martes, 30 de diciembre de 2014

ESCENAS Y RESEÑAS DE PELÍCULAS SOBRE WALL STREET - ILUSIONES DE PODER - Fernanda Bargach-Mitre





Wall Street, es el nombre de una estrecha calle neoyorquina situada en el bajo Manhattan, entre Broadway y el East River. Considerado el corazón histórico del distrito financiero, es el principal y permanente hogar de la Bolsa de Valores de Nueva York. El término es usado para hacer referencia tanto al mercado financiero estadounidense como a instituciones financieras.En este centro de poder, se desarrollan estas historias, que nos muestran los niveles de avaricia y falta de valores de este mercado , la obtención de dinero fácil así como las estrepitosas caídas.

EL LOBO DE WALL STREET - THE WOLF OF WALL STREET (2013)




El lobo de Wall Street , es una película de 2013 dirigida por Martin Scorsese, basada en las memorias del mismo nombre de Jordan Belfort. El guión fue escrito por Terence Winter y la película es protagonizada por Leonardo DiCaprio como Belfort, junto a Jonah Hill, Margot Robbie, Jean Dujardin, Rob Reiner, Kyle Chandler y Matthew McConaughey, entre otros. The Wolf of Wall Street es la quinta colaboración entre Scorsese y DiCaprio.  

El Lobo de Wall Street es la historia de Jordan Belfort, agente de bolsa cuyas habilidades para el negocio acaban convirtiéndole en proverbial emperador de los mercados, situado por encima de la ley y de cualquier tipo de atadura moral. Jordan Belfort, para que nos entendamos, es Dios. Es nuestro narrador y guía del film. No existe nada que quede fuera de su punto de vista, ninguna situación que no pase a través de su perspectiva. Es un hedonista, un vividor, un matón, un ninfómano y un drogadicto encantado de serlo.  



En teoría, Belfort representa el lado más destructivo y desagradable del capitalismo estadounidense a finales del siglo 20. Sus travesuras en la década de 1990 ayudaron a construir el camino para la crisis financiera de 2008. Como su mentor, Mark Hanna (Matthew McConaughey), le dice: "No creamos mierda, no construimos nada."

No obstante, según lo retratado por DiCaprio, él es un sinvergüenza muy agradable.  Él habla directamente a la cámara, como si confiara en nosotros. És ingenioso y autocrítico. Eso es lo que hace que en la película de Scorsese el protagonista sea agradable y problemático. Sus reivindicaciones como la sátira se ven socavados por su evidente simpatía por su protagonista. Belfort es mucho más carismático que su perseguidor, el agente del FBI (Kyle Chandler)  El film ha sido acusado de pretencioso por su larga duración. En mi criterio el metraje está acorde con el desarrollo del personaje y sus indulgencias. Por otra parte, su toque de comicidad la hace amena. Si bien es cierto que la crítica a este sistema se ve aplacada por el carisma de DiCaprio como Beldford, hay lecturas evidentes detrás de su estilo de vida. Su éxito está basado justamente en su desenfado y encanto, por lo que no considero que sea un punto débil en la historia sino parte de su coherencia.



Uno de los placeres de la película (aunque probablemente una dudosa) es su falta de moralización. No hay hipocresía sobre Belfort. Él no utiliza su enorme riqueza para invertir en las artes o la caridad y hace ningún intento de presentarse como un ciudadano honrado.

El film tiene un tremendo estilo Goodfellas , usando la voz en off. Una cinematografía excelente a cargo de Rodrigo Prieto que  reaviva los recuerdos de las películas de gángsters anteriores del director. El guión de Terence Winter (con quien Scorsese colaboró en Boardwalk Empire) está lleno de malas palabras y es muy ingenioso. 

Scorsese ha enriquecido la película con música de blues (incluyendo canciones de Bo Diddley y John Lee Hooker).



No es fácil ver El lobo de Wall Street como un cuento moral sobre el envilecimiento del sueño americano, dado sus toque de humor, adrenalina y rebeldía. Sin embargo, sí muestra la decadencia que se vivía en los 90s en ese ámbito financiero y aunque lo haga de forma irreverente no deja de ser una crítica feroz. El ritmo narrativo es envidiable, ya pasando sus 70 años, Scorsese nos brinda un film con lleno de energía. 

La actuación de DiCaprio es magnifica y el corazón básico del largo, aunque el plantel de secundarios es muy bueno. 

En suma, se trata de una película excelente, que ha sido subvalorada por la crítica, catalogándola de superficial, porque no trae directamente ningún discurso moral. Justamente ese es su fuerte, no nos plantea moralismos, deja a criterio del espectador interpretar la realidad que se presenta. Una cinta altamente poderosa , a la justa altura de este director impresionante.

MEJORES ESCENAS 

















OTRA PELÍCULAS SOBRE EL TEMA



WALL STREET (1987)

Wall Street es una película de 1987 dirigida por Oliver Stone y protagonizada por Michael Douglas y Charlie Sheen. La cinta se ha convertido en la muestra arquetípica de los excesos de la década de 1980, con Douglas defendiendo que "la codicia, a falta de una palabra mejor, es algo bueno". Wall Street se define a si misma mediante una serie de conflictos morales que enfrentan la riqueza y el poder contra la simplicidad y la honestidad. 




"Wall Street", es una crítica radical de la mentalidad capitalista de comercio.La película sostiene que la mayoría de los pequeños inversores están duplicados, y que las grandes matanzas de mercado están hechas por hombres como Gekko,  Lo que este hace es inmoral e ilegal, pero utiliza una pequeña letanía excusarse: "Nadie sale herido." "Todos lo hacen." "Hay algo en este negocio para todo el mundo." "¿Quién sabe excepto nosotros?" 

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WALL STREET: EL DINERO NUNCA DUERME - WALL STREET MONEY NEVER SLEEPS  (2010)




Dirigida por Oliver Stone y protagonizada por Shia LaBeouf, Michael Douglas y Carey Mulligan. La secuela de Wall Street , llegó 23 años después reviviendo el personaje de Gekko , quien sale de la cárcel en un momento de debacle económica,  pero que sigue dispuesto a usar su ambición y astucia para llenar de nuevo sus arcas de dinero. 



Esta vez la crítica de Stone es más leve debido a que el tema ya no es tan novedoso. Sin embargo, es un golpe duro al sistema económico estadounidense, un recordatorio de la caída del entramado financiero y las razones que la causaron. El director nos plantea un ámbito donde la ética no existe.

