miércoles, 26 de enero de 2011

CURVAS ( VIDEO TRIP)

Música, Edición, Fotografía macro digital y fotografía reflex : Fernanda Bargach-Mitre
Otras fotos: la generosa web





miércoles, 12 de enero de 2011

IMPERDIBLES DE LOS NOVENTAS (7MA PARTE) - Fernanda Bargach-Mitre

n esta oportunidad, un día pensando en grandes películas, al menos las que a mí me han impactado, descubrí al menos tres de la década de los noventas que en estas entregas habían estado ausentes. Decidí sentarme frente al computador a rescatar esas tres y encontrar otras dos, lo último fue fácil y es más, me di cuenta que he omitido muchísimas, así que sospecho que esta saga seguirá con varias entregas más.

Misterioso asesinato en Manhattan (Manhattan Murder Mistery/1993)



Woody Allen no para de generar películas, por lo general todas excelentes, con altibajos, ya que ha logrado piezas tan maravillosas que es difícil aceptar que no siempre puede ser un genio. Sin embargo, Misterioso Asesinato en Manhattan, es una muestra de su mejor cine, mezclando intriga, crimen y una alta dosis de comicidad. La historia versa sobre un matrimonio: Carol y Warren ( Woody Allen y Diane Keaton) que viven una vida aburrida pero acomodada. Un día la chismosa ama de casa cree que su vecino ha asesinado a su esposa, se trata de una pareja de edad avanzada. Larry piensa que su Carol alucina y no le presta atención . Pero ella insiste e involucra a Ted (Alan Alda), un amigo de la pareja que siempre se ha sentido atraído por ella. Larry, preso por los celos y por una seductora escritora (Anjelica Huston), también interesada en el caso, se une de mala gana a la investigación. Este film es hilarante, chispeante, una mezcla de thriller con comedia perfectamente ensamblado, cuya trama tiene gran energía y un ritmo narrativo envidiable. Así mismo hay diálogos muy inteligentes y graciosos que caracterizan a este realizador. En este film hay mucho misterio y un retrato de la ciudad de Nueva York con constantes referencias a ciertos lugares, lo que no es raro en este director que suele venerar y retratar esta multifacética urbe. Escrita por Marshall Brickman y Woody Allen, destaca una cinematografía a cargo de Carlo Di Palma que complementa la visión de la ciudad. Y completa el paquete la química ( existente desde siempre) entre Allen y Keaton. Una cinta que no decepciona y promete risas en base a un humor inteligente.
Ficha Técnica:
Título original: Manhattan murder mystery Dirección: Woody Allen País: Estados Unidos Año: 1993 Duración: 104 min. Género: Criminal, Comedia, Intriga Calificación: Apta para todos los públicos Reparto: Woody Allen, Diane Keaton, Jerry Adler, Lynn Cohen, Ron Rifkin, Joy Behar, William Addy, John Doumanian, Sylvia Kauders, Ira Wheeler

El Juego de Hollywood (The player/ 1991)


Esta película del señor director Robert Altman, desnuda la hipocresía y falsedad de la industria hollywoodense, convirtiéndose en una ácida crítica al “establishment” de esta enorme maquinaria. Es magistral la escena inicial, un plano secuencia de varios minutos que nos introduce en los estudios. “Griffin Mill (Tim Robbins), productor cinematográfico de Hollywood, recibe cartas amenazadoras que le envía un guionista, cuyo proyecto rechazó. Intentan llegar a un acuerdo, pero tras una terrible discusión, Griffin lo mata. La crisis económica de los estudios es tal que se hará todo lo posible para que el productor eluda su responsabilidad en los hechos. (FILMAFFINITY)”. La trama mezcla suspenso, intriga y sarcasmo basada en un guión muy sólido de Michael Tolkin que sumado a un trabajo de dirección excelente, conforman un film delicioso de ver. La cinta evidencia el mercantilismo financiero que impera entre los productores a la hora de escoger un proyecto. Es un juego de personajes que se mueven en ese mundillo, hilado con evidente pericia.
Ficha Técnica:
Título original: The player Dirección: Robert Altman País: Estados Unidos Año: 1992 Duración: 124 min. Género: Drama, Comedia Calificación: No recomendada para menores de 13 años Reparto: Tim Robbins, Greta Scacchi, Fred Ward, Whoopi Goldberg, Peter Gallagher, Brion James, Cynthia Stevenson, Dean Stockwell, Richard E. Grant, Sydney Pollack Guión: Michael Tolkin

