viernes, 31 de diciembre de 2010

INTANTANEAS DE BAIRES (VIDEO TRIP) - Fernanda Bargach-Mitre


En esta oportunidad, el protagonista son las calles de Buenos Aires, sus artistas anónimos, sus símbolos, su extirpe...fundido con fondos de fotografía macro a full coloren esta serie de  VIDEO ARTE

Música, fotografía y Edición: Fernanda Bargach-Mitre

viernes, 10 de diciembre de 2010

ESENCIALES DEL CINE FRANCES (2) - Fernanda Bargach-Mitre



 En esta ocasión, he escogido las películas del cine francés que causaron impacto en mí. La fascinante Isabelle Adjani en La Reina Margot, la reflexiva cinta  coproducida entre Francia y Canadá : Jesús de Montreal, la trepidante Nikita, la innovadora Distric B13 y la inolvidable Todas las mañanas del mundo.



LA REINE MARGOT (LA REINA MARGOT /1994)
Esta película,  dirigida por Patrice Chéreau, con guión de Danièle Thompson sobre una novela de Alejandro Dumas de igual título ambientada en el siglo XVI, es de vista obligada para los cinéfilos. Se ubica cuando Francia se encuentra inmersa en una guerra de religión que divide a católicos y hugonotes. El rey Carlos IX y su madre Catalina de Medicis intentan terminarla arreglando el matrimonio entre Margarita de Valois, su hermana pequeña, y Enrique de Borbón, el rey de Navarra, uniendo ambas dinastías. Con una ambientación maravillosa y un excelente juego de color esta historia es desgarrada e intensa. Margot, interpretada soberbiamente por Isabelle Adjani, está condenada a un destino que no desea, un matrimonio sin amor. Seis días después de la boda, tendrá lugar la matanza de San Bartolomé: entre cinco mil y diez mil protestantes fueron asesinados esa noche en las calles de París por orden del rey Carlos IX. La película es dura, de una violencia a veces atroz y la presencia de los vicios de la época es obvia. El film es una espléndida superproducción francesa que combina un definido retrato de personajes, con una maravillosa adaptación de época, un vestuario espectacular, cada detalle en su lugar  y  es a la vez una historia de amores imposibles. Las actuaciones de todo el plantel son maravillosas y el guión muy sólido es llevado a la pantalla con destreza por Patrice Chéreau. Galardonada con 5 premios Cesar, también fue nominada a los Globos de oro como mejor película de habla no inglesa y a los Oscar en el renglón de mejor vestuario entre muchas otras nominaciones a los premios Bafta y el festival de Cannes. En suma se trata de un espectáculo soberbiamente elaborado, apasionante e inolvidable.
FICHA TECNICA:
Dirección: Patrice Chéreau
Guión: Daniele Thomson, Patrice Chéreau
Música: Goran Bregovic
Fotografía: Philippe Rousselot
Reparto: Isabelle Adjani, Daniel Auteuil, Virma Lisi, Vincet Pérez.



JÈSUS DE MONTRÉAL (JESUS DE MONTREAL/ 1989)
Esta coproducción entre Francia y Canada fue dirigida  y escrita por Denys Arcand. La película versa sobre Daniel, un joven actor que es contratado por la Basílica de Montreal, para actualizar el guión de La pasión de Cristo, obra que se efectuará en los jardines de la parroquia y así mismo es elegido para representar a Jesús. Mientras se empieza a montar la nueva obra se genera un paralelismo entre el actor y la vida de Jesús, y desde donde se hace una crítica a la sociedad urbana y  a los valores vacíos  de la misma, los falsos ídolos, la mezquindad, la hipocresía de la Iglesia entre otros tópicos muy humanos. La cinta tiene varias lecturas, la de facto, es decir lo que le sucede al personaje de Daniel, y  la otra lectura es más sugerente, llena de metáforas sobre la vida de Jesús , lo que dice la Biblia y lo que interpreta la Iglesia. Se trata de un film con momentos brillantes y otros más pesados, pero en suma es un enfoque original sobre una historia mil veces contada. Es una cinta elaborada con mucho ingenio, para retomar pasajes y personajes bíblicos y adaptarlos a la actualidad. La película, logra tocar la fibra pensante del espectador así como su mundo emocional (A mí me resultó muy impactante y jamás la pude olvidar)
Países: Francia y Canada
Dirección y guión : Denys Arcand
Música: Jean-Marie Benoit
Edición: Isabelle Dedieu
Fotografía: Guy Dufaux
Reparto: Lothaire Bluteau. Catherine Wikening, Johanne-Marie Trembay



LA FEMME NIKITA (NIKITA 1990)
La historia de Nikita, a la luz de hoy pareciera mil veces vista, pero en el momento de su estreno en 1990, era una de las primeras películas de acción francesa y mundial con una puesta en escena tan moderna, trepidante, interesante, con una asesina más humana, tangible, real, y hasta querible, interpretada soberbiamente por Anne Parillaud. De la batuta de Luc Besson proviene esta fascinante película sobre una drogadicta, ladrona que le dispara a un policía, y al ser atrapada, y simulada su muerte, despierta en un cuarto donde un hombre elegante le dice ser de la DGSE, una agencia de inteligencia que prácticamente la obliga a aceptar ser entrenada como asesina encubierta. En sus primeros 20 minutos, la cinta puede resultar lenta, pero a medida que Nikita avanza en sus destrezas, la cinta se pone candente. Somos testigos de sus primera misiones, de su enamoramiento de un joven que desconoce su verdadera identidad, de su intento  de llevar una vida normal, mientras espera que sus asesinatos sean asignados. Un personaje fascinante lo lleva a la pantalla Jean Reno, en una corta aparición como “el limpiador”, es decir el que se deshace de los cadáveres cuando una misión sale mal ( parece que este personaje fue la inspiración de Tarantino en Pulp Ficcion donde el limpiador es Harvey Keitel). Bob (Tchéky Karyo), es el mentor de Nikita en la agencia  y entre ellos existe una tensión sexual excelentemente manejada por el director. Pulcra, imparable, ejecutada con maestría, diría que junto a “León”(1994), es un de las mejores películas de este multifacético director francés. Nikita se convirtió en un mito, mostrando a una mujer como asesina letal y fue tan influyente en la cultura popular que en 1993 se hizo el remake norteamericano llamado Point of no Return” protagonizada por Bridget Fonda, una versión decepcionante y tediosa . En 1997 se estrenó la serie de televisión  titulada como el film , que rodó por cinco temporadas con mucho éxito, protagonizada por Peta Wilson. Así mismo en el 2010 se estrenó nuevamente una serie televisiva basada en el personaje bajo el nombre de Nikita, protagonizada por Maggie Q. Sin duda, Besson marcó pauta con esta película adelantada a su época y que hoy en día todavía posee vigencia, así que invito a los que no la disfrutaron a verla sin reparos. No decepciona!!
FICHA TECNICA:           
Dirección y Guión: Luc Besson
Música: Eric Serra
Fotografía: Thierry Arbogast
Edición: Olivier Mauffroy
Reparto: Anne Parillaud, Tchéky Karyo, Jeanne Moreau, Jean-Hugues Anglade, Jean Reno.



