domingo, 15 de julio de 2012

MR. NOBODY: LA RELATIVIDAD DEL TIEMPO Fernanda Bargach-Mitre





Dirigida y escrita  por el Belga Jaco Van Dormael , la película es tan fascinante como provocadora de pensamientos. Una historia de ciencia ficción y amor de una originalidad pocas veces vista, que nos plantea desde viajes en el tiempo, realidades alternativas y como cada decisión podría ser fundamental en el futuro.

No fue tarea fácil para el director conseguir el presupuesto para realizar este film, de hecho es una coproducción entre entre Europa y Canadá, financiamiento que fue cuesta arriba conseguir, lo que es normal para una película intrincada, que es un reto para el espectador y que no parece presentar atractivos comerciales. Fue un fracaso de taquilla, y de criticas mixtas. Aun se espera su estreno en Estados Unidos como esperanza de que recupere su inversión.

No se trata de una cinta fácil de analizar ya que representa un desafío a la inteligencia de la audiencia porque no todo queda claro, llevándonos a una libre interpretación de lo que vemos.



La historia abre con un hombre de familia con hijos. Repentinamente nos hallamos en el año de 2092 y  este hombre tiene 120 años siendo último ser humano mortal de la Tierra y vive rodeado de hombres que han alcanzado la inmortalidad gracias a increíbles avances científicos. Cuando Nobody se encuentra en su lecho de muerte, recuerda varias posibles existencias, haciendo un viaje sobre su pasado, tomando todas las alternativas de futuro de cada decisión. La película alterna entre imágenes de los viajes de una realidad a otra de Mr Nobody joven interpretado por Jared leto y el mismo ser viejo contando la historia de su vida.

Interesantes teorías se aplican a la historia, primeramente el efecto mariposa, cito “El efecto mariposa es un concepto que hace referencia a la noción del tiempo…..La idea es que, dadas unas condiciones iniciales de un determinado sistema caótico, la más mínima variación en ellas puede provocar que el sistema evolucione en ciertas formas completamente diferentes. Sucediendo así que, una pequeña perturbación inicial, mediante un proceso de amplificación, podrá generar un efecto considerablemente grande a mediano o corto plazo de tiempo”.

Esto se refleja en cada pequeño cambio que hace Mr Nobody en su viaje, que lo lleva a diferentes realidades, como si todo estuviera concatenado en el universo como plantea la teoría del caos según la cual cualquier cambio de las condiciones iniciales, por más ligero,  genera otra cambio a gran escala.



Otro marco interesante que toca es el de la física cuántica según la cual “El paso de una superposición de estados a un estado definido se produce como consecuencia del proceso de medida, y no puede predecirse el estado final del sistema: sólo la probabilidad de obtener cada resultado”

En suma Mr Nobody viaja en el tiempo a través de las consecuencias de cada decisión que tomo en su vida en un recorrido sorprendente.
A nivel técnico es impecable y totalmente atrapante a nivel visual, su factura es una demostración de la solvencia de este director.



“Van Dormael propone una miríada de subtramas y alternativas con un guión pretendidamente avispado y original, una fotografía colorista y una dirección y montaje tan eclécticos como hiperactivos y confusos”  Esto hace que no sea de vista fácil y que por su rapidez sea difícil de seguir. Por otro lado es como un viaje que nunca termina y en 138 minutos de película vivimos cada uno. Creo que ese es el motivo por el cual ha sido atacada porque o se ama o se odia su ritmo narrativo y su complejo guión.

Se trata de una cinta que no da respuestas definitivas, en un final que nos deja reflexionado acerca de lo relativo del tiempo y el sentido de la vida.



Justamente una de las virtudes que le veo al film, es su inteligente historia plasmada en un guión revelador de posibilidades y excelsamente realizado .

En consecuencia  es un  film que nos hace cuestionarnos nuestros conceptos mas seguros y lo que consideramos la realidad absoluta. Es una llave a preguntas profundas sobre la existencia humana.

Sun duda, una película que vale absolutamente el intento a pesar de las malas críticas sobre su entramado complicado y es justamente ese entramado lo que la hace interesante.

Imperdible!!!

TRAILER:


sábado, 14 de julio de 2012

HESHER: FEROCIDAD INDEPENDIENTE Fernanda Bargach-Mitre





Dirigida por Spencer Susser en su opera prima , esta cinta logra contar una historia dura pero con excelentes toques de humor negro que suavizan inteligentemente su crudeza. Además de ser una historia fascinante de corte muy independiente, lo que más destaca es la actuación de Joseph Gordon Levitt, magistral para el rol de Hesher que viene demostrando ser un solvente actor de carácter. 