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THE COMPANY MEN (2010)



Esta ópera prima del director y guionista John Wells, es una interesante propuesta ante el debacle financiero estadounidense y la crisis económica, humanizándola través de varios personajes que nos trasmiten distintas historias y emociones , despertadas por un mismo hecho. En este caso el tema y la crítica viene a partir de las consecuencias de la caída del sistema financiero, y sus consecuencias en personas  comunes. 



Bobby Walker (Ben Affleck) tiene un buen trabajo, una familia estupenda y un espectacular porsche en el garaje. Cuando, de manera inesperada, su empresa decide reducir la plantilla, él y muchos compañeros se quedan en el paro. Sus superiores (Chris Cooper y Tommy Lee Jones) poco pueden hacer para ayudarle, porque tampoco ellos tienen asegurado su puesto en la empresa. Bobby tendrá entonces que replantearse su vida y su papel como marido y padre. Una historia muy humana y algo dura sobre la inevitable caída del sueño americano.





MARGIN CALL (2011)



Protagonizada por Kevin Spacey, Paul Bettany, Jeremy Irons, Zachary Quinto, Penn Badgley, Simon Baker, Mary McDonnell, Demi Moore y Stanley Tucci. Dirigida y escrita por J. C. Chandor, Margin Call, narra la caída de Lehman Brothers y retrata las conductas del poder financiero y los excesos que condujeron al sistema capitalista a la peor crisis desde el Crash de 1927. 



La película cuenta la crónica de la vida de ocho trabajadores de un poderoso banco de inversión durante las 24 horas previas al inicio de la crisis financiera de 2008. Cuando Peter Sullivan (Zachary Quinto), un analista principiante, revela datos que podrían conducir la empresa a la ruina, se desencadena una catarata de decisiones tanto morales como financieras que producen un terremoto en la vida de los implicados en el inminente desastre.

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BOILER ROOM (2000)



Boiler Room es una película de drama mezcla de drama, crimen y finanzas, escrita y dirigida por Ben Younger, y protagonizada por Giovanni Ribisi, Vin Diesel, Nia Long, Ben Affleck, Nicky Katt, Scott Caan, Tom Everett Scott, Ron Rifkin, y Jamie Kennedy. La película se basa en entrevistas del escritor a numerosos corredores de bolsa durante un período de dos años, y se inspira en la empresa Stratton Oakmont y la vida de Jordan Belfort, cuya misma autobiografía fue adaptada en El lobo de Wall Street.



La película narra la historia de Seth que ha dejado los estudios y ha montado un casino ilegal en su casa. Su padre, que es juez, no ve demasiado bien esta ocupacion, y esto provoca nuevas tiranteces en su relación, ya de por si tensa. Todo parece cambiar cuando a Seth un cliente le ofrece trabajar como agente de bolsa. Sin embargo, pronto comprobará que no es oro todo lo que reluce. Es un mundo atractivo en el que la gran parte son jóvenes y ambiciosos. Pero en el negocio de la especulación financiera la lealtad riñe con la ambición. El film no revela nada que no sepamos pero funciona como llamado de conciencia sobre el mundillo financiero y sus trampas que prometen dinero fácil. A que costo moral se obtiene ese dinero? son algunas de las preguntas que deja esta cinta en el ambiente.

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lunes, 29 de diciembre de 2014

DIRECTORES DE FOTOGRAFÍA : JEFF CRONENWETH - EL ELEGIDO DE FINCHER - Fernanda Bargach-Mitre



JEFF CRONENWETH


Empezaremos por definir el rol de un director de fotografía, como venimos haciendo en esta serie: En cualquier producción audiovisual, el director de fotografía es fundamental. En el cine, es una pieza clave. Trabaja mano a mano con el director, se encarga de la creación artística de las imágenes, para la puesta en escena. Tanto la sensitometría, la fotometría, la óptica y la técnica en el manejo de equipos. El estudio del color y de los fenómenos de percepción es fundamental. Es responsbale de plasmar la visión del director en tonos, en ambientes, en paletas de color. Lograr coherencia entre la historia y lo que las imágenes trasmiten, que la narrativa vaya acompañada de fuerza visual. 

 La cinematografía es el arte y la artesanía de la autoría de las imágenes visuales para el cine va de la concepción y pre -producción hasta la post -producción para la presentación final de estas imágenes. Todo y cualquier proceso , que pueden afectar estas imágenes , son responsabilidad directa y el interés del director de fotografía. Cinematografía no es una subcategoría de la fotografía. Más bien , la fotografía es más que un oficio , que el cineasta utiliza , además de otras técnicas físicas , organizativas , de gestión , de interpretación y manipulación de imagen para efectuar un proceso coherente . La cinematografía es un proceso creativo e interpretativo , que culmina en la autoría de una obra original en lugar de la simple registro de un evento físico . Las imágenes que el cineasta lleva a la pantalla proceden de la visión artística , la imaginación y la habilidad del director de fotografía de trabajo dentro de una relación de colaboración con otros artistas . [ Sociedad Americana de Directores de Fotografía , de mayo de 2000. ]





Jeff Cronenweth ,es un cineasta estadounidense con sede en Los Ángeles, California, quien es mejor conocido por su papel como el director de fotografía de las películas de David Fincher  : The  Fight Club, The Social Network, The Girl with the Dragon Tattoo y Gone Girl.

Este director de fotografía que ha ido imponiendo su sello particular, es hijo de
Jordan Cronenweth, un laureado profesional del trabajo fotográfico en el cine, mejor conocido por su dirección de fotografía en Blade Runner, que marcó un quiebre en el género.

Jeff trabajó para su padre, como un cargador de cámara y segundo asistente de cámara durante la escuela secundaria , haciendo su camino hasta primer asistente de cámara y luego operador de cámara hasta mediados de la década de 1990 . 




Su debut en The Fight Club, al lado de David Fincher, fue un verdadero reto, sin embrago, su trabajo en este film sentó las bases de un estilo visual que lo caracterizaría en posteriores trabajos.

La película era oscura. brutal y esto está bien apoyado en la fotografía. Se caracteriza por fuertes paletas de colores, iluminación tenue con amplio uso de sombras , a lo que podemos agregar el inteligente uso de la profundidad de campo para mantener detalles deliberados en el enfoque. 




Al afectar la intensidad del color y la luz, el film adquiere un elemento perturbador que se plasma en todo el metraje y acompaña magistralmente a la narrativa. 