BANLIEVE 13 (DISTRITO B 13 /2004)

Distric  B 13, dirigida por Piere Morel, más conocido por “Taken” (2008) un  film de acción imparable, protagonizado por Lian Nesson de muy alta calidad en su género  y por la recién estrenada “ From Paris with Love” (2010) bastante irregular . Sin embargo, fue su opera prima la que impactó a la audiencia. Este film  escrito y producido por Luc Besson ,se sitúa en un futuro cercano, donde el crimen es incontrolable y las autoridades se ven obligadas a convertir en prisión el Distrito B13 de París, construyendo murallas alrededor de esa y otras zonas peligrosas. Pero entonces una de las pandillas del lugar logra obtener una bomba de neutrones, que explotará en pocas horas. Es cuando aparecen dos personajes aparentemente antagónicos: Damien quien pertenece a la élite de la policía, oficial de la unidad especial de intervenciones, experto en artes marciales y que domina la capacidad de la infiltración y Leito un héroe anónimo, totalmente rebelde, nada amigo de los policías pero que conoce como la palma de su mano el distrito y sus manejos. Ambos se verán obligados a trabajar juntos para rescatar a la hermana de Leito y desactivar la bomba. En un despliegue fantástico de acrobacia callejera, en el estilo innovador del “parkour”, poco conocido para el momento, sumado a extraordinarias peleas y escenas de acción, la película no da respiro siendo verdaderamente vertiginosa. El film no profundiza en el aspecto social, de un supuesto año 2013 donde la ciudad se encuentra separada por murallas para controlar el crimen, no hay reflexión al respecto de esta solución tipo fascista de las autoridades. Sin embargo logra el cometido de darnos un atisbo de los que nos puede pasar en el futuro si no solucionamos los problemas ahora y el paquete cinematográfico es de habilidosa factura, buena fotografía, y una acción trepidante de principio a fin.

FICHA TECNICA:

Director: Pierre Morel
Guión: Luc Besson
Intérpretes: Bibi Naceri, Cyril Raffaelli, David Belle
Tony D'Amario
Productor: Luc Besson
Fotografía: Manuel Teran
Música: Bastide Donny



TOUS LES MATINS DU MONDE (TODAS LAS MAÑNAS DEL MUNDO/ 1991)
Dirigida por el solvente Alan Corneau,  y escrita por este y Pascal Quignard  el autor de la novela en que se basó el guión, este director  ya tiene en su haber más de diez películas, entre ellas la recién estrenada y con excelentes críticas “Crime d’amour” (2010) y otros clásicos como “Le Choix des armes” (1981) con actores emblemáticos como Yves Montand, Gérard Depardieu, y Catherine Deneuve. No sorprende la calidad de “Tous Les Matin Du Monde”. Se trata de un homenaje al arte, a la música como canalizador de emociones, de la vida misma. Vale acotar que lo más hermoso de esta cinta es su banda sonora, que nos trasporta totalmente,  a cargo del talentoso Jordi Savall y su viola. La trama parte de las relaciones entre Marais ( alumno) y Sainte-Colombe ( maestro) , y expone una reflexión sobre la creación artística. El film  abarca “la necesidad de transmitir el conocimiento sin profanarlo, la relación crispada y conflictiva que surge entre maestro y discípulo, la duda sobre si éste merece ser instruido”.El maestro Saint Colombe, es un ser entregado a la viola, al que no le interesa la música como espectáculo sino que es su forma de vida y ante la muerte de su esposa es su forma de comunicarse con ella, de trasmutar su pérdida Tan es así que el músico no escribe nada de lo que toca, todo permanece en su mente. Cuando Marais aparece con la intención de aprender, el maestro duda, ya que aunque lo ve talentoso también lo percibe mundano representado el eterno conflicto entre la inspiración y la ambición de fama y reconocimiento. Con una fotografía pictórica , maravillosas actuaciones y una excelente puesta de época, esta cinta conmueve y nos trasporta entre compases y fraseos musicales de profunda belleza.

FICHA TECNICA:
Dirección: Alain Corneau
Guiòn: Pascal Quignard y Alain Corneau
Música Jordi Savall
Edición: Marie-Josephe Yoyotte
Vestuario: Corinne Jorry
Fotografía: Yves Angelo
Reparto: Gérard Depardieu, Jean Pierre Marielle, Ane Brochet. Caroline Sihol, Guillaurme Depardieu.

martes, 7 de diciembre de 2010

REVISANDO EL CINE DE DAVID FINCHER - THE SOCIAL NETWORK: UN FENOMENO BAJO LA LUPA - Fernanda Bargach-Mitre




Bajo la batuta de un creativo solvente como David Fincher, un director de género que se convierte en este film en un cronista social , The Social Network ( La Red Social) nos relata los orígenes de  este fenómeno mundial, mediático e inconfundible.  Espléndidamente bien elaborada, magistral  en su estructura narrativa , con enlaces de tiempo y dilemas morales. Esta película nos muestra los rostros cambiantes de la interacción social y cómo una mente brillante y solitaria concibió este proyecto.



El film narra la historia de Mark Zuckerberg (Jesse Eisenberg), alumno de Harvard y genio de la programación, que se sienta a su ordenador y con empeño y entusiasmo comienza a desarrollar una nueva idea. Hablamos de un personaje solitario, con problemas de integración social, que parece descargar su energía a través de la programación en su computador. Lo que comenzó en la habitación de su universidad,  pronto se convirtió en una red social global y una revolución en la comunicación. Seis años y 500 millones de amigos después, Mark Zuckerberg es el billonario más joven de la historia. Pero para este emprendedor, el éxito ha supuesto complicaciones personales y legales. En el momento en que Facebook se convierte en un fenómeno mundial que vale millones de dólares no se hacen esperar las demandas legales de amigos de Zuckerberg, que se atribuyen parte de la creación de la red social.




La cinta se narra en dos tiempos, el pasado y el presente, enlazados de manera excelente. Vale destacar el sobresaliente guión de Aaron Sorkin, muy sólido y basado en la novela  ‘The Accidental Millionaires’ de Ben Mezrich.
En su factura se trata de un film clásico pero de extremado vigor, que logra captar la atención del espectador de principio a fin. Es interesante que una película basada en personajes con tan poco carisma personal, salga tan airosa. Zuckerberg es un desadaptado, antipático, antisocial que irónicamente desarrolla un proyecto de integración mundial. Pareciera que su incapacidad de comunicarse con el mundo real es lo que lo lleva a crear la antítesis de su vida o un medio por el cual puede interactuar sin contacto directo.



Ahora, los que esperen un análisis sobre el por qué de este fenómeno, una reflexión filosófica, o un ahondamiento en sus alcances a nivel social quedarán decepcionados. El film es bastante biográfico, y narra específicamente la historia de la creación, de sus fundadores y de los intereses que revolotean alrededor de facebook una vez que alcanza el reconocimiento mundial. Las conclusiones finales son dejadas para la audiencia.
Sin duda, el film tiene una enorme repercusión porque narra algo que nos está pasando como sociedad actualmente. Es una cinta que corresponde a los tiempos que vivimos. Es de excelente factura y maravillosas actuaciones. Recordamos una escena memorable donde Mark esta revisando el funcionamiento de Facebook en Bosnia donde nisiquiera hay carreteras, como para poner el acento en los tentáculos de esta red social.
Otra actuación muy convincente es la de Justin Timberlake, que conocemos a través de los flashbacks. Representa al personaje de Sean Parker, el creador de Napster ( una aplicación que permitía compartir MP3  de manera libre, hasta que fue demandada por violar copyrights).Parker parece ser uno de los pocas mentes que respeta Zuckerberg, a quien considera como igual.