El escándalo de Larry Flynt ( The people Vs Larry Flynt / 1996)


En plena revolución sexual en Norteamérica, Larry Flint creó una red de establecimientos de strip-tease, que fue el preámbulo para su gran imperio impreso con la revista de sexo : Hustler, considerada por muchos como vulgar, sensacionalista y demasiado explícita. Basada en el guión de Scott Alexander y Larry Karaszewski, y dirigida por el maestro Milos Forman, la cinta nos relata la trágica vida de Larry Flynt (un potente Woody Harrelson), desde sus inicios como empresario, pasando por el atentado de que es víctima y lo condena a una silla de ruedas, sus éxitos, sus fracasos, el amor de su vida, en suma, las etapas más locas y las más oscuras de su historia son reflejadas en este film. Es importante recalcar que este excentrico millonario no es presentado como un héroe, sino como una persona real y bastante decadente pero que creía firmemente en su derecho a la libre expresión. Flynt es involucrado en varios casos judiciales, pero su astuto abogado Alan Isaacman (Edward Norton) trata de mantenerlo fuera de problemas. Lo más interesante es cuando ambos deciden apelar a la primera enmienda en la corte suprema que garantiza “la libertad de culto, de expresión, de prensa, petición, y de reunión” y logran ganar el juicio en lo que fue un precedente importante en Estados Unidos, en cuanto al tema de la libertad de expresión. La cinta relata por un lado la historia de amor entre flynt y Athea, la mujer de su vida) interpretada genialmente por Courtney Love pero se centra , fundamentalmente en las implicaciones políticas y éticas de la lucha permanente de Larry Flynt contra el sistema. Este film despertó mucha polémica en Estados Unidos.
Ficha Técnica:
Título original: The people vs. Larry Flynt Dirección: Milos Forman País: Canadá, Estados Unidos Año: 1996 Duración: 129 min. Género: Drama, Biográfico Calificación: No recomendada para menores de 18 años Reparto: Woody Harrelson, Courtney Love, Edward Norton, Brett Harrelson, Donna Hanover, James Cromwell, Crispin Glover, Vincent Schiavelli, Miles Chapin, James Carville

Un Dia de furia (Falling Down/1993)


En el día más caluroso del año en LA, un ciudadano común y corriente, es preso del stress, atrapado en el tráfico en una autopista colapsada, ve como la gente malhumorada es indiferente y pasiva lo que desata su furia contra una sociedad opresora e injusta. El está decidido a vengarse, aunque en el fondo solo quiere llegar a casa y recuperar a su esposa e hija, pero el camino violento que ha emprendido parece no tener retorno. Además se suma que su mujer ya lo ha abandonado y tiene una orden de restricción para que el protagonista no pueda acercarse. Sin embargo William Foster (un magnífico Michael Douglas) decide bajarse del auto y emprender el camino a pie hasta su hogar. En este viaje, el será victima y a la vez ejecutor de la violencia. Este film dirigido por Joel Schumacher, quizás es el mejor de este irregular director. Es fácil comprender a Foster, de alguna manera hace lo que todos quisiéramos hacer en algún momento cuando nos vemos acosados por una sociedad que nos reprime, nos presiona, nos agobia, nos anula. Esto no justifica actos violentos, pero es imposible no tener simpatía por la causa de este ciudadano anónimo y bastante circunspecto. El director dirige esta pieza con habilidad, usando los primeros planos para enfatizar la gestualidad que dice todo. Se trata de un cinta muy interesante, que nos deja pensando y que se disfruta durante toda su duración.
Ficha Técnica:
Título Original: Falling down / Año: 1993 / Duración: 112 minutos / Nacionalidad: EEUU Genero: Drama / Filmación: Color / Actor principal: Michael Douglas Montaje: Andrzej Bartkowiak / Dirección: Joel Schumacher Guión: Ebbe Roe Smith / Música: James Newton Howard Reparto: Lois Smith, Joey Hope, Ebbe Roe, Michael Paul,Steve Park, Kimberly Scott, John Fleck, Peter Radon, John Fink


