jueves, 13 de octubre de 2011

INDEPENDIENTES:WELCOME TO THE DOLLHOUSE - Fernanda Bargach-Mitre





El cineasta Todd Solondz, obtuvo reconocimiento mundial gracias a la pequeña película independiente y de bajo presupuesto Welcome to the Dollhouse y se convirtió en un icónico cronista de las disfuncionalidades de la familia norteamericana y de la decadencia de valores en la sociedad en general, donde el consumismo y los vacíos superficiales, llevan a mucha gente al aislamiento y ser víctimas de circunstancias de discriminación.

En este inteligente film, se nos cuenta la humillante vida de Down ( Heather Matarazzo,) que experimenta una existencia llena de hostilidad: es acosada y burlada por sus compañeros por su aspecto nerd, ignorada en su familia donde toda la atención se la lleva su bella hermanita bailarina, y  su hermano nerd, que se esmera en tratar de ser exitoso, le hace todo tipo de maldades. Como si fuera poco, un retrasado mental amenaza con violarla, y se enamora platónicamente de un chico rockero e imposible, a quien observa ensayar llena de sueños imaginarios.

Down, de alguna manera parece en desventaja ante las exigencias sociales huecas de sentido. Su vida nos produce reflexiones sobre la tristeza humana, y un mundo que parece dividido entre triunfadores y perdedores a través de un drama que posee cinismo, momentos divertidos, y otros muy amargos. 
“la historia es una linda metáfora de lo que ha significado el exitismo en las sociedades insertas en el consumo” (Luis Horta), y está llena  de aventuras y vicisitudes que le suceden a Down y que nos van llevando a quererla como personaje entrañable. La chica sabe que debe salir de la “casa de muñecas” que no quiere ser víctima de un destino prefijado porque su ser interior le dice que puede llegar a ser más. Como siempre sucede, los que poseen alguna luz dentro de entornos difíciles, tiene que superar más obstáculos empezando por la minimización de sus planes  por su seres más cercanos y por la sociedad en general.



La película recibió el premio mayor en Sundance así como en numerosos festivales y a su creador Todd Solondz , se le abrieron las puertas del mundo cinematográfico realizando: Happiness (1998) que explora el mundo contemporáneo a través de situaciones con mucho subtexto, y que obtuvo premio en Cannes. Luego realizo Storytelling (2001) que posee la interesante premisa de manejar en la cinta un mundo real y otro irreal, de manera específica. En el 2004 realizó Palindromes, una especie de secuela  de Wellcome to the Dollhouse, donde no hay un solo protagonista adolescente sino que se interactúan, diferentes personas de distinta edad, raza y sexo, en otro drama con buena dosis de humor negro.

En Welocme to the Dollhouse ,la actriz debutante Heather Matarazzo, realiza un performance  verdaderamente resaltante, y es en cierta manera el sustento de la película. Incluso obtuvo un Independent Spirit Award por esta actuación y alabanzas de la crítica.
El director y guionista Todd Solondz,  se ha hecho conocido por su estilo oscuro, que provoca reflexiones, con conciencia social encarada  a través de la sátira. Ha sido aclamado por su visión de la Norteamérica de los suburbios con ojo crítico.
Welcome to the Dollhouse es sin duda una de sus mejores realizaciones, que logra atraparnos, conmovernos, movernos y despertarnos. Esas cintas que se agradecen por su contenido humano mezclado con la conciencia social  y  el aditamento del humor. 
Imperdible!!!


sábado, 17 de septiembre de 2011

PELÍCULAS INDEPENDIENTES: BUFALLO 66 - Fernanda Bargach-Mitre



Bufallo 66 (1998) fue la ópera prima de Vincent Gallo, que ejerció de director, guionista, actor y músico. Esta película independiente fue ampliamente aclamada, recibiendo múltiples nominaciones a premios Indies y se convirtió en un film de culto y un mítico retrato de la subcultura de los 90`s.
Vincent Gallo ya había sido actor en varias películas independientes, pero fue hasta que escribió esta historia semi autobiográfica, decidiendo dirigirla, actuarla y musicalizarla, que fue reconocido mundialmente como un creador integral.
Filmada en invierno, en los alrededores de Bufallo, New York, el personaje de Gallo, Billy Brown, sale de la cárcel después de declararse culpable por un crimen que no cometió tras una apuesta poco acertada. Sus padres piensan que trabaja para el gobierno y que está felizmente casado. El semi trastornado Billy decide secuestrar a la joven Layla (Christina Ricci), para hacerla pasar por su esposa ante sus excéntricos progenitores.