La historia de Mark Zuckerberg es algo triste, por más que sea uno de los billonarios más jóvenes de la historia, está solo en su trono, sin amigos verdaderos y viviendo a través de ordenadores. Al menos así se nos pinta el personaje en la cinta. Un ser incapaz de socializar, de interactuar en el mundo de personas de carne y hueso y de personalidad pedante y condescendiente . Vale destacar un performance en estado de gracia de Jesse Eisenberg como el arisco Zuckerberg.



La puesta en escena es intimita, de colores ocres y vinotintos, que dan cierto aire oscuro a la narración pero lo más importante a destacar es que la película no nos toma por idiotas, es estimulante para el espectador y  desafía su inteligencia ya que las conclusiones finales son abiertas sin intentar darnos lecciones morales o discursos sociales, para que nosotros formemos nuestra propia opinión.
A fin de cuentas, estamos frente a una cinta deliciosa de disfrutar, con destacada banda sonora, con un ritmo que nunca se pierde, manejada de manera enérgica por el poderoso trabajo de Fincher, uno de los directores más interesantes de nuestra época que a su vez aborda un tema de candente actualidad.


FICHA TÉCNICA:
Título original: The Social Network
Dirección: David Fincher
Producción: Donald Graham Burt
País: Estados Unidos
Año: 2010
Reparto: Rooney Mara, Andrew Garfield, Jesse Eisenberg, Rashida Jones, Brenda Song, Justin Timberlake, Joseph Mazzello, Malese Jow, Caleb Landry Jones, Max Minghella
Guión: Aaron Sorkin
Fotografía: Jeff Cronenweth
Montaje: Angus Wall, Kirk Baxter


martes, 30 de noviembre de 2010

THE SAVAGES: TRAGICOMEDIA SIN ANESTESIA - Fernanda Bargach-Mitre


Tamara Jenkins, dirige y escribe esta intensa película por la cual recibió una nominación al Oscar por el Mejor Guión Original, además de la nominación de una de sus protagonistas, una sensacional Laura Linney,  como mejor actriz. Completa el reparto el genial Philip Seymour Hoffman, para adentrarnos en el mundo disfuncional de los hermanos Savages, seres marcados por una infancia dura y que súbitamente tienen que enfrentar la demencia senil de su padre que se ha quedado sin lugar para vivir. El espinoso tema de la muerte es tratado sin anestesia pero con un toque de mordacidad y un guión tan inteligente que no da espacios para el melodramatismos, presentado el tema de manera cruda pero cercana a la realidad conformando una historia llena de matices sobre dos seres a la deriva en una situación límite.

Los hermanos Savages han vivido separados durante años en distintas ciudades, los dos tratando de sacar sus vidas a flote, llevando a cuestas la marca de una madre que los abandonó y un padre que represento el terror para ellos. Ambos son seres frágiles, sumidos en sus defensas para no cambiar la realidad gris que viven, e incapaces de asumir compromisos emocionales y que de pronto deben tomar la responsabilidad de cuidar de su padre, que se ha quedado sin casa y sufre de demencia senil. Esto generará que los hermanos tengan que vivir bajo un mismo techo, por primera vez desde su infancia, mientras su padre se ambienta al hogar de ancianos donde lo han ingresado. Así irán  redescubriendo las excentricidades de cada uno que les sacaban de quicio, enfrentados con una agitación total y luchando por la manera en que deben hacerse cargo de los últimos días de su padre, se encuentran confrontados con el significado de la vida adulta, la familia y, lo más interesante, lo que significan el uno para el otro.

  
Wendy (Laura Linney) es una aspirante a dramaturga, que cosecha fracaso tras fracaso, vuelca su amor en un gato y se conforma con el sexo que le ofrece un vecino casado. Su hermano Jon (Philip Seymour Hoffman) es profesor de teoría del teatro y ahora estudia la obra de Bertolt Brecht y acaba de perder al  posible amor de su vida, una polaca que ante la negativa de Jon de asumir un compromiso y casarse, debe volver a su país porque se ha quedado sin visa. Se trata de dos adultos aún en proceso de maduración que no han podido superar las cicatrices de la falta de afecto de su infancia. Es por esto que se ven completamente abrumados con su nueva responsabilidad, un padre que afectivamente poco les dio pero que ahora solo cuenta con ellos en el mundo y del cual deben hacerse cargo.

Lo que más destaca, además de las excelentes actuaciones, incluyendo al padre moribundo genialmente interpretado por Philip Bosco, es el consistente guión de Jenkins que no hace concesiones para hacer más digerible su propuesta, donde no se disimula el egoísmo de los hijos, la culpa que los consume, presentando la muerte y la vejez sin maniqueismos, dura, implacable…inevitable. Escapando de los laberintos emocionales, el guión se mantiene en el mundo de lo cotidiano, de lo real. No hay grandes respuestas ni resoluciones finales sino cuadros que nos pintan, con un toque de humor negro, cómo somos y cómo vivimos la muerte.


La película también nos advierte sobre que uno cosecha lo que siembra. Esta situación límite que deben enfrentar los hijos ante la decadencia física de sus padres, variará de acuerdo a la relación que hayan llevado estos. En este caso, los hermanos Savages, se ven enfrascados en un dilema moral, ya que ninguno tiene un vínculo fuerte de afecto con su padre sino amargos recuerdos.


Se trata de un cine que se agradece ante tantas propuestas comerciales vaciadas de sentido. Es en suma una cinta sumamente inteligente que rehúye los lugares comunes, contada con ingenio, humanidad y un toque de sentido del humor poco usual.

Tamara Jenkins nos propone un film honesto, desolador por momentos que con un sabor agridulce, nos produce placer ante la muestra de solvencia en tratar un tema tan espinoso con tanta sinceridad. Completando con un elenco que saca lo mejor de sí estamos frente a una cinta que vale la pena no perderse porque lleva el sabor del buen cine independiente que nos deja pensando y reflexionado sobre la vida misma.
Imperdible!

FICHA TÉCNICA DE “THE SAVAGES”
Dirección y guión: Tamara Jenkins.
País:
USA.
Año: 2007.
Duración: 113 min.
Género: Drama, comedia.
Interpretación: Laura Linney (Wendy Savage), Philip Seymour Hoffman (Jon Savage), Philip Bosco (Lenny Savage), Cara Seymour (Kasia), Peter Friedman (Larry), Gbenga Akinnagbe (Jimmy), Tonye Patano (Srta. Robinson), Guy Boyd (Bill), David Zayas (Eduardo), Debra Monk (Nancy Lachman).
Producción: Ted Hope, Anne Carey y Erica Westheimer.
Música: Stephen Trask.
Fotografía: Mott Hupfel.
Montaje: Brian A. Kates.
Diseño de producción: Jane Ann Stewart.
Vestuario: David C. Robinson
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viernes, 26 de noviembre de 2010

JAZZ VOYAGE (VIDEO TRIP)

Video trip es parte de una serie de videos donde utilizo macros o fotos descontextualizadas para crear nuevas sensaciones, en esta entrega nos sumergimos en el mundo del jazz, la ciudad de NY como marco, un músico, la noche......una entrega bohemia de VIDEO ARTE.


miércoles, 10 de noviembre de 2010

INCEPTION: RELATIVAS REALIDADES - Fernanda Bargach-Mitre



Sin duda, Inception  es original en su planteamiento, impecable en factura, con guión sólido y sorprendente, una fotografía exquisita, una puesta en escena surrealista , ejecutada soberbiamente y actuaciones impactantes. Una cinta que combina la acción trepidante, con ciencia ficción, para resultar en un film que es imperante volver a ver porque despierta todas nuestras neuronas y deja en el aire cuestionamientos más que interesantes.

