta emblemática de los 90s.
El programa de radio pirata, eje de esta historia abre su transmisión clandestina con esta legendaria canción de Cohen. El resto del soundtrack es excelente.