El realizador logra un personaje auténtico, de enorme fuerza emocional, que genera ternura a pesar de su comportamiento errático y grosero. A partir del secuestro, la historia transcurre lentamente, mostrándonos la locura de Billy y cómo evoluciona su relación con su supuesta esposa. Sin saber nada el uno del otro, rumbo a la casa de los padres, la hermosa se enamora del monstruo, en un una historia de amor ubicada dentro de un realismo rudo y mágico.

Magnífico resulta el momento cuando finalmente la pareja se encuentra con los padres de Billy, unos brillantes secundarios como Ben Gazzara y Anjelica Huston, que resultan ser unos extravagantes personajes. Hay una escena en la mesa, rodada con diferentes puntos de cámara, pasando de una subjetiva a otra, jugando con el espacio de manera ingeniosa. Algunos críticos dicen que su propuesta estética y cinematográfica resulta artificialista , así como la iluminación y los decorados, a mi criterio tanto la puesta visual como el manejo de cámara es sumamente innovador y fascinante.




En definitiva se trata de una película que puede generar rechazo u amor incondicional, es totalmente experimental, por momentos parecen cortos engranados, Gallo juega con la cámara a su antojo, y logra una narrativa distinta, a veces muy acertada y en otros casos errática.

Todos los personajes, son seres fuera del sistema, la antítesis del sueño americano “caricaturas desfiguradas de seres humanos”.
El film mezcla el drama extremo con dosis justas de humor, pero es de ritmo pausado, lo que puede generar pesadez en el espectador.
La locura de Billy, los personajes destinados a la nada, seres sin rumbo, exiliados de un sistema de falsas apariencias, una chica cuyo pasado es una elipsis, grotescos reflejos del White trash norteamericano, la vacuidad del sueño americano y aquellos que quedan renegados y perdidos componen un film que es un verdadero retrato de la subcultura o del submundo de finales de los noventas, siendo a la vez una pieza que a través de la experimentación y el riesgo, se ha convertido en vista obligada del cine independiente de vanguardia.
Imperdible!

Vincent Gallo






Vicente Vito Gallo, Jr. (nacido el 11 de abril 1961) es un actor estadounidense, director, músico y pintor. A pesar de que ha tenido papeles en películas de la época, como Goodfellas, Arizona Dream, The Funeral y Palookaville, está más asociado con las películas independientes, incluyendo Buffalo '66, que escribió, dirigió, anotó y protagonizó y The Brown Bunny, que también escribió, dirigió, produjo, protagonizó y fotografiado. A finales de 1970 y principios de 1980, Gallo fue un pintor en la escena artística de la ciudad de Nueva York que muestra con el marchante de arte famosa Annina Nosei, realizado en un dúo de rap y fue parte del primer hip-hop emisión de televisión Graffiti Rock. Es conocido por su versatilidad y estilo directo y sarcástico.

TRAILER BUFFALO 66:



na


MAGNÍFICA ESCENA: MOONCHILD


jueves, 8 de septiembre de 2011

TETRO: COPPOLA SE REINVENTA - Fernanda Bargach-Mitre




Tetro (2009) es la última película del afamado director Francis Ford Coppola, que muy alejado de los grandes estudios, retoma el tema de la familia, recurrente en sus films, pero de una manera íntima, lírica y operática. Hermosamente fotografiada en blanco y negro y ubicada en las callejuelas de Buenos Aires , la cinta posee un fuerte contenido dramático que durante dos horas nos lleva por un viaje de intrincadas relaciones humanas y secretos familiares.
Director de una de las mejores trilogías del cine y de grandes obras maestras que quedarán para la historia, la crítica no ha sido muy amable con la cinta, acusándola de pretenciosa y poco trabajada. Inclusive se ha dicho que Coppola esta en decadencia y que ya no posee el talento que una vez lo caracterizó. Otros han comentado que si Tetro fuera la obra de un principiante sería llamativa pero que no está a la altura de un realizador de su talla.