No se utiliza cámara en mano, al mantener la cámara estática, la luz y la oscuridad se hacen más intensas y  se desarrolla una fuente de energía visceral. 

Muchos elementos de la composición fueron manipulados para lograr un efecto semi surrealista y de tipo descuidado. 

El director trabajo codo a codo con  Cronenweth para intentar crear la sensación extraña de la presencia de Tyler Durden, tratando de ocultar su identidad pero sugiriendo su inexistencia a través de mantenerlo en el borde de los marcos o fuera de foco en el fondo, por citar algunos ejemplos. 




Este trabajo es considerado uno de los mejores  de la pasada década, no solo como película sino por su dirección de fotografía que logra que nos adentremos y permanezcamos en  el mundo extraño del protagonista, que nos empapemos de sensaciones intensas y acompañemos la genial historia.


TRAILER THE FIGHT CLUB




Las películas de David Fincher no tienen mucha saturación. En cambio, sus colores son generalmente teñidos de un tono verdoso, las tomas son casi totalmente monocromáticas, y las tonalidades amarillentas en lugar de blanco puro. Los colores asumidos por el dúo son una representación de los elementos temáticos de cada una de sus películas. Y con las historias Fincher con fuerza, los temas todos se reducen a lo mismo: Los niveles más bajos de las sociedades en que vivimos. Nos vemos la absoluta traición, la corrupción, y el sentido de la propia valía cada uno de los estudiantes de Harvard en la cara Red Social cuando se lanza al mundo de los grandes negocios. Somos testigos del abuso horrible Lizabeth Salander perdura a puerta cerrada de su violador . En cada una de estas películas, la cinematografía es un personaje, como complemento de los ruidos electrónicos e imágenes, y que fluye sin problemas en las bandas sonoras  de Trent Reznor. 





Esta dupla con David Fincher le permitiría trabajar en dos películas que le merecerían nominaciones al Oscar a la  mejor cinematografia: The Social Network y The Girl with the Dragon Tatto. Especialmente en esta última destaca su trabajo y su visión.




Cronenweth parece tan detallista como Fincher, y es interesante escuchar su acercamiento a las filmaciones, porque es un cineasta consumado. Cronenweth toma una postura muy razonable en el argumento de la película frente a lo digital, y encuentra que hay mucho que se puede hacer con digital que es imposible con película y viceversa. Él está más preocupado por las sombras con la película, y por  aspectos más iluminados con digital, pero ambos tienen su lugar y es importante encontrar el medio adecuado que se ajuste a la historia. Desafortunadamente cada vez va a ser más duro poder elegir ya que la película tiende a ser eliminada, pero cada cámara digital parece tener su propia mirada. 




Otras películas donde estuvo a cargo de la dirección de fotografía fueron: One Hour Photo, K-19: The Widowmaker, Down With Love, Hitchcock, entre otras, además de trabajar en importantes comerciales y vídeos musicales.





En The Social Network, el reto era mayor porque se trataba de un film realista. Jugaron mucho con las simetrías, tratando de lograr una imagen estilizada y moderna. Sin embargo en cuanto a la paleta de color los matices vuelven, los verdes y los amarillos cada vez más presentes; los tonos y saturaciones de cada toma nos llevan de nuevo a ese mismo sentimiento de tensión. Cada escena en el dormitorio era sombría y amarillenta, y cada fiesta o clase , teñida en verdes.


TRAILER THE SOCIAL NETWORK





En The Girl with the Dragon Tattoo. Cronenweth usó una paleta muy fría, casi monocromática para los muchos exteriores invernales. Los interiores eran más cálidos y a menudo cuentan con una vela o luz de fuego, con tonos amarillos. La composición es moderna con un balance limpio. Esta estética oscura —o más bien dicho carente de luces y colores fuertes y saturados— la podemos encontrar también en otras películas de este realizador y aporta en este film fuerza dramática.




TRAILER THE GIRL WITH THE DRAGON TATTOO




En cuanto a Gone Girl, está rodada con la idea de que su estética resulte lo más natural posible, pero siempre con mucho contraste, negros profundos y un férreo control sobre las fuentes de luz, para que las sombras recaigan siempre sobre las zonas que interesan a Fincher y Cronenweth. En sus interiores diurnos, se sirven de las ventanas para hacer que luz suave inunde las estancias, generalmente con un tono ligeramente azulado que refuerza la frialdad de la historia. 






La filosofía claramente consiste en iluminar los decorados, y no a los actores, sobre los que se aprecia un mayor esfuerzo por evitar que la luz incida sobre ellos y mantenerlos en silueta o en sombra, que por mostrarlos claramente. En los interiores nocturnos, Cronenweth aplica la misma filosofía, solo que en esta ocasión empleando el color cálido de la luz de tungsteno y añadiéndole el tono verdoso que suele usar.

TRAILER GONE GIRL





OTROS TRABAJOS EN TRAILERS

HITCHOCK





ONE OUR PHOTO





K-19 THE WIDOWMAKER


sábado, 27 de diciembre de 2014

REVISANDO EL CINE DE ALEX PROYAS: THE CROW (1994) - Fernanda Bargach-Mitre




Dirigida por Alex Proyas, esta cinta que estaba destinada a ir directo a video, llegó a la pantalla grande debido a la trágica muerte de su protagonista, Brandon Lee. Murió durante una escena de tiroteo del rodaje, siendo un incidente rodeado de misterio, como lo fuera la muerte de su padre, el legendario Bruce Lee.  Este último murió durante el rodaje de la película Game of Death. Por otra parte Bruce vaticinó la muerte de su hijo al despertar de un coma, por lo que el fallecimiento de este generó muchas leyendas urbanas y lleno de curiosidad a los espectadores.

Más allá de las fatídicas circunstancias, se trata de una película cargada de un espíritu gótico, de pasajes oscuros, siendo una historia de tragedia, amor y venganza. 




Inspirada en el cómic de james O´Barr del mismo nombre, la trama nos cuenta la vida de Eric Draven (Brandon Lee) un músico de rock que al sorprender a unos maleantes en su apartamento violando a su novia, termina siendo asesinado brutalmente junto a su amada la noche antes de casarse. 

Un año después, el alma de Eric vuelve a la Tierra revivido por un cuervo, que se posa en su tumba. Al despertar adquiere algunos poderes como sanar instantáneamente, ver a través del cuervo, rápidos movimientos, espectacular fuerza junto a una imagen siniestra a la vez que seductora que adopta el protagonista.