Si revisamos la carrera de Christopher Nolan, después de su opera prima” Following” en 1998, que solo contó con un presupuesto de 6000 Usa, ya este realizador intentaba penetrar la mente humana a través de un film sin orden cronológico y personajes paralelos pero fue cuando estrenó “Memento” ,una película que impactó a la audiencia y a la crítica, que este creativo ganó reconocimiento por su trabajo. Se trata de una historia contada en reverso, basándose en la imposibilidad del protagonista de desarrollar nuevos recuerdos.  Nos plantea interrogantes sobre la memoria, los recuerdos, el pasado, que son elementos que nos definen como lo que somos. ¿Qué pasaría si no pudiéramos formar nuevos recuerdos? ¿Qué sucedería si viviéramos en el presente absoluto?…..un premisa interesante.


Se podría decir que este director, busca a través de sus films, dar respuesta o más bien poner sobre la palestra temas inherentes al ser humano , cuestionamientos existenciales, áreas poco exploradas.  Así mismo, esta constante búsqueda de significados ha venido acompañada de interesantes estilos visuales, que Nolan ha venido puliendo en su maduración como realizador.  En Batman Begins (2005) aprendió a trabajar con un alto presupuesto, y tomar el reto de revivir  a una figura mítica. Alejándose completamente del estilo gótico y sobrecargado de Burton, nos presentó un Batman tangible, real, un hombre en búsqueda de su identidad , de la autosuperación, de su destino. Recordemos que Batman es el único superhéroe que no posee poderes sobrenaturales lo que aprovechó Nolan para desarrollar ampliamente los artilugios técnicos usados por el batimurcielago. El director logra revivir el mito del personaje en una excelente cinta que no solo presenta acción imparable sino que la acompaña de un sentido filosófico, logrando tanto espectacularidad como de calidad. Con las dos siguientes de la saga,  no hace sino ratificar su talento como realizador.


En Inception ,elogiada por la crítica y con un impactante éxito de taquilla, este creador vuelve a contarnos una historia sorprendente y de extrema calidad. Nolan es guionista, director y productor de esta fascinante cinta. La trama nos habla de Dom Cobb (DiCaprio) , el mejor del mundo en el arte de la extracción: apropiarse de los secretos del subconsciente justo en el momento en que la mente de la víctima es más vulnerable: durante el sueño. Sin embargo Cobb vive en las sombras, trabajando en secreto y escapando constantemente de un pasado que lo condena a la fuga. Trabaja con un equipo, en el cual destaca como principal aliado , Arthur (Joseph Gordon-Levitt), quien viene siendo el asistente y el protagonista de la mejor escena de acción vista en años, filmada en gravedad cero y que nos quita el aliento. Destaca en el grupo, Ariadne (Ellen Page) la nueva y pequeña arquitecta que se encarga de construir el diseño visual de cada sueño.  A través de este personaje , Cobb va explicándole cómo se realiza el proceso a la vez que se le va esclareciendo esto a los espectadores. Estas escenas, explicativas son  el único punto débil que le encuentro a la película, la repetición de la información se hace redundante para el ojo ávido y atento que lo capta a la primera vez.
Lo interesante, es que a Cobb se le plantea la posibilidad de volver a recuperar su antigua vida, si intenta un proceso difícil y arriesgado, que en vez de extraer información deben plantarla en el subconsciente. De allí el título “Inception” : comienzo, origen, inicio.




El film es alucinante en su diseño visual, ya que los sueños son estructurados en base a la realidad alterada, no son fantásticos mundos inexistentes sino que reviven la verdadera sensación de un sueño, donde la cotidianidad y la ficción se mezclan pero dando un sentido realista que es lo que hace que al despertar sintamos que hemos vivido una experiencia que se siente verdadera.
Los efectos especiales son impactantes, pero al servicio de la historia que rebalsa en creatividad en su puesta.




Nolan, nos entrega una cinta excepcional, con un DiCaprio solvente y arrebatador, coherencia en el guión a pesar de ser un planteamiento casi de ciencia ficción esta concisamente ensamblado, un trabajo de dirección maravilloso y lo más importante el demostrar que se puede hacer una película con altísimo presupuesto  sin perder calidad y sello propio en el intento.


FICHA TÉCNICA:

Dirección Christopher Nolan 
Dirección artística Guy Hendrix Dyas 
Producción Christopher Nolan Emma Thomas 
Guion Christopher Nolan 
Música Hans Zimmer 
Sonido Lora Hirschberg Gary A. Rizzo Ed Novick 
Fotografía Wally Pfister 
Montaje Lee Smith 
Efectos especiales Paul Franklin Chris Corbould Andrew Lockley Peter Bebb 
Protagonistas Leonardo DiCaprio Michael Caine Marion Cotillard Joseph Gordon-Levitt Tom Hardy Cillian Murphy Ellen Page Ken Watanabe

TRAILER:


martes, 26 de octubre de 2010

ESENCIALES DEL CINE FRANCES (1) - Fernanda Bargach - Mitre



El cine francés ha sido un referente en la historia mundial de la cinematografía, muy influyente como medio de comunicación y como arte. En este primer artículo he tomado cinco films que marcaron pauta, pero este punto es solo el comienzo de una serie de próximos artículos donde iremos ahondando  en el cine de este país.


37°2 le matin  (Betty Blue /1986)


Basada en la novela de Philippe Djian, con guión adaptado y dirección a cargo de Jean-Jacques Beineix, este film marcó pauta en su estreno. La película narra la historia de Zorg, un aspirante a escritor que trabaja como encargado de unos bungalows en la playa donde conoce a Betty, una joven tan bella como salvaje e impredecible. La vida tranquila de Zorg dará un vuelco en esta tormentosa y ferviente relación y observará como el carácter sin reglas de su amada empieza a descontrolarse hasta colindar con la locura. El film es una maravilla, una historia con mucho sexo y una ternura muy natural que describe  una relación tan desgarradora como intensa. La fotografía es maravillosa, interpretaciones geniales tanto de Jean Hugues Anglade como de Béatrice Dalle , música perfecta y lo más importante: la trama nunca decae y nos atrapa desde el primer fotograma. Se trata de una pieza fundamental del buen cine erótico francés acompañada con un color intenso  y sentimientos inquietantes. “Beineix consigue alejarse del estilo realista que predominó en el cine francés en los años 70 para traernos, sin duda alguna, una de esas películas que el paso del tiempo no callará.” Estamos frente a una de las más influyentes películas de “ amor loco” que se hay realizado. Su huella queda indeleble en las emociones del espectador, sus escenas quedan resonando en nuestra memoria, es sin duda, una cinta inolvidable.
 