Carretea Perdida ( Lost Highway/1997)

Ver una película de David Lynch siempre es una experiencia interesante. Se trata de cine de autor, no comprometido con convencionalismos, distinto, original y oscuro. La trama de Carretera Perdida es sumamente intrincada y hermética. Relata la historia de Fred Madison ( Bill Pullman) ,un saxofonista de free-jazz que recibe una serie de misteriosas cintas de video en las que aparece con su mujer Renée (una magnífica Patricia Arquette) dentro de su propia casa. Estas extrañas cintas cada vez captan momentos más íntimos de la vida de la pareja. En la última de ellas, que Fred ve a solas, él está junto a su esposa muerta.
Es una mezcla de cinta de terror, cine negro con aditamentos de suspenso y por momentos de inexplicables situaciones. El cine de David Lynch siempre es sugerente, nos deja incógnitas y sentimientos inquietantes. En este film se mezclan gansters, mujeres fatales, moteles baratos, autos caro, elementos ensamblados de manera extraordinaria en la compleja historia. Es en vano tratar de buscarle al film una explicación racional. citando al mismo Lynch: Es peligroso explicar como es una película. Si las cosas se vuelven demasiado especificas, el sueño desaparece. A veces ocurren cosas que te abren una puerta, que te envuelven y consiguen hacerte sentir algo más grande. Y sin duda esto es lo que logra Carretera Perdida, atraparnos, hipnotizarnos, confundirnos pero sobre todas las cosas trascender logrando que sus escenas nos impacten y calen moviendo nuestras neuronas y nuestros sentidos. Es una película extraña, no para todos los gustos ya que como es usual Lynch tiene admiradores y detractores por igual en base a un cine desafiante y simplemente diferente.

Ficha Técnica
Director: David Lynch / Productores: Deepak Nayar, Tom Sternberg, Mary Sweeney para Asymmetrical Prod. / CiBy 2000 / Lost Highway Prod. / October Films / Guión: David Lynch, Barry Gifford / Fotografía: Peter Deming / Música: Angelo Badalamenti, David Lynch, Barry Adamson; canciones: Marilyn Manson, Danny Lohner, David Bowie, Billy Corgan, Brian Eno, Screamin' Jay Hawkins, Trent Reznor / Montaje: Mary Sweeney / Intérpretes: Bill Pullman (Fred Madison), Patricia Arquette (Renee Madison / Alice Wakefield), Balthazar Getty (Pete Dayton), Robert Blake (hombre misterioso), Natasha Gregson Wagner (Sheila), Richard Pryor (Arnie), Lucy Butler (Candace Dayton), Michael Massee (Andy), Jack Nance (Phil), Giovanni Ribisi (Steve V), Gary Busey (Bill Dayton), Robert Loggia (Mr. Eddy / Dick Laurent), Jack Kehler, Henry Rollins, Scott Coffey, John Roselius, Louis Eppolito, Marilyn Manson, David Lynch

lunes, 10 de enero de 2011

REPASANDO EL CINE DE ARONOFSKY: THE BLACK SWAN: DOBLE AGONÍA - Fernanda Bargach-Mitre



El Cisne negro (The Black Swan/ 2010) es obra del talentoso Darren Aronofsky, quien después del rotundo éxito de “El Luchador” ( The Wrestler), atacó con una historia que mezcla drama y thriller psicológico, a través de la vida de una bailarina, una soberbia Natalie Portman, en un apasionante y oscuro retrato de los límites de la cordura, hecho con gran inteligencia y una experticia visual que logra que la historia trascienda la pantalla para tocarnos la fibra interior.


Bitácora de viaje de un director rebelde


Darren Arnofsky desde su debut en el en la pantalla grande ,se ha dedicado a realizar cine de autor. Sus films, minuciosamente confeccionados, han abarcado temáticas muy humanas, pero siempre con un enfoque visual innovador. Otra de las características de su cine es el uso de fuertes personajes, que en su recorrido entre el infierno y la redención se nos quedan clavados en la retina.