Difiero significativamente de estas opiniones negativas. Desde su debut con “Dementia 13” donde por primera vez aparece la relación entre hermanos en una puesta con reminiscencias hitchcocknianas, el tema de la problemática familiar ha sido una constante. 
En esta oportunidad Coppola, no se compromete con nadie y realiza una obra interesante, donde retoma la escritura estando a cargo del guión, en una historia que parte de su mundo interior en búsqueda de los significados de las relaciones. Así como evoluciona la vida. los seres humanos vamos cambiando y lo mismo sucede con los artistas, porque es innegable que Coppola es un artista de la imagen, que se atreve, en Tetro, a probar algo distinto.


La trama se basa en la historia de Bennie Tetrocini que vuelve a Buenos Aires en búsqueda de su hermano que se marchó hace 10 años. Tanto él como su familia, emigrantes italianos en Argentina, se habían mudado a Nueva York debido a la exitosa carrera del padre, un renombrado director de orquesta. Bernni un joven en busca de su pasado, de su historia, recuerda a su hermano Angelo como un gran poeta, brillante y maravilloso.
Cuando finalmente lo encuentra, su nombre ha cambiado a Tetro, un ser oscuro y esquivo. El ídolo de su infancia, se ha transformado en un ser distante y decepcionado, que no quiere saber nada de su familia, ni del pasado y que ha dejado de escribir.
A través del personaje de Maribel Verdú, como pareja de Tetro, se van revelando algunas pistas referidas al personaje y parte de su pasado. Esto ayudado por interesantes flash backs en color en diferente formato, van componiendo la historia de la familia.

En cuanto al uso del recurso de mostrar el pasado en color y el presente en blanco y negro, se ha dicho que es meramente caprichoso. A mi criterio esto encaja en la narrativa, el hoy es el enigma, lleno de densos secretos, un ambiente opresivo, plagado de incógnitas, lo que encaja perfectamente con la falta de color. Los Flash Backs del pasado son la luz que nos va develando las respuestas, la verdad que se asoma en pleno colorido. 
Tetro ha dejado de escribir, pero todas sus notas guardadas son encontradas por Bernni, quien a través de estas va reconstruyendo su vida. Sin embargo no hay final en la obra, y esa es precisamente la incógnita que se irá revelando en la trama en un lento devenir de los acontecimientos.

Vicent Gallo, en su rol de tetro resulta asfixiante, con su fuerte presencia tanto física como dramática, desde sus silencios hasta su profunda mirada. Ese es el objetivo y está logrado. Resalta el joven Bennie" Tetrocini (Alden Ehrenreich) muy correcto en su papel y la aparición de ciertos personajes especiales como la española Carmen Maura en una caracterización sugerida de la mítica escritora Victoria Ocampo. Otros actores argentinos a resaltar son Rodrigo de la Serna y Leticia Brédice, y la participación especial del célebre actor austríaco Klaus Maria Brandauer como "Carlo Tetrocini", el padre y director de orquesta. Vale acotar que los actores argentinos fueron muy poco aprovechados y por momentos tienen rasgos caricaturescos.


En suma Coppola, logra una obra basada en una historia ficticia con tintes autobiográficos dentro de un marco surreal, ya sea mediante simbolismos visuales, la ópera y la danza , logrando una pieza visualmente ambivalente pero sumamente rica en sugestiones.
Entre esas calles viejas del barrio de “la Boca” en Buenos Aires, el director nos trae una historia personal y artística. Fotografiada estupendamente por Mihai Malaimare Jr.,
Tetro es el retorno de otro Coppola, uno que después de estar consagrado, se atreve a seguir experimentando sabiendo que eso tiene un costo. El realizador que ya no tiene nada que perder, se atreve a desafiarnos con algo distinto y aplaudo su logro de un film profundo e intimista y sumamente atractivo para el ojo ávido de interesantes propuestas.
Imperdible!!!

viernes, 8 de julio de 2011

THE COMPANY MEN: ¿EL FINAL DEL SUEÑO AMERICANO? - Fernanda Bargach-Mitre



Esta ópera prima del director y guionista John Wells, es una interesante propuesta ante el debacle financiero estadounidense y la crisis económica, humanizándola través de varios personajes que nos trasmiten distintas historias y emociones , despertadas por un mismo hecho.
Bobby Walker (Ben Affleck), Phil Woodward (Chris Cooper), Gene McClary (Tommy Lee Jones) son tres ejecutivos, los dos últimos de muy alto rango mientras que Bobby está en pleno ascenso. Trabajan para la “compañía”, un enorme y lujoso edificio de oficinas, tienen impresionantes despachos, llevan vidas de clase alta, sin ningún tipo de complicaciones económicas.