La película parte de la historia de TJ (un genial Devin Brochu) un niño que ha perdido a su madre recientemente cuyo padre vive en una depresión constante adormilado por pastillas. TJ está solo, lo molestan en el colegio, todo parece salirle mal, es un niño que se aferra a la misión de recuperar el auto donde murió su mamá como una especie de búsqueda de reencontrarla. Un día cualquiera en su camino se cruza con Hesher y de pronto todo cambia.
Hesher es un ser totalmente amoral , no mide ninguna consecuencia de sus actos, se deja llevar solo por su impulsividad, posee una sinceridad acida, y es un poeta urbano a pesar que use palabras comunes y hasta soeces. ¿ Quién dijo que la poesía solo vale con excelso  lenguaje?


Hesher decide sin más ni menos instalarse a vivir en casa de TJ, y aunque parece distante, y hasta cruel, es un despertar para esta familia destrozada.
El film esta muy bien tratado y resulta muy alejado de las historias tradicionales. Estamos frente a una obra que rompe patrones en base a una historia original pero sobre todo porque logra mezclar el drama y la comedia negra de manera excelente, al punto que esa dupla nos hace poder digerir la película que es realmente dramática en su planteo inicial.


El logo del film, similar al de Metallica no es casualidad.La banda no suele ofrecer canciones para las películas, pero han hecho la excepción y algún tema de ellos junto a otros de Motorhead suenan en el film para un banquete de aquellos que gustan del heavy metal.
Tampoco es casualidad la elección de este tipo de música, estas representan a Hesher, en su rebeldía inconsciente, su carácter imprevisible, su maldad ingenua e infantil, su manera de vestirse y de vivir su vida, el heavy metal resulta muy adecuado al personaje.


Es una cinta entretenida, que tiene el condimento especial de la maravillosa actuación de Joseph Gordon Levitt y un buen plantel de secundarios entre los que destacan Natalie Portman y Devin Brochu.
Por momentos puede resultar algo surrealista y nos deja con ganas de saber más sobre el origen de Hesher, que queda poco claro.
El guión es sólido pero irregular en algunas partes, pero prima su calidad sobre sus falencias.


Estamos ante un film con ferocidad independiente, que logra atrapar, mantener y sorprender y allí radica su encanto,  más aún cuando estamos frente al primer largo de un interesante director.
Imperdible!!!!


viernes, 16 de marzo de 2012

“THE IDES OF MARCH” (2011) CLOONEY NOS INTRODUCE EN LO TURBIO DEL PODER - Fernanda Bargach-Mitre




Dirigida por George Clooney, The Ides of March nos interna en el sucio manejo político, a través de la historia de un joven idealista que trabajando en una campaña electoral comienza a darse cuenta de la cruda realidad que lo rodea.
Clooney se inició como director en el año 2002 con “Confessions of a Dangerous Mind” (Confesiones de una mente peligrosa) una excelente ópera prima desde donde comienza su interés por el cine polémico y crítico. La película cuenta la historia de un legendario show-man de la TV con una doble vida: productor de televisión de día, asesino de la CIA de noche. Se trata de una película dinámica con buenos toques de humor negro y solvente ritmo narrativo.


Su segundo film, Good Nigth and Good Luck”, se introduce de lleno en el tema político a través de la historia basada en hechos reales, del periodista Edward R. "Ed" Murrow, y sus enfrentamientos con  el senador de los Estados Unidos Joseph McCarthy, cabeza de la persecución de comunistas y supuestos comunistas por parte del Comité de Actividades Antiamericanas. A través de este film Clooney hace una dura critica a este periodo que se apodo “la caza de brujas”, época represiva de percusiones de artistas, intelectuales y todos aquellos sospechosos de ser simpatizantes de la izquierda.
Su tercer film Leatherheads, estrenado en el 2008 , es una comedia con buenos actores que paso sin pena ni gloria como  una divertida y ocurrente trama  romántica.


The Ides of march, su  cuarto film, escrito, producido y dirigido por él, basada en la obra de teatro Farragut north,vuelve a introducirnos en el turbio mundo de la política. 
Nuestro protagonista, un resaltante Ryan Golsling, joven e idealista asesor de campañas políticas al servicio del gobernador demócrata de Pensilvania, Mike Morris (George Clooney). El muchacho afrontará el mayor desafío de su carrera profesional al tratar de conseguir que Morris sea elegido por el Partido Demócrata para enfrentarse al candidato republicano en las elecciones presidenciales de Estados Unidos en 2004.