Se trata de una película narrada linealmente, que realmente no es una obra de arte, pero la interpretación de Lee vale la pena, más aún después de su muerte. 

Así mismo destaca una excelente banda sonora a cargo de Graeme Revell y acompañada de sendas canciones  de grupos como The Cure, Stone temple Pilots, Nine Inch Nails, Rage Angainst de Macchine, Pantera, entre otros.




Sobresale la dirección artística, la oscura fotografía, la constante lluvia, que parece un personaje de la trama, lo gótico mezclado con lo urbano para componer una ciudad agónica azotada por el crimen y un vengador difícil de olvidar.  La estética es bastante basad en el video clip, como muchas otras producciones de la época. Sin embargo Proyas, logra desarrollar una ciudad nocturna llena de recovecos fascinantes.





No será un film genial pero su estética fue imitada por muchas producciones posteriores y se alzó como pionera al recrear la cara de Lee digitalmente para algunas escenas ya que obviamente el actor no pudo culminar la cinta. 

En suma, un ejercicio estético interesante, reflejo de una época, que pasó a formar parte de los famosos films de culto de la década de los noventa.

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SOUNDTRACK


lunes, 22 de diciembre de 2014

REVISANDO EL CINE DE KRZYSZTOF KIESLOWSKI: TRILOGÍA DEL COLOR : AZUL, BLANCO Y ROJO - Fernanda Bargach-Mitre



Sobre el Director

Director de cine polaco. Nació en Varsovia, y estudió en la Escuela de Cine y Teatro de Łódź, Polonia. Comenzó su carrera realizando documentales y películas de ficción sobre la problemática económica y social dominante en su país en aquel momento. Su primer largo se llamó "La cicatriz" (Blizna), pero antes ya había realizado el cortometraje "El primer amor " (Pierwsza milosc - 1974) y había sido premiado por su mediometraje llamado "El personal" (Personnel - 1975). 

Su origen estuvo en el documental, lo que de alguna manera tuvo relación con la forma en que encaraba los largos que realizaba que no solo tenían que tener un significado profundo para él internamente sino que debían movilizar al espectador. 

Su cine indagaba en la condición humana, en nuestra emociones, deseos, frustraciones, miedos. Sin embargo, no solo la temática resultaba interesante en sus trabajos, sino el tratamiento de la imagen, los ambientes recreados con un inteligente uso del color, los contrastes, las sombras y las luces en lo que resultaba en un deleite visual. 




Lograba captar la imagen y trascenderla a través de sus personajes, tratando de mostrar lo etéreo del alma, el mundo de las emociones intangibles, y reflejarlas en la pantalla grande por medio de sus historias. 

Un cine intimista pero abierto a la duda, a la pregunta constante. Su obra no intentaba dar respuesta ni discursos, por el contrario planteaba interrogantes, enfrentando al espectador con sus propios valores. 

La fama y el reconocimiento en Europa le llegarían primero con su serie “El Decálogo”, una seguidilla de 10 historias filmado para la televisión polaca a finales de los ochenta. Tomando como referencia los diez mandamientos de la ley de Dios, dos de ellos “No Amarás” y “No Matarás” se convirtieron luego en largos. Este último lo lanzó internacionalmente tras obtener el Premio del Jurado en la edición de 1988 de Cannes y el Premio al Mejor Film por la Academia del Cine Europeo. Un film profundo que es una especie de alegato contra la pena de muerte ya que la historia nos confronta con el derecho que tiene un ser humano para decidir sobre la vida de otro. “

La estética está en la línea de este director tan personal, con atmósferas inhóspitas reforzadas por la distorsión del color, planos subjetivos, grandes silencios...” (www.notodo.com). Definitivamente una de las películas más interesantes de este realizador, sin embargo fue con la “La Doble Vida de Verónica”, que se consagró mundialmente con una cinta impecable en su factura y realmente fascinante en guión y contenido.

LA TRILOGÍA DEL COLOR




En el año 1993 el director da comienzo a su trilogía conocida como Tres Colores con la filmación de la primera “Azul” Un año más tarde nos presentaría “Blanco”, segunda de la saga, y con Rojo, pone fin a la misma. El nombre de cada una de las tres películas proviene de los colores de la bandera de Francia, y hacen referencia a cada uno de los tres principios básicos de la revolución francesa, libertad (Azul), igualdad (Blanco) y fraternidad (Rojo). Los tres films son interdependientes entre sí, sin embargo ciertos y sutiles elementos los ligan para crear así una trilogía perfecta, que en base a tres propuestas diferentes llega a conseguir un todo en tres películas individuales y cada una con un sello muy particular. Más allá del uso del color como elemento diferenciador de las atmósferas, las temáticas son acercamientos distintos a la condición humana. Sin embargo la palabra humanidad, en todos sus significados, es el centro de todas las historias, siendo nuestra imperfecta condición la protagonista de esta trilogía llena de personajes y situaciones vitales que nos resultan inherentes a lo que somos. 




Azul es un canto al dolor y la soledad. Una película hipnótica donde el uso del color azul es tan magistral que crea momentos dramáticos de envergadura. La historia es sobre Julie que pierde a su marido (un gran compositor) y a su única hija en un accidente automovilístico. Hecha añicos, decide comenzar una nueva vida de forma anónima e independiente, tratando de librarse de todas las ataduras de su pasado, de refugiarse en la soledad, intentando no establecer vínculos afectivos con nadie como manera de protegerse de más dolor. Se muda a un apartamento, deshaciéndose de todas sus anteriores pertenencias. Pero su pasado volverá cuando un periodista sospecha que ella es la autora de la obra de su difunto marido .




La impresionante banda sonora pone el punto clave en los momentos dramáticos. Considerada una de las mejores de la trilogía, se trata de un film artesanalmente realizado, donde la precisión del uso de cada elemento cinematográfico está al uso de la historia. Un film poético y nostálgico protagonizado por una soberbia Juliette Binoche en un performance desgarrador. Una película que, definitivamente, sabe captar las sutilezas de la condición humana. 

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Blanco, el segundo film de la saga es el más extraño de la trilogía. Sin duda se trata de una cinta excelente, pero más inconsistente en su guión lo que hace que la trama no tenga la fuerza dramática esperada, en comparación con las otras dos cintas. El film nos narra la historia de un matrimonio compuesto por una francesa, interpretada por Julie Delpy y un inmigrante polaco, a quien le da vida, Zbigniew Zamacjowski. La cinta comienza con la solicitud de divorcio que ella presenta en los tribunales contra su marido debido a que su matrimonio no ha sido consumado. Una vez conseguida la anulación el protagonista se propondrá hacer todo lo posible para recuperar a su mujer porque no ha dejado de quererla. Los sentimientos extremos, son plasmados en este si se quiere excéntrico film. 