Sin embargo la crisis financiera, el debacle de una economía ficticia, basada en inversiones, de inversiones que finalmente no tenían respaldo real afecta a la “compañía” y uno tras otro, los tres personajes pierden el trabajo. Así mismo podemos observar como miles y miles de trabajadores a quienes no vemos, justamente porque para los jefes de arriba son solo cifras, son recortados de las nominas de a 5000y 10.000 a la vez. Varias de las sub empresas son cerradas lo que acarrea más despidos. Esto lo decide una junta directiva cuyo jefe es James Salinger (Craig T Nelson), que solo piensa en salvar la mayoría de millones y empresas que pueda, que lo sigan haciendo rico y para quien la crisis fue un mero accidente a resolver. Un ser cínico,  sin conciencia social ninguna, salvaje capitalista, que logra salir ileso a cuesta de la desgracia ajena.

La película se centra en el personaje de Bobby (Affleck) quien en principio piensa que conseguirá otro trabajo enseguida dadas sus capacidades. Sus expectativas son altas, porque durante años ha sido un ejecutivo estrella y tiene un enorme ego. El personaje entra en negación, obviando recortar sus gastos lujosos como el club de Golf, aparatos electrónicos de ultima generación comprados a crédito, una hipoteca sobre la casa, etc Poco a poco se da cuenta de la verdad: hay miles como él, expertos y capaces en diferentes áreas con meses  desempleados. Todos se reúnen en un local donde les facilitan teléfono y una especialista en conseguir empleos y pasan sus días buscando, frustrándose, anhelando, riéndose de sí mismos.
Bobby desesperado toma un trabajo como obrero en la construcción de una casa, que le ofrece su cuñado, Jack Dolan (Kevin Costner) un trabajador de clase media baja, que aprecia el valor del trabajo, su mística y que se a esforzado desde siempre para vivir decentemente. 

La vuelta de Bobby al trabajo manual es dura, pero con el tiempo el muchacho recupera su humildad, recuerda el valor de ganarse el dinero, de luchar por su familia.
Paralelamente el personaje de , Gene McClary (Tommy Lee Jones), a quienes le cierran los astilleros en los que trabajo toda su vida, después de un periodo depresivo en el que siente que ya no le queda más camino, decide empezar de cero. Como ex ejecutivo tan importante posee los medios para reconstruir su sueño de construir un astillero, con el animo de recobrar el entusiasmo que años de oficina y aire acondicionado le hicieron perder.
El personaje de Phil Woodward (Chris Cooper), cae en la total  devastación, se emborracha, no se atreve a decirle la verdad a su esposa, y llega a una determinación definitiva y sin retorno.


La película tiene un guión sólido, está bien narrada, aunque se hace un poco lenta en el medio, y tiene un mensaje importante que rescata el valor del trabajo, de afrontar con valentía los reveses y darnos cuentas que quizás son estos los que sacan de nosotros nuestras mejores cualidades. En esta historia dos de los personajes centrales recuperan su alegría de crear, de producir, de  valorar lo simple, lo sencillo. Otro, se hunde en un hueco negro.
Es interesante, la humanización de una crisis que se maneja en cifras de desempleados, y poder ver de cerca casos con tintes reales, lo que nunca figura en las estadísticas.
Esta cinta nos deja el sabor de recuperar los valores fundamentales de la vida, lo que realmente importa,  que va mucho más allá del status o el dinero. Es retomar la esencia , el sabor de vivir a plenitud , de tener valores y valor de hacer frente a la adversidad. 
Es un mensaje de que el sueño americano facilista ya no existe, ahora hay que ganarse cada pedazo de sueño poco a poco.