Le Grand Bleu (The Big Blue/1988)

Está coproducción entre Francia, Usa e Italia fue dirigida por Luc Besson, quien estuvo a cargo de crear la historia y ser uno de los guionistas. Estamos frente a una obra poética con la genial música de Eric Serra (versión original) que entre fantásticos azules y las profundidades del océano es un canto a la amistad, el reto, la valentía , el riesgo y el amor. Protagonizada magistralmente por Jean-Marc Barr, Rosanna Arquette y Jean Reno resulto ser super taquillera en todo el mundo. El film trata sobre la vida e historia legendaria de Jaques Mayol, buceador, amigo de delfines y profundista o practicante del deporte llamado Apnea. La película no intenta ser biográfica, si bien está inspirada en la vida del famoso Mayol, es libre en su desarrollo como historia. La cinta nos ubica en la infancia del protagonista en Grecia y nos lleva hasta su adultez cuando este eterno amante del mar con una especial habilidad para el buceo, ayuda al profesor Lawrence en sus experimentos marinos. Nada de lo que tiene o consigue Jacques en la vida le llena tanto como el mar. Pero la belleza que admira, también puede esconder un peligro imperceptible. La obsesión, el deseo de superación y la competencia son aditamentos que le agregan peligro al ya riesgoso deporte del profundismo que Mayol tanto ama. En suma es una cinta de cita obligada, con una fotografía excepcional de los paisajes naturales y amplio despliegue técnico que conforman junto a la eficaz dirección de Besson una obra imperecedera del séptimo arte.

 
Camille Claudel (1988)

Dirigida por  el fotógrafo Bruno Nuytten y protagonizada soberbiamente por Isabelle Adjani, la película viaja por la vida y obra de Camille Claudel, talentosa e inteligente escultora, amante de las artes en el sentido más amplio y rico, y compañera durante más de 10 años del también escultor, Auguste Rodin. La trágica historia de esta mujer apasionada, que terminó sus días como una indigente e internada en una clínica psiquiátrica, está llena de matices actorales y abarca varios momentos. En estas escenas, es cuando Adjani se luce en extremo, donde una simple mirada es capaz de revelarlo todo. Se trata de una historia de soledad provocada por la contradicción entre una mujer que amaba la libertad pero rechazaba la sociedad que le tocó vivir. Así mismo se retrata su tumultuosa relación como amante de Rodin, retratado como un ser egoísta y desleal. El film obtuvo varios Premios César incluyendo mejor película, actriz, fotografía, decorados y vestuario. También obtuvo Oso de Oro en el Festival de Berlín y estuvo nominada a dos Oscar como mejor actriz y mejor película extranjera. Se trata de una cinta intensa, que retrata a un alma muy pura que no soportó sus propias circunstancias y el mundo que la rodeaba. Es en suma una película hermosa, excelentemente confeccionada que deja una sensación en el espectador de haber vivido una experiencia profunda.




La double vie de Véronique (The double life of Veronique/1991)

Hablar del cine de Krzysztof Kieslowski en poco espacio no es fácil, este creativo del séptimo arte se convirtió en un emblema de fama mundial gracias a una obra magnífica y enriquecida de matices y extraños sentimientos frente a los cuales se encienden las ganas de filosofar acerca de la existencia. Este film es para aquellos que aman el cine intimista, que ofrece planteamientos abiertos, perspectivas subjetivas y provocadores interrogantes. Entrelaza la vida de dos mujeres idénticas físicamente, huérfanas de madre, amantes de la música, solitarias, pero de personalidades contrapuestas y cada una en un país distinto: Veronika en Polonia y Véronique en Francia. Se trata si se quiere, del mito del doppelgânger, según el cual todo ser vivo, tiene, en alguna parte, un doble de sí mismo, de apariencia idéntica y personalidad opuesta. Dicen que cruzarse con el doble presagia la muerte de alguno de ellos. El arquetipo del doble se abarca de manera fascinante, nos pone cara a cara con la ambivalencia de existir y la identidad pasa al primer plano de la reflexión. En la Doble Vida de Verónica, dos cuerpos exactos viven en lugares distintos pero se hallan unidos por una misma esencia vital. La película es impactante en base a un manejo exquisito del color. Kieslowki relacionaba el color con sentimientos humanos y lo utilizaba como recurso narrativo en todos sus trabajos. Estamos ante una cinta misteriosa, que para algunos será una serie de hermosas escenas sin coherencia y para otros se convertirá en un viaje entre colores, simbolismo y belleza difícil de olvidar.


 
Delicatessen (1991)

Esta obra de arte, ya emblemática del cine de los noventas estuvo dirigida y escrita por Jean-Pierre Jeunet y  Marc Caro, una poderosa  e inexperta dupla creativa que demuestran en esta cinta un toque único de originalidad y belleza. Esta cinta que marcó la estética de diseño fantástico de su década esta habitada de extraños personajes. En un viejo edificio conviven unos raros seres obsesionados con alimentarse y Louison (Dominique Pinon), un payaso retirado, que llega como nuevo inquilino y que desequilibrará la dinámica imperante entre los habitantes del lugar. A la cabeza de todos se halla el carnicero (Jean-Claude Dreyfus), que da trabajo a Louison como encargado de mantenimiento, con vistas a convertirlo en la siguiente presa. Se plasma “un universo singular, de rebuscada y asfixiante estética y con un guión tan extraño como incómodo", que logró marcar pauta como otro tipo de cine. Son atrapantes los tonos rojizos y marrones de la fotografía, memorables las actuaciones de todo el elenco, una trama distinta, arriesgada en su propuesta, pero que logra un resultado fascinante. Un guión que desborda imaginación e ingenio y una ejecución interesante que nos sitúa en un lugar que podría estar fuera de este mundo. Quizás algo sobrevalorada, como suele pasar con las películas que se convierten en cintas de culto, su locura no es para todos los gustos, puede resultar retorcida para muchos y genial para otros, cualquiera sea el caso, el film se trasformó en un hito del séptimo arte que no ha perdido vigencia en el tiempo.

 

martes, 21 de septiembre de 2010

UNA MIRADA AL CINE DE RIDLEY SCOTT - Fernanda Bargach-Mitre




Ridley Scott, un señor director que ha dejado su sello  en la historia de la cinematografía con films de ciencia ficción como “Alien, el octavo pasajero”,y “Blade Runner” que influyeron en la estética y la narrativa de los posteriores films del género. Así mismo ha marcado pautas  con películas épicas como la galardonada “Gladiador” y “El Reino de Los Cielos”. Amado y odiado a la vez, este visionario sabe hacer  tanto cine de autor como cine de taquilla  y se caracteriza por su agudo sentido estético. En el 2007 nos entregó “American Gangster”,un exitazo de taquilla protagonizada por Denzel Washington y Russell Crowe con una excelente factura, que combinado con una historia fascinante dan a luz uno de los films más interesantes de ese año. En el 2008 nos trajo "Body of Lies" otro thriller vibrante y en el 2010 estrenó la épica Robin Hood.