La película casi en su totalidad se desarrolla en Polonia, país natal del protagonista, en pleno invierno, lo que usa el director para resaltar el blanco en todas las escenas. Así mismo usa imágenes algo sobreexpuestas y una luminosidad total que contrasta con la parte oscura de sus protagonistas. Definitivamente otra joya de Kieslowski quien nos muestra el mundo extremo del amor, pasando por todas la emociones que lo acompañan. 


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Rojo, la última película de la trilogía es considerada por muchos la mejor de la misma. De hecho fue muy exitosa y cosechó numerosos premios internacionales. Inclusive estuvo nominada al Oscar como Mejor Cinematografía, Mejor Director y Mejor Guión Original, lo que le proporcionó al film reconocimiento internacional convirtiéndola en una de las obras más conocidas de este director. Estuvo así mismo nominada para los Golden Globes como Mejor Película Extranjera y se ganó El César  como Mejor Película, entre otros galardones recibidos. La película narra la historia de una modelo suiza interpretada por Irène Jacob que a través de un accidente de coche en el que atropella levemente a un perro, va a entablar una amistad, tema fundamental, que se va a ir haciendo más importante poco a poco con un juez ya retirado que tiene como costumbre espiar las conversaciones telefónicas de sus vecinos. 




Al principio la modelo se siente espantada por la costumbre del juez pero poco a poco se va involucrando en las historias que escucha cuando lo visita. Con un trabajo actoral sobresaliente, destaca la profunda y sutil fotografía en tonos rojos, color del amor y de la pasión en general. Por momentos los detalles de la fotografía son tan mínimos que parecen inadvertidos para conformar un estilo visual único. Sin duda, a nivel de fotografía este film es no solo impecable sino impactante. Valentina, nuestra protagonista vive lo ácido de la soledad con un novio británico con el que solo se comunica telefónicamente. Cuando conoce al juez, algo hace clic en su interior y comienza a transformarse y cuestionarse. 

Un detalle que une de extraña manera a los films es una situación que se repite a lo largo de la trilogía: un anciano intenta meter una botella en el reciclador de vidrios y en las dos primeras películas deja la botella justo encima  pero no puede llegar a introducirla completamente, pero sólo en “Rojo” Valentina le ayuda a colocar la botella. 





Así mismo en la escena final de “Rouge” aparecen relacionados por el destino todos los protagonistas de la trilogía. Quizás de todas, esta es la película más pesimista, pero en contrapartida nos deja un final abierto en el cual se nos insinúan posibles hechos, producto del hado del destino, que dan mayor luminosidad a la historia. Es un final que nos permite imaginar, que finalmente nos da un respiro ante tanta tensión dramática. 

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En las tres películas vale destacar la excelente banda sonora a cargo de Zbigniew Preisner ,que agrega los toques necesarios, especialmente en Azul donde se trata de la esposa de un compositor, para completar el excelente trabajo actoral y de realización de esta saga. 

Se trata de un realizador con independencia intelectual que le permitía brindarnos el mejor cine de autor, un cine que constantemente nos desafiaba a pensar sobre la condición humana, dejándonos mayores interrogantes que respuestas, para que nos encargáramos de buscar estas últimas por nosotros mismos. 

Sin duda alguna el legado cinematográfico de Kieslowski, será un referente histórico y una muestra del mejor cine de firma de los últimos años. “Es precisamente ese sentido paradójico lo que marca en profundidad su cine y hace que sea tan difícil materializar en palabras lo que sus imágenes saben transmitir con silenciosa elocuencia. Si objetivamente se puede afirmar que Kieslowski utiliza métodos y materiales aparentemente convencionales, es más que evidente que su trabajo se dirige fundamentalmente a partes inusuales del intelecto y a algunos sentidos habitualmente secundarios en el cine.” (www.mgar.net). 




Hablamos  de un realizador minucioso, que no por quisquilloso sino por la claridad con la que sabía trasmitir sus mensajes, se involucraba en todo el proceso creativo. Un director integral, de esos que todos buscamos y poco encontramos que permanecerá en la memoria de cualquier espectador que haya visto su obra, porque de ella no se sale intacto, sino movido emocionalmente y desafiado intelectualmente. 

Para ver la creación de este ensayista filosófico de la vida, hay que despojarse de lo conocido, abrir los parámetros y atreverse a asumir el reto de lo irresoluto que nos enciende lo emotivo y la materia gris. Un creativo inolvidable, que permanecerá por siempre presente como referente del verdadero séptimo arte.

domingo, 21 de diciembre de 2014

UNA MIRADA FOTOGRÁFICA DEL CINE : DIRECTORES DE FOTOGRAFÍA : DARIUS KHONDJI - Fernanda Bargach-Mitre






En cualquier producción audiovisual, el director de fotografía es fundamental. En el cine, es una pieza clave. Trabaja mano a mano con el director, se encarga de la creación artística de las imágenes, para la puesta en escena. Tanto la sensitometría, la fotometría, la óptica y  la técnica  en el manejo de equipos. El estudio del color y de los fenómenos de percepción es fundamental. Es responsbale de plasmar la visión del director en tonos, en ambientes, en paletas de color. Lograr coherencia entre la historia y lo que las imágenes trasmiten, que la narrativa vaya acompañada de fuerza visual.



La cinematografía es el arte y la artesanía de la autoría de las imágenes visuales para el cine va de la concepción y pre -producción hasta la post -producción para la presentación final de estas imágenes. Todo y cualquier proceso , que pueden afectar estas imágenes , son responsabilidad directa y el interés del director de fotografía. Cinematografía no es una subcategoría de la fotografía. Más bien , la fotografía es más que un oficio , que el cineasta utiliza , además de otras técnicas físicas , organizativas , de gestión , de interpretación y manipulación de imagen para efectuar un proceso coherente . La cinematografía es un proceso creativo e interpretativo , que culmina en la autoría de una obra original en lugar de la simple registro de un evento físico . Las imágenes que el cineasta lleva a la pantalla proceden de la visión artística , la imaginación y la habilidad del director de fotografía de trabajo dentro de una relación de colaboración con otros artistas . [ Sociedad Americana de Directores de Fotografía , de mayo de 2000. ]


Darius Khondji 


Es un cineasta iraní- francés. Ha trabajado con directores tan conocidos como Jean -Pierre Jeunet , David Fincher , Bernardo Bertolucci , Alan Parker , Roman Polanski , Sydney Pollack , Woody Allen , Wong Kar- wai y Michael Haneke , entre muchos otros.