FICHA TECNICA:
País: Estados Unidos
Año: 2011
Director y guionista: John Wells
Producción: John Wells. Paula Weinstein
Música: Aaron Zigman
Reparto: Ben Affleck, Chris Cooper, Kevin Costner, Tommy Lee Jones
Edición: Robert Frazen


domingo, 3 de julio de 2011

LIMITLESS: "REDONDITA, LINDA Y TRANSPARENTE" - FERNANDA BARGACH MITRE


¿Qué pasaría si un día un perdedor, en crisis existencial y creativa, prácticamente en la bancarrota, encuentra la manera de usar todas sus facultades mentales, y volar tan alto que se hace capaz de superar todos  sus obstáculos y convertirse en un tipo exitoso y feliz?
Tan solo tiene que tomar una pastilla "redondita, linda  y transparente" cuyos efectos secundarios se desconocen, para alcanzar el paraíso.
Tú, te la tomarías?
 El film abre mostrándonos a un escritor (un excelente Bradley Cooper) que tiene que entregar un libro pero se encuentra bloqueado sin poder empezar, se ha quedado sin dinero, se ha tirado al abandono físico, su novia lo ha dejado y se ha convertido en un perdedor dentro de los términos sociales y personales, ya que el personaje se siente miserable.
Un día le regalan una pastilla "redondita, linda  y transparente" y ante su vacío interno decide tomársela. De pronto todos sus sentidos se abren, es capaz de usar efectivamente todos sus recuerdos, de actuar acertadamente en cada situación, de abarcar nuevas áreas comprendiendo todo lo complejo de manera natural, eso sin contar con la alta en el nivel de energía física, el optimismo, y algo así como sentirse con alas y ventajas en un mundo en crisis, difícil y competitivo.


Basado en la novela The dark fields de Allan Glynn, Sin limites (Limitless) es un efectivo thriller de pseudo ciencia ficción dirigido por Neil Burger en lo que sería su cuarto film. Este director es bastante interesante, tiene en su haber películas como "Interview with the Assassin" (Entrevista con el asesino /2002) un pseudo documental que plantea la historia de un periodista que se cruza con un moribundo vecino que le pide que haga un documental sobre la "verdad": Lee Harvey Oswald no mató a Kennedy, él lo hizo y tiene las pruebas. Todo esta filmado desde el punto de vista del periodista quien sostiene la cámara y a quien no vemos mucho. Definitivamente fascinante opera prima, que el director también escribió. El film mas conocido de Burger es "The Illusionist" (El Ilusionista / 2006) que recibió muy buenas critica y éxito comercial. La cinta esta ambientada en Viena de 1900, donde el misterioso mago Eisenheim (Edward Norton) cautiva al publico con sus espectáculos de ilusionismo. El mago se enamora de una mujer prohibida u a partir de allí se desarrolla una historia de amor con un poco de suspenso, muy convincente.


En el mundo actual alcanzar el éxito y la completa realización es algo difícil, los caminos son entreverados y sinuosos   para llegar a las metas, y ni el esfuerzo ni la buena voluntad nos asegura el destino deseado. Limitlles es de alguna manera una critica al mundo contemporáneo, a las presiones capitalistas de alcanzar el triunfo "social", mostrándonos a un individuo que podría ser cualquiera de nosotros en malas circunstancias, angustiados por sobrevivir en la selva de cemento, anhelando la felicidad y el triunfo en lo que hacemos. El protagonista al consumir la pastillita , se convierte en ese sueño americano, casi común en todas las sociedades occidentales, del perfecto triunfador, de brillantes ojos, confianza en si mismo, y ninguna preocupación.


Sin embargo, todo tiene su precio, y el protagonista pronto descubrirá los efectos secundarios de la bella píldora y el complot a su alrededor. Además el personaje de su novia es la narrativa de la conciencia y de una importante pregunta ¿Dejamos de ser nosotros mismos cuando tomamos la pastilla o somos versiones mejoradas de nuestra naturaleza?
La película no ha sido muy bien recibida por la critica quienes la acusan de efectista, superficial y de flojo final. Tengo de diferir nuevamente de los expertos. Los efectos especiales existen, usarlos no es el punto sino como y cuando usarlos. En el film el uso de los mismos se justifica en la historia para mostrar la irrealidad que ve el protagonista a través de la sustancia que ingiere y de hecho causan gran impacto en la historia y en la fascinante estética que otorgan. Para simular la percepción que genera la droga se usaron planos a 360 grados, enfoques panorámicos, el Fractal zoom que permite captar diferentes escalas de imagen, entre otros cuantos efectos de chamarra y post producción.