 El Personaje





 
Ridley Scott, es un director que despierta controversia entre los críticos. Algunos lo adulan en casi todo lo que hace, pero un grupo bastante mayoritario parece establecer estándares especiales para juzgar el trabajo de este artífice del séptimo arte, con críticas quisquillosas que al lado de los logros del director parecen más bien pequeñeces. Es como si el grado de exigencia que le imponen a sus films estuviera por encima de películas de otros realizadores, a los cuales alabarían por el mismo trabajo. Una de las razones que encuentro a este desacierto de la crítica es la propia historia de este multifacético director definitivamente atípico: estudió arte y cine antes de iniciarse como diseñador de escenarios para la BBC. Fue en esta misma cadena de televisión donde comenzó su carrera como director, encargándose de varios capítulos de series y programas. Poco después abandonó ese trabajo para montar su propia productora, con la que realizó multitud de spots comerciales antes de emprender su primer proyecto en el cine, en 1977, con “Los Duelistas”.  Como realizador de spots publicitarios ha sido incluso galardonado en varias oportunidades, siendo muy cosechado en ese ámbito. También ha emprendido numerosos proyectos exitosos como productor. Pareciera que ¨los entendidos¨ del cine no le perdonan su lado comercial, con el que sin duda ha hecho mucho dinero. Algunos lo tratan de director vendido, que solo hace películas complacientes para su público a fin de preservarse como máquina generadora de dólares y ganadora de premios. Más allá de cuales sean las verdaderas motivaciones de Scott, no puede negarse su indudable talento como cineasta y como creativo en todas las áreas en las que ha incursionado. Podríamos catalogarlo de realizador versátil, que sabe adaptarse a los tiempos y que en base a su exitosa compañía productora puede darse el lujo de hacer las películas que quiere cuando quiere, teniendo en su haber varias obras del mejor cine de autor, que han marcado hitos en la historia del séptimo arte.

REVISANDO SU FILMOGRAFÍA






American Gangster (2007)

 
 
Historia basada en hechos reales que narra el éxito de un héroe callejero del Harlem de los años 70. Nadie se fijaba en Frank Lucas (Denzel Washington), el silencioso chofer de uno de los jefes mafiosos negros del centro de la ciudad. Pero cuando el jefe muere inesperadamente, Frank decide aprovechar la puerta que ha quedado abierta en la estructura de poder para construir su propio imperio y hacer realidad su versión del sueño americano. Gracias a su ingenio y a una estricta ética de los negocios, se hace con el control del tráfico de drogas en el corazón de la ciudad, inundando las calles con un producto de mayor calidad a mejor precio. Lucas es más listo que todos los demás grupos mafiosos y trata directamente con los grandes vendedores y utiliza a los militares en plena guerra en Indochina para transportar la heroína sin sospecha y no solo acaba convirtiéndose en uno de los mayores narcotraficantes de la ciudad, sino también en una de sus superestrellas cívicas. Richie Roberts (Russell Crowe) es un policía marginado y honesto que conoce bien las calles y nota que el poder del hampa está cambiando de manos. Cree que una persona ajena a los clanes conocidos trepa por la escalera del poder. Tanto Richie Roberts como Frank Lucas comparten un estricto código ético que les aparta del resto de sus coetáneos, transformándolos en dos figuras solitarias en lados opuestos de la ley. Al cruzarse sus destinos no tarda en estallar una confrontación de la que solo uno saldrá ganando. La factura del film es impecable, la ambientación en los años setenta magistral, el ritmo algo pausado pero lo suficientemente tenso para mantenernos alertas, las actuaciones de Washington y Crowe soberbias y son el corazón de la película. Tiene cierto sabor a Los Infiltrados de Scorsese en la forma vívida en que son retratadas las calles de la violencia. Sin duda se trata de una buena cinta pero en sus casi dos horas y media de duración va decayendo el ritmo y el interés del espectador lo que se compensa dado los excelentes performances. Frank Lucas es un personaje controversial y dual, por un lado abnegado hombre de familia por otro lado asesino y traficante que logra el sueño americano de ser un don nadie a pasar a ser un figura pública de envergadura y multimillonario. Esto ha sido criticado duramente, ya que el “malo” logra conseguir triunfar, gracias al inteligente uso del capitalismo,  la corrupción y la demagogia. Yo lo veo como una interesante crítica al tan sobrevalorado sueño americano y a una sociedad en crisis de valores. Esta cinta tiene sin duda mucha energía, se siente el calor de las calles de Harlem, la violencia imperante, el mundo del narcotráfico, la vibración de los convulsionados años setenta,  todo perfectamente recreado con detalles muy cuidados. Se puede afirmar que el director enfrenta este género con solvencia que no ha sido característico de su filmografía lo que resalta la versatilidad de este realizador que nos ha impactado tanto con films de ciencia ficción como con cintas épicas o películas de acción, drama y suspenso. Podemos afirmar que se trata de un creativo integral. Actualmente produce con éxito para televisión junto a su hermano, el director Tony Scott (Deja Vu, Enemigo Público) la serie Numb3rs, que parte del planteamiento de usar las matemáticas para resolver asesinatos o casos policiales. Tras un primera temporada de éxito y calidad esperamos ver pronto la segunda temporada producida por estos prolíferos hermanos. Se trata de un hombre emprendedor, tan involucrado en la producción además de la dirección, lo que ya se percibía desde sus inicios.

 
Un pionero en búsqueda





 

 
Su primer gran primer éxito fue con su segundo film : “Alien, el octavo pasajero” (1979), película de terror y ciencia ficción protagonizada por Sigourney Weaver que dio lugar a varias secuelas cinematográficas y cuyos efectos de montaje de imágenes fue especialmente bien recibido por el público y marcó un quiebre dentro de la estética del género. Una obra innovadora, visualmente de corte gigeriano que se convirtió en un perdurable clásico del cine como una asombrosa historia de terror  y primigenio miedo humano. El mismo Alien es en sí mismo uno de los grandes logros técnicos de la película. Concebido y diseñado por el aclamado pintor alien2surrealista de origen suizo H.R. Giger, el Alien estaba basado en el personal mundo visual del pintor conocido como “biomecánico”. Giger trabajó estrechamente con Ridley Scott a lo largo de toda la producción, diseñando la criatura en sus diversas formas y fabricando personalmente trajes y decorados a escala real. Además, Giger fue responsable de la realización del planeta alien y de la misteriosa nave abandonada en la cual el Alien es descubierto por primera vez.  Destaca una excelente dirección de actores que se siente en la solvencia y ensamble del elenco y la atmósfera asfixiante y opresiva de una historia llena de ritmo con extremas situaciones de tensión que conforman un film del más puro suspenso. Por su estética, temática y ritmo narrativo, ya es considerada una cinta de culto, que influyó en las siguientes películas que se hicieron sobre el tema.