Junto a su mentor y jefe de campaña Paul Zara (Philip Seymour Hoffman), en su mejor forma, trataran desesperadamente de lograr  ganar en el estado de Ohio, lo que definiría los resultados.
A lo largo del film, vemos como los discursos se van adecuando a las encuestas, las promesas a las estadísticas y necesidades que la gente expresa, sin importar realmente si estos objetivos son alcanzables. Se trata de una carrera donde solo importa ganar y como decía Maquiavelo en esto se aplica a la perfección su famosa frase “el fin justifica los medios”.


El joven soñador, escribe los discursos con pasión, realmente convencido que su candidato hará una diferencia. Estas palabras son repetidas fielmente por el carismático Clooney, con fuerza casi teatral y la naturalidad de quien dice sus propios pensamientos.
Vemos como el jefe de campaña, se entrevista con otros políticos y personas de influencia, buscando apoyo, donde nadie da nada sin algo a cambio, y se tramoyan las más oscuras alianzas, se cede si hace falta, se resignan las necesidades del pueblo según los intereses del grupo que quiere  manejar el poder.

Clooney nos deja en claro, que somos corderos manejados por un grupo minoritario de dudosa moral, en una panorama donde la crítica a el mundo de la política, nos plantea caminos sin salida. Dentro de esta, o haces lo que sea, aunque no sea lo correcto, o puedes quedar fuera del juego.   Vale aprender a mentir y manipular para no ser un cordero de los tiburones más grandes.
Ese es el dilema de nuestro protagonista, quien al abrir los ojos se ve envuelto en situaciones límites donde sus valores se ven en jaque. El muchacho tiene que elegir seguir el juego con las reglas que posee u olvidarse de su carrera y sus ambiciones.
La película tiene secundarios de lujo, todos ellos brillan en sus cortos papeles, como Paul Giamatti, Evan Rachel Wood,  Marisa Tomei y el mismo Clooney cuyo papel no es protagónico.


Como siempre nos encontramos con un estupendo Ryan Gosling, que ha a demostrado con creces en películas como Half Nelson o Drive por solo nombrar algunas, que es un actor de carácter.
The Ides of March, no es una obra maestra, pero sin duda es un thriller político que funciona como dura crítica al sistema norteamericano pero que se puede aplicar a casi cualquier contexto similar . La premisa es que el mundo político está contaminado casi de forma irremediable y que aquellos que dicen representar nuestros intereses en ocasiones solo buscan obtener poder, bajo la excusa que solo ganando podrán cumplir sus flamantes promesas. Y en este camino contaminado la pregunta sería ¿donde queda la verdad, la transparencia, los valores de vida y la calidad humana que se necesita para ser un buen gobernante que realmente defienda los intereses del pueblo?
En suma, con excelentes actuaciones, buena trama, narrativa clásica pero atrapante en su guión y acertada dirección hacen de esta película un buen chance para ver y reflexionar.

TRAILER:

lunes, 5 de marzo de 2012

CITAS:GEORGE ORWELL


CITAS: DAVID LYNCH


CITAS: JANIS JOPLIN


DRIVE: SUBLIME VELOCIDAD - Fernanda Bargach-Mitre




Dirigida por Nicolas Winding Refn, Drive, nos atrapa entre su rudeza y su dulzura. Estamos frente a un film indie que se convertirá en película de culto, por su excelsa realización, impecables actuaciones e interesante propuesta narrativa. Se suma su fotografía a cargo de Newton Thomas Sigel que hacen de cada plano una delicia visual y una acertada banda sonora , todos elementos que conjugados dan luz a un film que deja huella.


Abriendo con una escena de persecución de coches diferente a las habituales, el film arranca con fuerza. Los perfectos encuadres, los planos aéreos de esa ciudad , mezclados con otros planos cerrados hacen de este comienzo una promesa.
un reluciente ejercicio de género retro que en su nada disimulada nostalgia expresa la ansiedad de cierto cine contemporáneo por reafirmar su estilo mirando por el retrovisor” (Sergi Sánchez). La película en su aire de los 70, posee una estética perfecta, el ambiente de la mafia, los negocios sucios y las drogas y una historia de amor que se trasforma en una de las columnas que sostienen el argumento.