Su segundo largometraje fue Le Trésor des Iles Chiennes (1991), con un presupuesto bajo, en blanco y negro, una película de aventuras post-atómica. Su trabajo en esta cinta era lo suficientemente bueno como para ser reconocido Fue en esta película que  demostró una afinidad por Cinemascope, aunque ha probado diferentes formatos. Su posterior trabajo en Delicatessen estableció su reputación internacional y le valió la nominación a un Cesar a la mejor fotografía. Uno de sus films mas reconocido  es Seven  y por su  trabajo en Evita , de Alan Parker, fue nominado a un Oscar a la Mejor Cinematografía.

Este artista se ha caracterizado por su perfecccionismo, casi preciosismo en todas sus obras. Los ambientes suelen ser muy oníricos y surrealistas. Juega con la alta saturación de color, como con la opacidad de los ambientes, sabiendo generar opresión, como en Seven o en Panic Room, sus dos trabajos con David Fincher.  




Gran parte de su obra ha explorado la oscuridad, incluyendo "Alien: Resurrection" con el Sr. Jeunet (1997), "La novena puerta" con Roman Polanski (1999), "La habitación del pánico" con el Sr. Fincher (2002) y "My Blueberry Nights "con Wong Kar-wai (2008). En la película de Michael Haneke "Amour", que ganó la Palma de Oro en el Festival de Cine de Cannes.

En su trabajo usa iluminaciones puntuales que resaltan a los personajes y generan sombras fuertes. Así mismo su fotografía intimista acerca al espectador a las emociones de los actores.

En otros films podemos observar su toque de romanticismo, unas atmósferas con tintes pictóricos, como en Midnight in París, uno de sus trabajos con Woody Allen. Sin duda este artista, sabe su trabajo, tiene un sello particular pero lo aplica al servicio de la historia.




Gran parte del resto de su obra ha explorado la oscuridad, incluyendo "Alien: Resurrection" con el Sr. Jeunet (1997), "La novena puerta" con Roman Polanski (1999), "La habitación del pánico" con el Sr. Fincher (2002) y "My Blueberry Nights "con Wong Kar-wai (2008). En la película de Michael Haneke "Amour", que ganó la Palma de Oro en el Festival de Cine de Cannes.

Delicatessen (1991)

Este film fue fundamental en su estética, podríamos decir que era una protagonista más en su historia. Todo detalle de este ámbito era pensado , detallado y ejecutado con precisión. Se trataba de un universo de color amarillo que englobaba personajes inquietantes, surrealistas, intrigantes.




¨Para eliminar los tonos azules de las imágenes y realzar el amarillo y el marrón, Khondji utilizó el proceso de color ENR o también conocido como Procédé sans blanchiment o Bleach Bypass. Su función es aumentar el contraste y dar la impresión de blanco y negro sobre una imagen en color. La saturación en cambio se reduce en condiciones de poca luz. Khondji expuso sobre el negativo unas gelatinas cálidas o frías dependiendo de la escena a rodar.¨




Khondji logró plasmar entre esas tonalidades, una delicia visual, que acompaña a una excelente película, Sus directores Jean-Pierre Jeunet and Marc Caro, lograron una cinta diferente, que dividió a la crítica, algunos la vieron como una obra de arte innovadora, otros como un delirio sin sentido. Con el tiempo se convirtió en un film de culto e indispensable para los adictos al cine.

TRAILER DELICATESSEN





ALGUNOS TRABAJOS

La mejor manera de apreciar la calidad de un director de fotografía es ver sus imágenes. Les presento en trailers, las mejores cintas de este talentoso artista del cine.

Sev7en (1995)
Director: David Fincher



Amour (2012)
Director: Michael Heneke




Midnight in Paris (2011)
Director: Woody Allen





The City of Lost Children (1995)
Directores Marc Caro and Jean-Pierre Jeunet





The Beach (2000)
Director: Danny Boyle




The Ninth Gate (1999)
Director: Roman Polanski






My Blueberry Nights (2007)
Director: Wong Kar-Wai



miércoles, 17 de diciembre de 2014

PELICULAS DEBUT DE GRANDES ACTORES - Fernanda Bargach-Mitre




Primal Fear - Edward Norton (1996)

Primal Fear, es una película estadounidense, dirigida por Gregory Hoblit, estrenada en 1996 y basada en la novela de William Diehl Primal Fear. El film estaba protagonizado por Richard Gere, Laura Linney y Edward Norton , quien debutaba en la pantalla grande. Por esta actuación obtuvo el Globo de Oro al mejor actor de reparto y fue nominado al Oscar en la misma categoría. Norton fue elegido entre más de 2000 candidatos para este rol. El trabajo actoral que logra es extremadamente sólido, construyendo un personare complejo, rico en distintos facetas emocionales. Un ser perturbado , que el actor supo plasmar con intensidad . Inclusive el tartamudeo que posee el personaje, fue idea de Norton. A partir de allí, su carrera despegó rápidamente y participo en títulos emblemáticos como American History X, por la cual recibió una nominación al Oscar como mejor actor, The Fight Club, film de culto dirigido por David Fincher, The 25 th Hour, de Spike Lee donde hace un monólogo magistral, entre otras muchas otras películas en las que ha demostrado mucha fuerza actoral. Sin duda, este primer trabajo, fue pieza fundamental en su carrera.

SINOPSIS: 

Martin Vail (Richard Gere) es un ambicioso y polémico abogado defensor de Chicago que centra su carrera en juicios de gran repercusión social con el objetivo de aparecer en prensa y televisión. Cuando escucha en las noticias que un acólito, Aaron Stampler (Edward Norton), ha sido acusado del asesinato del arzobispo Rushman, habla con éste y acaba convirtiéndose en su abogado. El interés de Vai en un principio es meramente publicitario pero tras varias conversaciones con el acusado, donde éste destapa los abusos sexuales del religioso, se implica emocionalmente como nunca antes lo había hecho. Stampler es obligado a hablar con una psicóloga que tras varias sesiones le diagnostica un desorden de personalidad múltiple. Aaron es un chico tímido que tiene dificultades para hablar mientras que su otra personalidad, Roy, es un psicópata amante de la violencia que reconoce el asesinato. Tras este descubrimiento la defensa cambia su argumento basándose en el trastorno de identidad disociativo e intenta convencer al juez de la absolución por asesinato y el ingreso de su cliente en un centro psiquiátrico.