 

Su siguiente película, “Blade Runner” (1982), hipnótica y tenebrosa historia de ciencia ficción, acción y drama, se convirtió en éxito y película de culto a la vez. Su agobiante clima, su poético sentido de la tragedia y su nunca gratuita violencia componen una obra fascinante que toca la temática de la replicación de humanos. Existe una raza de robots, idénticos a los hombres que se han convertido en un peligro con libre albedrío y  que Harrison Ford, antiguo cazador de replicas, debe perseguir por una deshumanizada y mestiza megalópolis, sin sospechar que terminará enamorado de uno de sus objetivos a eliminar. Excelente en su desarrollo e  inquietante en su trasfondo, esta obra se convirtió en un referente,  en otro clásico del cine de ciencia ficción. Scott tuvo serias diferencias con los ejecutivos de la Warner, que luego de un test de audiencia, decidieron cambiar a un final más complaciente. El director no pudo evitar que fuera exhibida de esa forma pero años más tarde (1992)  re editó la BALDE2obra, la digitalizó , le quitó la narración en off y  le puso el final original, no tan feliz pero mucho más coherente. Según algunos críticos la obra es sobrevalorada por su impactante efecto visual y esconde la poca capacidad narrativa de Scott. Esta observación es repetida en cada uno de sus films. A mi criterio, la cinta está excelentemente concebida y realizada y más allá de toda la parafernalia de su estilo, se esconde un relato que habla de la condición del hombre y despliega una melancólica y atrapante historia de amor.

Un realizador constante





 

Durante los años ochenta se produjeron diversas obras que mostraban mundos irreales poblados de seres fantásticos. Inspirado en esta tendencia Ridley Scott, se embarcó a realizar “Legend” (1985), un cuento de hadas escrito por William Hjortsberg y producido por la Universal. Al igual que ya le ocurrió con Blade Runner, los problemas y exigencias impuestos por el estudio no pararon de sucederse, y lo que había de ser una obra especialmente personal y bien acabada, acabó deparando en un film bastante mediocre, que sin embargo impactaba en su belleza visual.






Dos años más tarde, en 1987, realizó “La sombra del testigo” que dejó por sentado que este realizador es principalmente un esteta, con una cierta tendencia al exhibicionismo cinematográfico y a la grandilocuencia visual a veces a costa de la profundización de la historia. La película, tristemente protagonizada por Tom Berenguer, pasó sin pena ni gloria, resultando en otro trabajo un tanto mediocre.





En 1989 con “Black Rain”, un thriller protagonizado por Michael Douglas en sus mejores épocas y un naciente Andy García, logró un buen film de acción, que si bien no alcanzaba los niveles de sus primeras producciones funcionaba perfectamente como película taquillera, para pasar un buen rato y disfrutar de algunas escenas memorables. Black Rain" resalta por su ambientación: una atmósfera tensa y macabra, que proporcionaba un aire misterioso y un grado de asfixia. Una película oscura, donde sólo resaltan algunas de las luces de los nigthclubs de la urbe japonesa. Describe muy bien el ambiente de esa ciudad , donde se pueden ver muchas de sus tradiciones, pero siempre desde el punto de vista occidental. 

Este film solo sería el canapé que predeciría a una de las obras más populares de Ridley: “Thelma y Louise” (1991).




 

Con dos actrices de alta factura como Susan Sarandon y Geena Davis,las dos fantásticas y ambas nominadas al Oscar,  esta película se convirtió en un éxito total, en base a la romántica y emocional historia de dos amigas que emprenden uno de los viajes de carretera más famosos del cine. Con este film Scott logra recuperar el prestigio de saber combinar comercialidad con el carácter de director de culto. «Thelma y Louise no es una historia de seres desesperados, aunque pueda parecerlo. Por eso el tono del film ofrecía grandes dificultades. Me propuse, ante todo, lograr una mezcla sutil de comedia y tragedia» El film posee una cinematografía de carácter publicitario que logra el objetivo de atrapar el ojo del espectador, y por muchos lugares comunes dentro del guión, la química entre el director y sus dos musas provocó que se filmara una película inolvidable, para volver a ver cualquier día a cualquier hora. Así mismo esta película abrió el mundo de la acción para las féminas, poco aprovechadas en este género. La película marcó un corte que le permitió a muchas actrices ser consideradas para roles arriesgados, antes reservados para los hombres. Este film fue además fue su primer éxito como productor y de allí en adelante todos sus films han sido producidos por él.





 

En 1996 produce y dirige “Tormenta Blanca” (White Squall) drama marítimo, sobre las desventuras de un barco para formar jóvenes marinos, capitaneado por Jeff Bridges, quizás lo mejor de la película. El film demostraba la eficacia de Rydley como director con una realización impecable, que implicaba grandiosas escenas de acción en el mar, pero planteaba una historia llena de huecos y lecciones morales, difíciles de digerir. Como siempre a nivel de realización y estéticamente fue resaltante. 





Al año siguiente, dirigió quizás uno de sus peores desaciertos, “La teniente O'Neil” (G. I. Jane, 1997) que cuenta la historia de la teniente Jordan O´Neil,  que tras las presiones de una senadora del Congreso Norteamericano,  se convierte en la primera mujer de una unidad de élite del ejército estadounidense, reservada solo para hombres. Todos esperaban verla fracasar, y Scott lleva al límite el mito del héroe, en un film desarticulado, distante y que exalta hasta las nauseas los valores de los militares norteamericanos.



  
Durante el 98 y 99 se dedicó a la producción, hasta su triunfal retorno con la súper producción épica “Gladiador” (Gladiator), que vuelve a reafirmar su talento visual, su solvencia como realizador y recreador de grandes escenarios de carácter histórico. Scott se tomó varias licencias creativas a la hora de elaborar la historia, tratando de resumirla a un enfrentamiento entre buenos y malos Un Marco Aurelio que se pinta como un santo pacifista y un hijo extremadamente malvado, casi hasta la caricatura. En cuanto al rol del héroe, encarnado soberbiamente por Russell Crowe, está exaltado exageradamente. Sin embargo, Scott no es un documentalista, por lo cual aceptamos su versión de una de las épocas más decadentes del Imperio Romano que nos permite ver a través de la vida un gladiador como la injusticia, la corrupción y la decadencia humana no son características exclusivas del mundo moderno. Resulta aleccionador y da tema para la reflexión la representación del Coliseo Romano, al cual la gente iba a observar violentas muertes como mera diversión. Si bien el film puede ser acusado de simplista en su guión, es una película con ritmo, apasionada, un tanto maniqueísta pero atrapante donde todo el aspecto esteta está extremadamente cuidado al punto de trasportar al espectador de su butaca a otra época. En cuanto a las peleas y combates cuerpo a cuerpo, estos están caracterizados por una edición rápida, casi feroz y primerísimos primeros planos que se van colando en el todo. Con este estilo marco nuevamente pauta, aunque muchos criticaron que su forma no permitía  disfrutar realmente de los detalles de dichos combates. A mi parecer, la crudeza del montaje ayuda a percibir lo que significaban las peleas en ese tiempo, trasmitiendo la extrema violencia sin regodearse en ella. Un film que recuperó un género que estaba en baja y como todo lo que hace Ridley, tenía que ser a gran escala.




 En el 2001, encaró el reto de dirigir y producir la secuela de El Silencio de los Inocentes, “Hannibal”, esta vez sin Jodie Foster y con el protagónico a cargo de Anthony Hopkins y Julianne Moore. La película resulto entretenida, un tanto sádica, visualmente atrapante pero como segunda parte de un film tan brillante, resultó algo irregular. Es en suma, una puntillosa cinta de suspenso, hermosamente fotografiada que si bien pierde un poco el camino durante la primera mitad, logra llegar a una contundente conclusión. En la exquisita cinematografía y los ambientes logrados, la cinta compone un cuadro visual sorprendente. Bastante recomendable para recobrar la fe en el género de suspenso o terror, que Scott afronto con éxito.