El dialogo es muy poco, de allí la importancia que toman los encuadres y la cinematografía, la banda sonora y evidentemente la expresividad cómplice y silente de los actores. Esto es posible por el personaje de Ryan Gosling, que otra vez demuestra su imparable talento con su estoicismo . Es inmutable en su presencia pero al mismo tiempo trasmite dulzura, un fuerte mundo emocional que se ve despierto gracias al personaje de Carey Mulligan, entre los cuales se construye una fábula de amor casi muda, que logra tomar una intensidad inolvidable. 


Las imágenes de persecuciones son espléndidas, el conductor Ryan Gosling que siempre esta en el automóvil haciendo todo tipo de trabajos que requiera de un conductor experto,de forma anónima y nunca dos veces para la misma persona, no parece debatirse en dilemas morales, mostrando un autocontrol impresionante.
Todo cambia cuando conoce a la chica, empieza a tener algo que perder y algo que cuidar y se entrega a esta tarea de manera tímida y osada a la vez.
Ignorada por los premios norteamericanos, Nicolas Winding Refn ganó como mejor director en el Festival de Cine de Cannes, Francia, en 2011, donde la película fue aclamada por la audiencia.



Drive ademas de ser una película de acción, logra combinarse con una historia de amor anticonvencional. El trabajo del director es impecable, manejando los hilos de las relaciones humanas, sublimes, donde cada mirada habla millones de palabras, donde cada gesto tiene un doble significado, una etérea y poética conexión entre dos seres muy distintos.

En suma, es un film que capta al espectador durante todo el metraje, en un ritmo pausado mezclado con momentos desenfrenados. Una cinta muy recomendable para los amantes de propuestas diferentes en el séptimo arte.
Imperdible!!!


TRAILER


CITAS: TIM ROBBINS


CITAS

CITAS JOHNNY DEPP


CITAS: UMA THURMAN


CITAS: VINCENT GALLO


CITAS: DAVE GROHL


CITAS: ISAAC ASIMOV


CITAS: FERNANDA BARGACH-MITRE


CITAS: CLINT EASTWOOD


CITAS: JEAN-MICHEL BASQUIAT


CITAS: ALBERT EINSTEIN


CITAS: KURT COBAIN

CITAS: KURT COBAIN


CITAS: JIMI HENDRIX


CITAS: SEAN PENN


lunes, 6 de febrero de 2012

REVISANDO EL CINE DE GASPAR NOÉ : ENTER THE VOID (2009) -Fernanda Bargach-Mitre





El director argentino, Gaspar Noé, radicado en Francia, llamó la atención con su primer largo Carne (1991), pero es en el 2002 cuando entra por la puerta grande al mundo del cine con su presentación en el Festival de Cannes con la obra Irreversible, protagonizada por Mónica Bellucci, Vincent Cassel y Albert Dupontel. Es una película contada en orden cronológico inverso, que causó polémica por lo explícito de una escena de asesinato y otra de una violación.




Sin duda este realizador que ha trabajado como camarógrafo, montador y productor, es un cineasta con sello único en el mundo del cine de autor. Enter the Void,  co producción entre Francia-Alemania-Italia-Canadá, se estrenó en el año 2009, causando gran revuelo y estuvo Nominada a la Palma de Oro en el Festival de Cannes. 




 Hecha de manera absorbente y con un aspecto visual impresionante. La cinta nos cuenta la historia de Óscar, un joven drogadicto que ocasionalmente trafica con drogas que es asesinado en Japón. Desprendido ya de su cuerpo, Óscar deambula observando a su hermana y sus amigos en los momentos y días posteriores a su muerte. El dolor que sienten sus seres queridos y la promesa de no abandonar jamás a su hermana hace que el muchacho se quede deambulando en una especie de limbo, desde donde observa y va recordando momentos traumáticos de su niñez. 






 La historia es muy original, el planteamiento interesante pero lo magistral de Noé es el estilo visual y narrativo, como cuenta la historia. A Oscar solo le vemos la cara en una escena magistral donde se mira al espejo y cuando muere y sale de su cuerpo, pero la cinta enteramente está contada de manera subjetiva, es decir desde los ojos del protagonista, como si fuéramos parte y cómplices de lo que le sucede. Es de ritmo lento, y esa maravillosa subjetividad por momentos agobia. 






No se trata de una película fácil de visionar. La realización es impecable, con los movimientos de cámara acertados, la ambientación de la ciudad, de Tokio, los paseos aéreos por la urbe, los lugares nocturnos, en una explosión de color y las secuencias continuas y los intercambios entre escenarios son absolutamente geniales. Pero se trata una cinta excesiva, larga, de ritmo pausado, extraña y dura. 