Su debut con PI (Mejor película en Sundance 1998), de la cual también fue guionista, develó, sin duda un talento en bruto con un film profundo, intrincado y fascinante. La historia del matemático, que basado en la teoría del Caos (según la cual pequeñas cosas pueden causar grandes cambios) intenta descifrar el mundo bursátil, deslizándose peligrosamente entre un gran descubrimiento y la locura, logra quedarse en el espectador como un gran interrogante. Su segundo film ‘Requiem for a dream’ revelaba mayor profesionalismo y un mayor presupuesto que el director utilizó innovando con los enfoques y la edición al punto de utilizar más de cien efectos de cámara distintos para recrear un mundo de carencia de afecto y autodestrucción. Una cinta donde la protagonista es la adicción, monstruosa y con vida propia, que se va apoderando de los personajes, entre los cuales resalta Ellen Burstyn con un performance magistral. En el 2006 nos entregó The Fountain, una película que medita sobre los conceptos de la vida, la muerte y el amor, a través de una historia desgarradora y poética. Esta cinta de altísimo presupuesto y baja recaudación de taquilla, dividió a la crítica, algunos la consideraron la peor película del realizador y otros la catalogaron como una obra de arte. En el 2008 nos entregó la inolvidable “ The Wrestler” , con un poderoso Mickey Rourke, que soporta firmemente el 80% del film, con una actuación fenomenal. Se suma el talento de Aronofsky con su interesante trabajo de dirección y como es usual su genial utilización de la imagen con uso de la cámara en mano y planos secuencia que logran trasmitir la adrenalina de los camerinos y el ring, así como el mundo interno del protagonista. 



Aronofsky, nacido el 12 de Febrero de 1969, estudió en la prestigiosa Universidad de Harvard donde conoció al cinematógrafo Matthew Libatique y el músico Clint Mansell, quienes lo han acompañado desde sus primeros cortos hasta su última película. Ambos creativos han ganado diversos premios en sus trabajos con Darren. Y de veras, hay que dales crédito por la impecable fotografía que ha caracterizado a las cintas de este director así como las potentes bandas sonoras, complementos perfectos para un magnífico estilista de la imagen. Y es que Aronofsky sabe como contar historias que trascienden, usando la tecnología y el buen ojo para realzar lo que sus personajes representan en base a una estudiada y impresionante puesta visual basada en decisiones de encuadre, cámaras en mano, subjetivas, planos secuencia y diversos recursos para enfatizar la narrativa. ¿Qué lo diferencia de otros directores? Logra que la imagen intensifique el impacto emotivo en el espectador, ya sea embrujándolo en pasajes inolvidables, o sumergiéndolos en infiernos inimaginables, el director logra mover nuestro mundo interior, nos sacude emocionalmente, en base a la conjugación de los elementos cinematográficos. A eso se suma, la elección de temáticas interesantes, historias que valen la pena ser contadas. Eso sí, de sus películas no se sale ileso y en cada uno de sus films hay escenas que ocuparan un lugar en nuestra memoria.

Este creativo, se a dedicado a hacer el cine que quiere, nunca se ha casado con la maquinaria hollywoodense y llegó a rechazar realizar Batman Begins, lo que implicaba un asegurado éxito internacional , alta taquilla y buenas ganancias, por su proyecto experimental “The Fountain”.


El Cisne Negro





El film cuenta la historia de una bailarina, Nina ( Natalie Portman) que forma parte de una compañía de ballet de Nueva York y su existencia gira completamente alrededor de la danza. A pesar de ser adulta, vive con una posesiva madre, y lleva una vida llena de disciplina, sin permisos ni concesiones.
Thomas Leroy (un soberbio Vincent Cassel), el director de la futura obra: “El Lago de los Cisnes”, decide elegir a la joven como protagonista. Vale acotar que la obra, representada muchas veces alrededor del mundo, versa sobre una princesa atrapada en cuerpo de cisne, a la cual solo el verdadero amor podrá liberarla del hechizo. El príncipe se enamora de la bella cisne blanca, inocente, pura, tierna, pero existe una cisne negra, que representa todo lo contario: la pasión, la sensualidad, y el engaño que logrará confundir al príncipe , lo que genera que el cisne blanco se arroje a un precipicio. Se trata de una obra llena de dramatismo.


Leroy elige a Nina porque representa a la perfección el Cisne Blanco, y en vez de escoger otra bailarina para el rol del cisne negro ( lo usual ) decide que ella debe bailar las dos versiones. Esto dispara en Nina una doble batalla, primero con una compañera, Lily (Mila Kunis), en quien ve perfectamente al cisne negro que ella no logra ser y que siente que quiere arrebatarle el protagónico y la otra batalla es consigo misma en su búsqueda de encontrar su lado oscuro.




