domingo, 4 de enero de 2015

ESCENAS Y RESEÑAS DE IMPORTANTES PELÍCULAS DE LOS AÑOS 70 - Fernanda Bargach - Mitre





Aunque los grandes estudios seguían dominando la distribución de las películas, otros sectores de la industria, como la producción, el rodaje y el financiamiento estaban cada vez más en manos de estudios y productores independientes. En los años 70 empezaron a aparecer los actores- productores, directores-productores, guionistas-productores y actores-guionistas. Si bien seguían las super producciones de los estudios, los grandes cineastas que surgieron o llegaron a la plenitud en los setenta, crearon las obras de arte más audaces de la historia, y posiblemente las verdaderamente clásicas. Esto es, las que nunca envejecen, nunca pasan de moda, y están fuera de su tiempo para permanecer en la historia del cine indelebles.


El Padrino (1972)




Es una de las producciones más aclamadas y apreciadas de la cinematografía estadounidense y mundial, siendo considerada por la mayoría de la crítica y un gran sector del público como uno de los mejores filmes de todos los tiempos y la mejor película de Francis Ford Coppola.En 1973 se hizo acreedora a tres premios de la Academia de las Artes y las Ciencias Cinematográficas estadounidenses por Mejor Actor para Marlon Brando, Mejor Película y Mejor Guión Adaptado para Mario Puzo y Francis Ford Coppola; anteriormente había ganado cinco Globos de Oro por Mejor película - Drama, Mejor director, Mejor actor - Drama, Mejor canción original y Mejor guión.
Esta película presenta un retrato preciso y profundo de una época y un ambiente, pero sobre todo es una crítica subrepticia a la sociedad norteamericana, las relaciones intrafamiliares, la práctica política y sus esquemas morales tratados sutilmente como trasfondo del guión mediante asuntos relativos al mundo de la mafia, la inmigración, la relación de pareja, los sistemas de dominación familiares, la violencia criminal y su asociación política, etc. Parte del atractivo visual y estilístico de la obra consiste en la interpretación de la figura de Michael Corleone. En la secuencia inicial de la película Michael se nos presenta con rostro angelical, incluso Coppola emplea filtros especiales que reducen sus arrugas y combinados con la iluminación y el maquillaje nos enseña un Michael mucho más joven, recién abandonada la adolescencia. El brutal cambio que se opera en su alma cuando asume la herencia de sangre de los Corleone se refleja también en su rostro, que en la última escena es ya el de un hombre maduro, complejo, que mira directamente a los ojos y miente con todo su corazón. Sin embargo, se le ha criticado al director el ofrecer una imagen demasiado atractiva del mundo de la mafia.

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Alien (1979)




Alien: el octavo pasajero (Alien) es una película estadounidense de ciencia ficción y terror dirigida por Ridley Scott y estrenada en 1979. Contó con los actores Sigourney Weaver, Tom Skerritt, Veronica Cartwright, Harry Dean Stanton, John Hurt, Ian Holm y Yaphet Kotto. El título de la película hace referencia al antagonista: una agresiva criatura alienígena que acecha a la tripulación de una nave espacial. Con un suspenso magistral, esta cinta obtuvo buenas críticas y fue un éxito de taquilla para convertirse en un referente del género. Muchas películas posteriores se inspiraron en la estética y la tensión manejada por Ridley Scott a lo largo del metraje. Un film que no da respiro, con un excelente casting y actuaciones que conforman solidez y asertividad en este largo imperdible.

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Taxi Driver (1976)




Taxi Driver es una película de culto estadounidense de 1976 dirigida por Martin Scorsese y escrita por Paul Schrader. El filme está ambientado en Nueva York, poco después de que terminara la guerra de Vietnam, y está protagonizado por Robert De Niro, quien interpreta a Travis Bickle, un excombatiente solitario y mentalmente inestable que comienza a trabajar como taxista, incorporándose a la turbia vida nocturna de la ciudad. 
La voz en off, el ritmo narrativo magistral, la angustia y desolación de Travis, su locura, todos elementos , componen una pieza única de las mejores de la extensa filmografía de Scorsese.

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Midnight Express - 1978




Fue dirigida por Alan Parker y contó con Brad Davis como actor principal. El guion es obra del ahora famoso director Oliver Stone. El filme está basado en un hecho biográfico real acaecido en 1970: la historia de Billy Hayes, un joven estadounidense que fue detenido por posesión de hachís en el aeropuerto de Estambul (Turquía) y fue condenado a 30 años de prisión por tráfico de drogas. Fue sometido a vejaciones en un ambiente infrahumano y logró escapar a Grecia, donde fue detenido y deportado a los Estados Unidos. Billy escribió el libro homónimo en que se basa el filme.
Muy duro de digerir, se trata de una cinta carcelaria y no escapa al dolor, la desesperación y la locura inherente a estas, tomando en cuenta que se desarolla en Turquía. Brad Davis brinda el performance de su carrera, excelente en su labor y muy creíble en su metamorfosis. Un alma a punto de ser destruida que logra preservarse en el mero centro del infierno.