ESCENA - MEETING ROY





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The Piano - Anna Paquin (1993)






The Piano es una película de 1993 sobre una pianista muda y su hija, ambientada en un lugar apartado de Nueva Zelanda durante la mitad del siglo XIX. La película fue escrita y dirigida por Jane Campion, y protagonizada por Holly Hunter, Harvey Keitel, Sam Neill y Anna Paquin. La banda sonora de la película fue interpretada por Michael Nyman y se convirtió en un éxito de ventas. Hunter tocó las canciones en sus escenas, y también dio clases de piano a Paquin.
En 1991 Anna acudió a la audición del filme, para no tener que ir a clase ese día y para acompañar a su hermana, que era la que inicialmente se presentaba para el papel de Flora. Se presentaron otras 1.000 niñas. Esta película supuso su debut y  elogio por la crítica además de valerle un Óscar a la mejor actriz de reparto con tan sólo once años. La aceptación del premio fue una de las más singulares de los Óscar ya que cuando Anna subió al escenario a recoger su premio se quedó más de 20 segundos14 sin decir nada y riéndose, haciendo que todo el teatro Kodak se riera con ella.  Anna es la primera actriz nacida en Canadá en haber ganado un Óscar y la única actriz neozelandesa que posee uno.
A pesar de su extremada juventud y su inexperiencia en el cine, la interpretación de Paquin en The Piano como Flora, es absolutamente desgarradora, por momentos llena de inocencia y descubrimiento, por otros llenos de miedos y emociones extremas, un rol muy maduro para una niña tan pequeña, que Anna supo lograr de tal manera, que dejó a los espectadores conmovidos y a la crítica anonadada.
Pese a haber ganado el premio tan joven ha logrado mantener una carrera coherente, especialmente en cine independiente. Sus papeles más populares son el de Rogue de la triología X-Men y el de Sookie Stackhouse de la serie de televisión True Blood. 

SINOPSIS

The Piano cuenta la historia de una mujer escocesa, Ada McGrath (Holly Hunter), cuyo padre la vende en matrimonio a un hombre, Alistair Stewart (Sam Neill), y la envía junto con su joven hija Flora (Anna Paquin) y su piano a vivir con él a Nueva Zelanda. Ada no ha dicho una palabra desde hace años, sustituyendo su voz por la música del piano, mientras que su hija le sirve de traductora en su comunicación a través del lenguaje de signos. Ada y Flora llegan a Nueva Zelanda, siendo abandonadas junto con sus pertenencias por la tripulación del barco en el que han llegado desde Escocia. Su nuevo marido obliga a Ada a abandonar el piano en la playa, siendo luego vendido a George Baines (Harvey Keitel), vecino de Stewart y entusiasta de la música de piano, quien al principio le pide a Ada que le dé clases de piano, pidiéndole seguidamente hacer un trato consistente en que ella podrá tocar el piano mientras que él la pueda tocar a ella. A partir de aquí, empieza una relación entre Ada y George, que marcará el devenir de la historia.

ESCENA  - HE CHOPPED IT OFF!





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Leon the Professional - Natalie Portman (1994)





CRITICA Y SINOPSIS



Léon, también conocida como El profesional (Léon), es una película francesa estrenada en 1994. Fue escrita y dirigida por Luc Besson e interpretada por Jean Reno, Gary Oldman y Natalie Portman. Léon presenta a Natalie Portman en su primer papel cinematográfico. La cinta que nos cuenta de una niña huérfana, cuya familia ha sido asesinada. que busca refugio en su vecino, un asesino a sueldo.

Jean Reno y Natalie Portman, protagonizan un thriller del "limpiador" que vive de liquidar gente de manera muy discreta hasta que su trabajo pasa, peligrosamente, a ser personal. Se trata de un film de culto, que si bien tiene fallas, posee así mismo virtudes que la hacen imprescindible de ver. 

La cinta engancha de principio a fin e involucra al espectador en la platónica relación entre Mathilda (Portman) y León (Reno) cuya historia inicia a partir que el padre de la niña de 12 años, contrabandista de drogas, hace negocios con un corrupto agente de la D.E.A (Oldman), que decide matarlo junto a toda su familia. Mathilda que estaba en el supermercado queda ilesa y solo le resta la opción de refugiarse en la casa de su solitario vecino para evitar ser asesinada. 

Pronto descubrirá el secreto de León y sentirá fascinación por él, la única persona que parece mostrarle verdadero cariño. A mi criterio se trata de una historia de amor imposible, sin duda conmovedora, con vericuetos inteligentes de acción, suspenso y drama. 

Es imposible olvidar el debut en la pantalla grande de Natalie Portman como Mathilda, donde ya se apreciaba su innato talento como actriz componiendo una púber sexy, temeraria y dulce. Hermosos primerísimos primeros planos de su rostro, deleitan al espectador. Vale acotar la presencia del magnífico Gary Oldman como el neurótico agente de la D.E.A. que quiere liquidar a los protagonistas.

En la década de 1990, Natalie,  interpretó varios papeles protagonistas en filmes como Beautiful Girls y Anywhere but Here, antes de que fuese seleccionada para dar vida al personaje de Padmé Amidala en Star Wars. En 1999, mientras trabajaba en la filmación de Star Wars, ingresó en la Universidad de Harvard en la carrera de Psicología y obtuvo su licenciatura en el 2003. 

Su carrera ha sido muy fructífera, mostrando excelentes actuaciones como en Closer que la hizo merecedora de nominaciones a los Globos de Oro y los Oscar, estatuilla que finalmente se llevó por su papel en The Black Swan de Darren Aronofsky. Sin duda, una actriz de lujo, lo que pudimos apreciar desde sus inicios .