El film Tiene un ritmo muy dinámico que resulta electrizante, es además  ingenioso y de excelente fotografía. Su defecto recae en que la trama es un poco caótica pero por momentos divertida y sin duda adrenalínica. Robert de  Niro hace un papel secundario convincente pero no sobresaliente.
Creo que han juzgado a esta cinta como mero entretenimiento con efectos especiales, cuando tiene una premisa y un cuestionamiento sobre la sociedad actual, de trasfondo en la trama, que le otorga sustancia llamándonos la atención sobre la ultra competividad y exigencias que nos impone poder sobrevivir en la realidad, insertándonos efectivamente en una rueda que cada vez gira mas rápido y donde no todos caben. 
¿Acaso no seria tentador tomarse una pastillita “redondita, hermosa y transparente” que te solucione la vida?
Excelente!!!!

FICHA TECNICA:
Dirección: Neil Burger.
País: USA
Año: 2011
Duración: 105 min.
Género: Acción y aventura.
Actores: Bradley Cooper (Eddie Morra), Robert De Niro (Carl Van Loon), Abbie Cornish (Lindy), Anna Friel (Melissa), Johnny Whitworth (Vernon), Andrew Howard (Gennady), Robert John Burke (Pierce), Darren Goldstein (Kevin), T.V. Carpio (Valerie).
Guión: Leslie Dixon; basado en la novela “The dark fields”, de Alan Glynn.
Producción: Leslie Dixon, Ryan Kavanaugh y Scott Kroopf.
Música: Paul Leonard-Morgan
Montaje: Tracy Adams, Naomi Geragthy



viernes, 10 de junio de 2011

COACH CARTER: MUCHO MAS QUE BALONCESTO -Fernanda Bargach-Mitre


VIDEO NOTA : Esta película, protagonizada por Samuel L Jackson, narra la vida del entrenador de baloncesto Ken Carter, a cargo de los Oilers de Richmond High. Basada en una historia real, esta cinta mezcla la adrenalina de este deporte con un drama humano.
 
Guión, Edición y Locución: Fernanda Bargach-Mitre



martes, 7 de junio de 2011

“NO AMARAS” : PERO AMARAS POR SIEMPRE -Fernanda Bargach-Mitre



CONTEXTO:
El Decálogo de Kieslowski, que está inspirado en una pintura del Museo Nacional de Varsovia que describe en diez pequeñas escenas los pecados contra cada uno de los mandamientos, se convirtió en una serie de cintas cortas, realizadas para la televisión polaca, tomando la religión para hablar del ser humano y sus contradicciones morales . Dos de estos episodios se convirtieron en películas cortas “No Matarás” y “No Amarás” (1988) escritas por el director junto a Krzysztof Piesewicz.
 

LA PELÍCULA:
El  capítulo seis del famoso decálogo de Kieslowski, titulado “No Amarás” es una variación sobre el sexto mandamiento "No cometerás adulterio”. Es un film profundo e intimista, que logra mantener la tensión narrativa y al mismo tiempo es poesía visual con una fotografía exquisita. Esto no es raro en este director, quien  suele trabajar el color como parte del contexto narrativo. Las actuaciones son simplemente brillantes y componen una obra lírica pero dura. Kieslowski como siempre se maneja entre extremos para provocarnos las más fuertes sensaciones y reflexiones.





 

La historia nos habla de Tomek , un joven de 19 años, que en un complejo de edificios de apartamentos en Varsovia, está obsesionado con Magda, su vecina de enfrente, una mujer treintañera a la que espía cada tarde con un catalejo. Tomek conoce sus horarios y rutinas, y sabe en que momento está en casa. Magda es bastante liberal, artista y tiene diversos amantes. Tomek observa en silencio por un año, y se va enamorando perdidamente de Magda, en un amor lleno de inocencia e intensidad. Tomek es un joven inexperto en cuestiones de sexo y corazón. Esta mujer representa su musa, la luz en su vida gris, un motivo, una esperanza.


 

Finalmente decide conocerla y se hace su repartidor de leche. Magda siente intriga por el joven pero ella no cree en el amor, se debate entre experiencias sexuales sin significado verdadero y es totalmente escéptica en su concepto de amar.
El es la ilusión, la parte platónica del amor, llena de picardía, miedo y pureza. Ella es la parte cruel del amor, el desgaste, el no entregarse, el no creer en la magia de este sentimiento, es la decepción, el abandono de la búsqueda del complemento.