La lucha de Nina será tan intensa, que la llevara al límite de la cordura. La chica comienza a tener alucinaciones y a confundir lo que es real con lo imaginario. Estas escenas están logradas con maestría y logran calar en el espectador con fuerte impacto. Si bien en el film la escisión entre el lado bueno y malo de Nina es muy marcada, el director trata un tema de fondo que llama a la reflexión, ya que todos de alguna manera estamos en la búsqueda del equilibrio, sopesando día a día nuestros lados opuestos. 



Aronofsky se encarga de representar visualmente, lo que le está sucediendo psicológicamente al personaje y vaya que lo logra intensamente. Confusión, alucinaciones y sueños son reflejados con habilidad por el director, que logra belleza en una trama muy oscura. Con un guión muy sólido, el realizador logra mantener el ritmo y la creciente tensión. Con un inteligente uso de los movimientos de cámara, acompañado de un trabajo de fotografía excelente a cargo de Matthew Libatique , pasajes musicales exquisitos por Clint Mansell y una maravillosa dirección artística a cargo de David Stein, la cinta es una pieza valiosa.


Así como Aronofsky supo plasmar en “El Luchador” el mudo del ring con mucha soltura, en esta película logra adentrarnos en el mundo del ballet, generando imágenes hermosas . Así mismo , nos eriza la piel con escenas muy fuertes que parten de las alucinaciones de Nina. 


Este film tiene algunas similitudes con su película anterior: el peso de la película está fundamentalmente basado en un solo personaje y por más talento que tenga el director, para lograr esto se necesita un actor de carácter. En “El Luchador” revivió a un grande olvidado: un fascinante Mickey Rourke, en” El cisne negro” logra obtener el mejor performance de Natalie Portman hasta la fecha, en una actuación desgarrada y memorable. Será inolvidable para muchos el baile final del cisne negro, realmente sobrecogedor. 

No se trata de una cinta fácil de ver y digerir, como casi todas las películas de este talentoso director que logra movernos el mundo emocional con su pericia en el manejo de la imagen y en su escogencia de tramas interesantes .Por la potente oscuridad de esta película, seguramente dividirá a la crítica y a la audiencia. 



FICHA TÉCNICA:
Título: Cisne negro
Título original: Black Swan
Dirección: Darren Aronofsky
Guión: Mark Heyman, Andres Heinz
Música: Clint Mansell
Fotografía: Matthew Libatique
Producción: Thérèse DePrez
Reparto: Mila Kunis, Natalie Portman, Christopher Gartin, Winona Ryder, Sebastian Stan, Vincent Cassel, Barbara Hershey, Janet Montgomery, Toby Hemingway, Kristina Anapau
Montaje: Andrew Weisblum

Dirección artística: David Stein


TRAILER:

martes, 4 de enero de 2011

CRITICA DE “CARLOS”: EL RETRATO DE UN TERRORISTA - Fernanda Bargach-Mitre



Esta miniserie de tres partes, hecha para la televisión sobre la vida del terrorista Ilich Ramírez Sánchez, conocido como El Chacal, está dirigida por el solvente director y guionista francés Olivier Assayas, quien tiene en su haber films como  “Cold Water”  (1994),  “Irma Vep”(1996) y más recientes como “Clean” (2004) y “Boarding Gate” (2007), entre otras, para conformar una filmografía interesante. Cuando Assayas hace televisión, llama la atención de los críticos ya que es considerado como uno de los directores más completos de los últimos tiempos.

Carlos, protagonizada por un solvente Edgar Ramírez, no decepciona.  La miniserie cuenta la historia de Ilich Ramírez, un venezolano, terrorista, mercenario, que en nombre de su lucha contra el capitalismo, apoyado en la causa palestina, esparció su violencia en la década de 1970 y 1980, convirtiéndose un uno de los criminales más perseguidos a nivel mundial. Se trata de un personaje que despierta mucha polémica, para muchos es considerado un paladín contra el imperialismo que creía en la lucha armada como único medio efectivo, para otros , es un asesino a sangre fría, que justificaba su violencia con alegatos poco convincentes.