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The Tenant - El Inquilino (1976)



Roman Polanski participa en el guión, dirige y protagoniza esta excepcional película que es una mezcla de cine de terror, humor negro y discurso filosófico sobre la identidad y la locura. Este thriller psicológico, estrenado en 1976, fue un fracaso de taquilla y tuvo mala recepción de la crítica. Sin embargo hoy en día es para muchos de las mejores cintas de Polanski y es considerada un clásico de culto. Esta obra es muy personal con muchas aristas donde se mezcla de forma magistral el humor negro y el terror.
“El inquilino” nos cuenta la historia de Trelkovsky , un tímido Roman Polanski, que se muda a una habitación, en la que una chica intentó suicidarse arrojándose por la ventana. A medida que pasa el tiempo, el nuevo inquilino empieza a temer que sus vecinos intenten provocar en él un estado de paranoia que lo induzca también a saltar por la ventana.
Una vez que el nuevo inquilino siente que los demás lo están tratando como la víctima de suicidio, él llega a creer que quieren convertirlo efectivamente en ella. Casi masoquista, acepta esta imposición en su propia individualidad y en su obsesión, sucumbe a la creencia paranoica que se está convirtiendo en alguien que no sea él mismo, por estar literalmente en su morada.

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Annie Hall (1977)



Annie Hall ,es una de las más célebres películas dirigidas por Woody Allen. Por ella ganó el Óscar a mejor película, mejor director, mejor guión original en 1978. Se trata de una comedia romántica protagonizada por Diane Keaton (Óscar a mejor actriz) y por el propio Woody Allen. Con un guion que ha sido imitado, parodiado y homenajeado a lo largo de los años, el cineasta se da el lujo de jugar con las reglas cinematográficas: sus personajes le hablan directamente a la cámara, hay regresiones en el tiempo, digresiones y hasta una secuencia de animación parodiando la cinta animada de Walt Disney Blancanieves y los siete enanitos.
Con un estilo narrativo de estructura distinta  y por presentarnos infinidad de secuencias cargadas de ironía, humor inteligente e ingeniosos diálogos es un fillm imprescindible de este realizador.

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Perros de Paja - Straw dogs (1971)



Perros de paja es una película estadounidense-británica de suspenso-drama de 1971 dirigida por Sam Peckinpah y protagonizada por Dustin Hoffman y Susan George. El film nos cuenta sobre un astrofísico que se muda con su familia al pueblo de su esposa. Es un hombre pacífico hasta que algunos individuos llegan a tal extremo de violencia, que el protagonista decide devolver con la misma moneda para preservar a los suyos.
Cuando a mediados de la década de 1960 empieza a cuestionarse si determinadas películas hacían alarde de una violencia gratuita, la figura de Peckinpah rompe los moldes con obras en las que la violencia aparece en primer plano y muestra su cara menos amable. Perros de paja es una de las películas más características de esta época.
Este relato se adentra en lo más profundo de las entrañas de la violencia humana y hace un crítico análisis del comportamiento de las personas cuando éstas se encuentra en situaciones límite.

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Barry Lyndon (1975)



Se trata  una película británica-estadounidense,  dramática e histórica ,escrita y dirigida por Stanley Kubrick y protagonizada por Ryan O'Neal y Marisa Berenson. Está basada en la novela homónima de William Makepeace Thackeray. La película ganó cuatro premios Óscar a la Mejor Dirección Artística, Mejor Fotografía, Mejor Vestuario y Mejor Banda Sonora, y fue nominada también a Mejor Película, Mejor Director y Mejor Guión Adaptado. Además Kubrick ganó el premio de la Academia Británica de Cine y Televisión (BAFTA) a la Mejor Dirección y John Alcott ganó el de Mejor Fotografía, y el film fue nominado a Mejor Película, Mejor Dirección Artística y Mejor Vestuario.

Rodada enteramente en decorados de época (sobresaliendo el Castillo de Howard) y en luz natural (con velas en las escenas nocturnas o de interior), mediante objetivos de cámara muy luminosos y mediante el tratamiento especial del negativo, esta película presenta una fotografía excepcional, auténtica proeza técnica que le confiere una estética más bien sombría y muy particular, en el tono de la historia y las pinturas de la época. El espectador se encuentra de esta forma imbuido en la intimidad de los personajes, tal y como pretendía Kubrick, que quería realizar un documental que se desarrollara durante el siglo XVIII.

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Novecento - 1976




Novecento es una coproducción fílmica europea , dirigida por Bernardo Bertolucci, con Robert De Niro y Gérard Depardieu en los papeles principales, acompañados por un importante y largo reparto de consagradas estrellas cinematográficas.

El director hizo, al filmar la película, un gran homenaje al comunismo italiano, aunque con una lógica reflexión utópica sobre la ideología al final de la cinta. La película fue una gran epopeya de su tiempo, producida por Alberto Grimaldi. 
La cinta tiene un gran carácter persuasivo e ideológico; sin embargo, el excelente plantel de actores, el argumento, la fotografía de Vittorio Storaro y la banda sonora de Ennio Morricone convierten a esta película en no sólo una crónica del devenir histórico de las ideologías en la Europa del siglo XX, sino también en una obra de arte cinematográfica.
Durante casi 5 horas, describe la epopeya de dos niños nacidos el mismo día, en la Italia de principios del siglo pasado, con la salvedad de ambos pertenecen a clases sociales diametralmente opuestas. Olmo (G. Depardieu) es el hijo del bracero y Alfredo (R. De Niro) el hijo del terrateniente de la finca, cuyas vidas se ligarán a lo largo de todo el metraje. A pesar de su excesiva duración este film es una obra del séptimo arte.

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Continuará....


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