 

Un momento sexual surge entre ambos y  Tomek se siente sobrepasado ,frustrado frente a  su inexperiencia. Su amor  tan añorado, tesoro de su alma, queda partido en mil pedazos. Al materializarse en sus verdaderas posibilidades muere  el sueño que lo mantenía vivo, llevándolo a tomar drásticas decisiones.
 

La película nos deja la sensación que Magda se abre de nuevo al amor ante la pureza de Tomek, sin embargo el final es abierto así que puede sugerir muchas interpretaciones
Es una historia sencilla y sin estridencias, donde la imagen predomina sobre la palabra, con hermosos planos detalles de acciones de gran simbolismo: Tomek ajustando el visor, Magda restregando leche sobre la mesa.




 

El director usa situaciones simbólicas, un elemento constante de su obra, el  uso de la leche es muy interesante, Magda busca anhelante su botella todas las mañanas, la bebe constantemente. Un día la botella cae sobre la mesa y ella llora mientras sus dedos se deslizan sobre el blanco líquido desparramado. La leche es vida, es nuestro primer alimento, es sinónimo de crecer y desde otro ángulo de procrear.


 

Entre tonos pasteles  y grises la película es muy estética, con un  guión donde no hay una palabra de más, y constituye una reflexión sobre temas relacionados con el amor: la sexualidad, la ilusión, la decepción…..es una puerta abierta para que meditemos sobre un tema que es recurrente en la vida,  porque la búsqueda del amor, entendamos o no su significado, es una constante de la raza humana que parece jamás detenerse.

PREMIOS


XIII Festival de Cine Polaco de Gdynia (1988):
Mejor Actriz: Grażyna Szapołowska
Mejor Actriz Secundaria: Stefania Iwińska
Mejor Fotografía: Witold Adamek
Mejor Guión: Krzysztof Kieślowski y Krzysztof Piesiewicz
León de Oro: Krzysztof Kieślowski
Festival Internacional de Cine de San Sebastián (1988):
Premio Especial del Jurado
Premio OCIC (Organización Católica Internacional de Cine)
Premio de los Periodistas
Festival Internacional de Cine de São Paulo (1989):
Premio del Público
Premio de los Críticos de Cine
Premios de los Críticos de Cine de Chicago (1989):
Mejor Actriz (Premio Hugo de Plata): Grażyna Szapołowska
Mejor Película en idioma extranjero
Festival de Cine de Venecia (1989):
Premio FIPRESCI (Federación Internacional de Prensa Cinematográfica): Krzysztof Kieślowski

FICHA TECNICA

Titulo Original:
Krótki film o milosci (A Short Film About Love)
Titulo hispano:
NO Amarás
PAIS:
Polonia
DURACION:
86 Minutos
AÑO: 1988
DIRECTOR:
 Krzysztof Kieslowski
GUION:
 Krzysztof Kieslowski
 Krzysztof Piesiewicz
INTERPRETES:
 Artur Barcis
 Grazyna Szapolowska
 Olaf Lubaszenko
 Piotr Machalica
 Stanislaw Gawlik
 Stefania Iwinska
PRODUCTOR:
 Ryszard Chutkowski
FOTOGRAFÍA:
 Witold Adamek
MUSICA:
 Zbigniew Preisner
MONTAJE:
 Ewa Smal



sábado, 21 de mayo de 2011

CAMPO DE SUEÑOS: FIELD OF DREAMS


Video Nota sobre Campo de Sueños (Field of Dreams) una película de 1989 que es un homenaje al béisbol y a la condición humana.Fue nominada a cuatro Premios de la Academia,  (Oscars) incluido Mejor Película.
 
Guión, Edición y Locución: Fernanda Bargach-Mitre



viernes, 20 de mayo de 2011

DRIVEN: EL SABOR DE LA VELOCIDAD - Fernanda Bargach-Mitre


Esta película realmente fue un fracaso de taquilla y crítica, pero a mi siempre me ha gustado a pesar que sea bastante irreal, tiene la perspectiva de varios tipo de corredores, impactantes escenas de autos, y cada vez que la pasan en cable a fin de cuentas la veo......siempre me gustaron los autos....