 A Gaspar Noé o se lo odia o se lo ama. Algunos dicen que destruye el cine clásico y otros lo consideran un vanguardista. De hecho la película recibió criticas disímiles, unos la encontraron tediosa, aburrida y otros un viaje alucinante. Siempre experimentando, en Irreversible nos contó la historia en reverso, mucho más fácil que lo que logra en Enter de Void. 




Filmar desde la subjetividad del personaje una película entera, sin errores, sin cortes, hasta lograr que el espectador se acostumbre a esta visión no es tarea fácil. Gaspar Noé es un creativo único, aunque sus películas sean duras y difíciles generan un cine distinto que vale la pena arriesgare a ver. 

De ambientes alucinógenos, explosiones de colores y una fotografía exquisita, este film no solo es consistente en contendio sino en forma y compone una obra original y arriesgada.

TRAILER:





FICHA TÉCNICA DE 'ENTER THE VOID' 

+ Dirección: Gaspar Noé
+ Guión: Gaspar Noé y Lucile Hadzihalilovic 
+ País: Francia, Alemania, Italia y Canadá. 
+ Año: 2009 
+ Duración: 161 min. 
+ Interpretación: Paz de la Huerta (Linda), Nathaniel Brown (Oscar), Cyril Roy (Alex), Olly Alexander (Victor), Masato Tanno (Mario), Ed Spear (Bruno), Emily Alyn Lind (pequeña Linda), Jesse Kuhn (pequeño Oscar), Nobu Imai (Tito), Sakiko Fukuhara (Saki), Janice Béliveau-Sicotte (Madre), Sara Stockbridge (Suzy), Stuart Miller (padre de Victor), Emi Takeuchi (Carol), Rumiko Kimishima (Rumi). 
+ Producción: Olivier Delbosc, Vincent Maraval, Marc Missonnier y Gaspar Noé 
+ Música: Thomas Bangalter 
+ Fotografía: Benoît Debie 
+ Montaje: Marc Boucrot y Gaspar Noé 
+ Diseño de producción: Marc Caro, Kikuo Ohta y Jean Carriere 

ESCENA DEL TRIP DE DMT:






ALGUNOS DATOS:

-Según el director, la idea de la película había estado creciendo desde su adolescencia, cuando empezó a interesarse en el tema de la muerte y la existencia. En sus veinte, y bajo el efecto de hongos alucinógenos, vio La dama del Lago, de Robert Montgomery una película de 1947 rodada íntegramente desde la perspectiva de primera persona. Fue entonces cuando decidió que si alguna vez haría una película sobre el más allá, esta sería la forma en que la filmarla. Gaspar Noé escribió diferentes versiones del guion durante quince años hasta de que oficialmente entró en producción. La historia había sido inicialmente más lineal, y los proyectos se establecieron en diferentes lugares incluyendo los Andes, Francia y Nueva York. Tokio fue la elegida finalmente, ya que fue capaz de proporcionar los medios necesarios para coloridos aspectos alucinógenas necesarios de la película.



-La filmación comenzó el 19 de octubre de 2007. Las escenas de estudio fueron filmadas en Tokio en Estudios Toho el equipo filmó durante tres meses en Tokio, y después de esto, filmo cuatro semanas en Montreal para los flashbacks. Después de que la fotografía principal había terminado el equipo regresó a Tokio dos veces más para escenas adicionales. La película fue rodada en Super 35 y 16 mm, con una Arricam LT y un Aaton XTR prod respectivamente. El director de fotografía fue Benoît Debie, quien también filmó 'Irreversible'. Debie dice que muchas escenas exteriores no requerían mucho trabajo adicional de iluminación debido a los muchos letreros de neón en Tokio. Sin embargo, la iluminación general era mucho más complicado que en 'Irreversible', en parte porque los estados de ánimo de los personajes estaban destinados a ser indicados por distintos colores, que iban del naranja al morado. Las técnicas de iluminación incluian automatizado de iluminación y escenas con luces estroboscopicas, con lo cual el director de fotografía fue capaz de aumentar el tiempo de exposición de la película. Debie y Noé se turnaron como camarografos. Aunque se tenía un guion de 100 páginas, muy poco diálogo fue escrito, y a los actores se les pidió improvisar sus líneas. Noé explicó su estilo de dirección: "Para mí, la dirección de actores es sólo encontrar a las personas adecuadas y ponerlos en el humor ideal dentro del set y luego soltarlos. ... Creo que la energía tiene que venir en el plató en esos últimos minutos ".