ESCENA -  CONFESIONES




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Matthew McConaughey - Dazed con Confused (1993)




RESEÑA



Dazed and Confused  fue  escrita y dirigida por Richard Linklater . La película cuenta con un gran elenco de actores que luego se convertirían en estrellas , incluyendo a Matthew McConaughey ,que empezaba en el mundo del cine y  Jason London , Ben Affleck , Milla Jovovich , Cole Hauser , Parker Posey, Adam Goldberg , Joey Lauren Adams , Nicky Katt , y Rory Cochrane . La trama sigue a varios grupos de adolescentes de Texas durante el último día de clases en el verano de 1976 . La película recaudó menos de $ 8 millones en la taquilla de Estados Unidos , pero más tarde alcanzó la categoría de película de culto.
La primera parte del fim transcurre en plan para  una fiesta de fin de curso, buscando aditamentos como cerveza. marihuana , ácido lisérgico. Se nos presenta a los típicos adolescentes descontrolados  en situaciones típicas. En la segunda parte, mientras transcurre la fiesta, la película se pone más profunda, llevándonos a ver que estos chicos se encuentran confundidos, que se siente presionados por una sociedad que parece darles solo a elegir entre ser parte del sistema o quedar afuera. Es una visión fresca, de un grupo de jóvenes que terminan una étapa de libertad. El film está ambientado en 1976, y nos muestra una juventud sin ideales claros, una mezcla de de la cultura heredada del pasado que en ese instante era un híbrido confuso. 
Si bien McConaughey no debutó en una cinta exitosa en taquilla, su carrera despegó igualmente, empezando por películas ligeras y abundantes comedias románticas que le fueron haciendo el lugar de actor serio para encarar proyectos de envergadura. Es así como ganó el Oscar y otros numerosos premios, por un performance fenomenal en Dallas Buyers Club. 

ESCENA - JUST KEEP LIVIN ´




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Jessica Lange - King Kong  (1976)





RESEÑA

El productor Dino De Laurentiis contrató a Lange , para protagonizar el remake de King Kong, película con la cual comenzó y casi terminó su carrera, debido a las duras críticas que recibió, si bien fue un éxito comercial. El film estuvo dirigido por John Guillermin. A pesar de sus detractores que defendían la película original, la cinta tuvo buena acogida y promovió la carrera de Lange, que se sobrepuso a las críticas para continuar con films de gran impacto. 
El film. trataba sobre una expedición que se encuentra con un grupo de indígenas que adoran un dios animal, el temido y gigante gorila. Subsecuentemente será atrapado, exhibido,  hasta que logra escapar sembrando el terror en las calles. 
Tras su actuación en la adaptación de Bob Rafelson de The Postman Always Rings Twice (El cartero siempre llama dos veces) en 1981, las críticas cambiaron totalmente.Su actuación en su siguiente película, Frances (1982), en la cual retrató a la actriz Frances Farmer, fue muy alabada y le valió una nominación al Óscar a la mejor actriz. 
Aquel año recibió otra nominación, como Actriz de reparto, por la comedia Tootsie (1982), protagonizada por Dustin Hoffman, y por la que finalmente ganó la estatuilla. Esta actriz ha demostrado a lo largo de su carrera una espléndida calidad como interprete,  considerada una de las mejores actrices de su generación.

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Jason Statham - Lock, Stock and Two Smoking Barrels (1998)




Gracias a su trabajo como modelo para la empresa de moda French Connection, Statham obtuvo una audición para su debut en el cine, como Bacon en la película Lock And Stock (1998), dirigida por Guy Ritchie. Debido al éxito conseguido en Lock, Stock and Two Smoking Barrels, volvió a unirse con Guy Ritchie para la película Snatch: cerdos y diamantes en el 2000, junto a actores como Brad Pitt, Dennis Farina y Benicio del Toro.       Se trata de un filme de "atraco perfecto" acerca de un joven y resuelto tahúr que ha perdido £500.000 ante un jefe del crimen organizado en una partida amañada de "brag de tres cartas". Para poder pagar su deuda, él y sus amigos deciden robar a una banda de poca monta que resulta estar operando desde el piso de al lado. El filme le valió a Guy Ritchie reconocimiento internacional y sirvió para presentar a los actores Vinnie Jones, antiguo futbolista de la selección de País de Gales, y Jason Statham a nivel mundial.
La película contada con sentido del humor, un guión sólido y un ritmo casi desbocado, delinea muy bien los personajes. Statham convenció a la audiencia con su performance, que le abrió las puertas para convertirse en un referente del cine de acción y protagonizar numerosas películas.

SINOPSIS 

Eddie convence a tres amigos para jugarse sus ahorros en una partida de cartas contra Harry el Hacha, un mafioso del barrio. La partida está amañada, y Eddie no sólo pierde todo el dinero sino que contrae una deuda de medio millón de libras, que debe pagar en el plazo de una semana. El mafioso pretende quedarse con el local de su padre para resarcirse de la deuda, pero los cuatro amigos planean saldarla de una forma mucho más arriesgada.

ESCENA - OPENING SCENE





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Meryl Streep - Julia (1977)




La laureada actriz  de teatro, cine y TV, Meryl Streep quien ha sido candidata al Oscar unas 18 veces, debutó en la película Julia dirigida por Fred Zinnemann, basada en el libro Pentimento, de Lillian Hellman, un retrato de la historia que tuvo la escritora con su amiga "Julia", que trabajó en actividades antinazis antes de la Segunda Guerra Mundial. Ya para ese entonces Streep era conocida en el ámbito del teatro.Su papel en el film era corto pero importante y le valió excelentes críticas y le abrió las puertas para una carrera brillante.

En 1978, recibió el premio Emmy por su protagónico en la serie Holocausto y fue candidata por primera vez al Óscar por The Deer Hunter el mismo año, premio que ganó posteriormente por las cintas Kramer vs. Kramer (1979), La decisión de Sophie (1982) y La dama de hierro (2011). Ha realizado excelentes películas y sus actuaciones nunca pasan desapercibidas, siendo considerada por muchos una de las mejores actrices de la historia.

SINOPSIS


Durante los años 20, una niña llamada Lillian Helman (Jane Fonda) conoce por casualidad a Julia (Vanessa Redgrav), la hija de una familia acaudalada e influyente procedente de Escocia. Desde el primer momento las dos conectan, y con el paso del tiempo acaban formando una amistad sólida y duradera. Sin embargo, cuando crecen un poco y alcanzan la adolescencia, Julia es enviada a Oxford y a Viena para estudiar junto a los grandes genios de Europa. Años después, Lily se ha convertido en una escritora soñadora que recuerda con tristeza los tiempos en que era amiga de Julia. Un día, decide dejar todo atrás e ir a Viena a buscarla. Sin embargo, al llegar allí se dará cuenta de que las cosas no van nada bien. El nazismo está haciéndose un poderoso hueco en Europa central, y su búsqueda se verá amenazada por la amenaza de la guerra, la intolerancia y el racismo.

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