INFO:
Video Nota sobre Driven (2001) Trepidante autos de carreras en la Champ Car World Series. 
Guión, Edición y Locución: Fernanda Bargach-Mitre.



lunes, 2 de mayo de 2011

NO MATARÁS: ALEGATO CONTRA EL ASESINATO DE KIESLOWSKI


Krzysztof Kieślowski, este director maravilloso que nos duro poco, pero que nos dejó mucho y salto  del anonimato en  Polonia a ser reconocido ampliamente con su film  No Matarás, ( a short film about killing)  una cinta de apenas 85 minutos, que le mereció  el Premio del Jurado en la edición de 1988 de Cannes y el Premio al Mejor Film por la Academia del Cine Europeo. 

 
El Decálogo de Kieslowski, que está inspirado en una pintura del Museo Nacional de Varsovia que describe en diez pequeñas escenas los pecados contra cada uno de los mandamientos, se convirtió en una serie de cintas cortas, realizadas para la televisión polaca, tomando la religión para hablar del ser humano y sus contradicciones morales . Dos de estos episodios se convirtieron en películas cortas “No Matarás” y “No Amarás” (1988) escritas por el director junto a Krzysztof Piesewicz.


 
En lugar de las divagaciones y mensajes ambiguos de sus obras posteriores más conocidas comercialmente, en esta película el mensaje es claro como su título, el asesinato premeditado del hombre por el hombre no se justifica bajo ninguna circunstancia. Lo explicita en el hilo  narrativo, lo expone descarnadamente y no hay puntos medios en su postura. Sin embargo, hay mucha estrategia en como son presentados los personajes y sus actos, que llaman a la reflexión más profunda del tema de la muerte provocada.


 
En cortas frases hay tres personajes, un taxista lavando su auto. Jacek, un joven rural de mirada turbia y maliciosa,  que vaga por la ciudad. Piotr, un estudiante de derecho, que se prepara para hacer su último examen. Sus destinos se cruzan cuando Jacek coge un taxi para ir a los suburbios de la ciudad, donde asesina brutalmente al taxista golpeándolo con una piedra, y el abogado deberá defenderlo en la corte.


 
Jacek no es justificado, su acto es brutal e intencionado y así lo hace ver el director, pero también nos recuerda que hay muchos jacek en la sociedad que habitamos, que somos una sociedad que genera violencia. El taxista que será la víctima no es especialmente el ser más encantador del mundo, parece una elección de Kieślowski para que no empaticemos en exceso con la víctima.
 
El personaje del abogado representa la voz ética , idealista, pero que se verá enfrentado con una realidad muy distinta en su experiencia directa con la justicia  institucionalizada.


 
A la condena a muerte de Jacek, le siguen escenas terroríficas de lo que no es más que un asesinato premeditado más y con una   frialdad es espeluznante jacek es asesinado de manera legal por el estado.


¿Es valido responder a matar,  matando?  El director nos hace pensar que en la sociedad postmoderna hemos creado el monstruo de la agresividad  y en vez de solucionar el problema nos deshacemos de el…lo eliminamos….matamos porque alguien mato… una cadena infinita de muertes.
 
El criminal que mata es repulsivo, el estado que lo condena y lo asesina,  también.


 
¡No matarás!, dice Kieślowski en un perfecto guión al que no le falta ni le sobra nada. Con escenas visualmente impactantes, y un excelente hilo narrativo, he aquí su alegato contundente contra el asesinato calculado, de cualquier índole.
 
Una joya!!

FICHA TÉCNICA:


Dirección: Krzysztof Kieslowski.
País: Polonia.
Año: 1988.
Duración: 84 min.
Género: Drama.
Interpretación: Miroslaw Baka (Jacek), Krzysztof Globisz (Piotr), Jan Tesarz (Taxista), Zbigniew Zapaziewicz, Barbara Dziekan, Aleksander Bednarz, Jerzy Zass, Zdzislaw Tobiasz, Artur Barcis, Krystyna Janda.
Guión: Krzysztof Kieslowski y Piesiewicz Kieslowski.
Producción: Ryszard Chutkowski.
Música: Zbigniew Preisner.
Fotografía: Slavomir Idziar.
Montaje: Ewa Smal.
Diseño de producción: Halina Dobrowolska.
Vestuario: Hanna Cwiklo y Malgorzata Obloza.
 



RESUMEN DEL FILM 


Los que la vieron recordaran su crudeza y sinceridad, los que no lo hicieron deberían esperar a verla completa. Uds eligen.....