Hay bastante misterio en cuanto a la vida de este personaje, no se sabe a ciencia cierta en cuantos atentados estuvo involucrado, por eso el director aclara al principio  que si bien se han tomado hechos comprobados y se ha llevado a cabo una investigación profunda, la miniserie mezcla la ficción con la realidad.
Retratado como vanidoso, cruel, carismático, egocéntrico y sumamente mujeriego, se nos cuentan treinta años de la vida de este terrorista nómada. En un tono épico, empieza en 1973 cuando Ilich decide adoptar el nombre de Carlos y se alinea con el Frente Popular para la Liberación Palestina y se desarrolla su compleja relación con el líder Wadie Haddad quien le encargará varias misiones, a pesar de desconfiar un poco del carácter rebelde y caprichoso del venezolano.


Por un lado, Carlos es presentado como un militante convencido de sus actos, pero hay zonas grises, donde cabe la corrupción y sus intereses personales. Lo interesante de la miniserie es que no es moralista, no hace falta serlo, los hechos hablan por sí solos, se trata de un asesino con razones ideológicas para matar, lo que sin duda no justifica sus acciones, pero al menos el director nos muestra sus aparentes creencias para convertirse en terrorista en lo que es el retrato más completo hasta la fecha sobre este personaje de temer.

La actuación del venezolano Edgar Ramírez merece un párrafo aparte. Su versión de Carlos es absolutamente convincente y resulta destacable el hecho que el actor habla por momentos en tres idiomas en una misma escena, dirígiéndose a su grupo de secuaces, habla en árabe, español y francés y en otras ocasiones en inglés, haciendo un paso de una lengua a otra con una naturalidad maravillosa. Este actor debutó en el cine con la película venezolana “Punto y Raya” (2005)un drama fronterizo, con buenos toques de humor negro en el que Edgar da vida a un colombiano alistado en el ejercito, con una sinceridad y frescura inolvidable. Pudo saltar al cine norteamericano en papeles secundarios  en “Domino” (2006) nada más y nada menos que dirigido por el taquillero Tony Scott. Al año siguiente tuvo un rol en El Ultimátum de Bourne bajo la batuta de Paul Greengrass. En el 2008 actuó en “El punto de Mira”, una película bastante interesante. Su primer protagónico  en “Carlos”  lo ha colocado en la palestra con la nominación para los Globos de Oro como mejor actor de miniserie o película para televisión. Así mismo la miniserie ha sido nominada en el rubro de TV, merecidamente. La dirección de Olivier Assayas, es sobresaliente, sumado al  vestuario, las ambientaciones de época, los colores, recordemos que la serie abarca tres décadas. Finalmente el ritmo es mantenido aunque sobre el capítulo final decae un poco. 

Esta entrega nos deja pensando sobre quienes creen que hay razones válidas para matar, lo cual nos eriza la piel porque Ilich Ramírez es solo un eslabón en una cadena de extremistas que han existido a lo largo de la historia de la humanidad, matando con excusas ya sean ideológicas o religiosas. No importa de que bando sean o que ideales profesen  los que empuñan las armas en contra de sus semejantes. Ya sean los imperialistas como Estados Unidos o Gran Bretaña que con su política exterior han invadido países autónomos en defensa de la democracia, llevando sus soldados y su artillería ,o durante los setenta apoyaron dictaduras sangrientas en América latina o los gobiernos extremistas  que en función de la “revolución” toman a Ilich Ramírez como ejemplo., mientras pisotean la democracia y  los derechos ciudadanos, cito” Ilich Ramírez Sánchez es considerado un terrorista y mercenario por varios países como Francia, EE. UU. e Israel y un terrorista en la mayoría de los países occidentales. Sin embargo,en muchas organizaciones y estados árabes, se le considera un héroe de la causa palestina” 

Definitivamente muchas incógnitas rodean a este misterioso personaje.


FICHA TÉCNICA:
Dirección: Olivier Assayas
Guión: Dan Franck, Olivier Assayas
Fotografía:  Yorick Le Saux
Reparto: Edgar Ramírez. Alexandre Sceer, Nora von Waldstatten, Ahmad Kaabour, Christoph Bach.
País : Francia, Alemania
Idiomas: francés, alemán, ingles , español, árabe

TRAILER