 

Ese mismo año filmó el drama bélico “Black Hawk derribado”,(Black Hawk Down) cuya historia es el heróico relato de un grupo de soldados americanos de élite que fueron enviados a Mogadiscio, Somalia, en octubre de 1993, como parte de una operación de paz de las Naciones Unidas. "La Caída del Halcón Negro" muestra dramáticamente hechos verídicos que tuvieron su origen en políticas sumamente “dudosas”, que resultaron en centenas de muertes.Esta cinta es una interesante película de guerra, cuyo mensaje es inequívoco en este clima de terror que envuelve al mundo. Pero dejando la política aparte, se trata de otra muestra de la destreza de Ridley Scott como director y artista visual, que cuando tiene la oportunidad,  deja en sus films una reflexión sobre la condición humana en sus mejores y peores facetas.




 
 
En el año 2003, Scott nos sorprendió con una obra de corte personal, alejada de los grandes decorados y efectos de computadora. “Los Impostores” (Matchsticck Men) protagonizada por Nicolas Cage y Sam Rockwell nos narraba la historia de una pareja de profesionales de la estafa de poca monta, que forman un duo disparejo. Roy (Nicolas Cage), es un obsesivo compulsivo, que busca la ayuda de un psiquiatra ya que su enfermedad afecta su trabajo y que se enterará que tiene una hija adolescente. Buen punto de partida para una historia entretenida, ingeniosa, que no intenta moralizarnos, tan solo mostrarnos la entrada a una esfera de personajes insólitos, en un tono de comedia dramática. Otro ejemplo de la versatilidad de este director, que no teme experimentar con los géneros.


 
 
En el 2005 este realizador volvió a la carga con un film de época “El Reino de los Cielos” (Kingdom of Heaven) esta vez ambientado entre la segunda y tercera cruzada, en un corto periodo de paz. Película más espectacular que rigurosa, ya que se toma varias concesiones dentro de la verdadera historia. Sin embargo como ya dijimos Rydley Scott no es un documentalista  por lo que los críticos deberían dejar de señalar como punto débil de la película sus imprecisiones  ya que la narrativa histórica no consiste tanto en explicar cómo fueron los hombres y mujeres de otras épocas pasadas sino reflejar nuestro presente proyectado en situaciones semejantes. Cabe rescatar, de esta película,  una trama que nos deja un profundo mensaje sobre la importancia de la paz y la futilidad de la violencia basada en ideales de cualquier tipo. Scott no se corta ni un pelo en mostrarnos a los Cruzados no como los idealistas religiosos que nos han querido vender, sino como un puñado de bandas de forajidos, hombres de ninguna parte que encuentran su paralelo cercano en el western, que explican muy a las claras que los asuntos de Dios no tienen nada que ver con su presencia en Tierra Santa. Con este film Rydley Scott, vuelve a demostrar su capacidad innata para las superproducciones, cuidadosamente realizadas, con una historia simple pero con un  despliegue visual de alta factura. Si bien el film no es una obra maestra, esta muy acorde con los tiempos que nos toca vivir (conflicto en el Medio Oriente), rescatando valores como la lealtad, la tolerancia y la libertad, casi deshechos en nuestro mundo moderno, que muestra un escalofriante paralelismo con la época que se quiere reflejar, asomando la idea de que la raza humana siempre se ha visto corrompida por los asuntos de poder. A mi criterio un film que vale la pena y que ha sido criticado injustamente. Esto suele pasar casi con todos los trabajos de  este enigmático director, de quien todos los críticos siempre esperan más o tienen  expectativas preconcebidas de lo que debe y no debe hacer, debido al peso de su propia huella en el cine. Y vaya que huella. 




En el 2006 dirigió la comedia dramática “A Good Year” (Un Buen Año) , la historia de un hombre inescrupuloso, con dinero, negocios y mujeres, que en un viaje la Provenza para vender un pequeño viñedo que ha heredado de su fallecido tío, emprenderá un camino de autoconocimento. El personaje (Russell Crowe) embarca de mala gana en lo que, definitivamente, resultará ser un nuevo y estimulante capítulo en su vida, cuando empiece a darse cuenta de que merece la pena saborearla cuando se descubren las pequeñas cosas, los detalles de existir. Se trata de un film bastante clásico en su factura y narrativa,  predecible pero amenamente entretenido.




En el 2008 atacó con "Body of Lies" Con Leonardo Di Caprio y su actor preferido, Russel Crow que trata de Roger Ferris, un operativo de la CIA enviado a Irak para trabajar sobre el terreno. Su día a día consiste en intentar contactar con terroristas renegados que le lleven a dar caza a sus compañeros. Pero durante su rutina diaria descubre la pista de Al Saleem, un peligroso líder terrorista que todas las potencias occidentales tienen marcado como un objetivo prioritario. Cuando Ferris comienza la caza de Al-Saleem, pronto descubrirá que su enemigo no le traerá tantos problemas como su jefe Ed Hoffman, un veterano espía que sentado cómodamente en su despacho de Washington, manejará los hilos para dar con su objetivo a cualquier precio. Un film cínico, crítico y a la vez entretenido.

 



En el 2010 estrenó Robin Hood, con Russel Crow otra vez como protagonista. Una cinta con una realización espectacular, donde la palabra épica adquiere un sentido cuasi real, con una direción impecable, buenas actuaciones, que conforman una visión distinta de este héroe , más realista y cruda.





Prometheus, que presentó en el 2012, es una película de ciencia ficción y terror  escrita por Jon Spaihts y Damon Lindelof. La película está protagonizada por Noomi Rapace, Michael Fassbender y Charlize Theron. El argumento sigue a la tripulación de la nave espacial Prometheus a finales del siglo XXI, a medida que exploran una avanzada civilización alienígena en busca de los orígenes de la humanidad. Concebida como una precuela de la obra cinematográfica de terror y ciencia ficción de Scott de 1979, Alien, el octavo pasajero, el guion reescribe la película desarrollándose en una historia aparte que precede a los eventos de Alien, pero que no está directamente relacionada con las películas de la franquicia. Según Scott, aunque la película comparte "cadenas de ADN de Alien, por así decir", y se desarrolla dentro del mismo universo, Prometheus explora su propia mitología e ideas.  Un film que atrapa durante todo el metraje, con buena dirección de actores, escenarios increíbles. Una realización impecable en una historia vertiginosa.




En el 2013 se estrenó The Counselor una película de suspenso protagonizada por Michael Fassbender, Cameron Díaz, Penélope Cruz, Javier Bardem y Brad Pitt. Que trata de un respetado abogado (Fassbender) del sudoeste de Estados Unidos que decide participar por primera vez en una operación de tráfico de drogas en la frontera mexicana con el fin de conseguir dinero para casarse con su novia, la dulce Laura (Penélope Cruz). Sus contactos con los cárteles son Reiner (Javier Bardem), un capo de la droga muy enamorado de su chica, la sexy y ambiciosa Malkina (Cameron Diaz), y Westray (Brad Pitt) y un intermediario amigo suyo. A mi parecer un film con poco atractivo profundo. Un mero thriller de suspenso sin demasiada importancia pero excelentemente realizado y con atractivo visual.





Se podrá decir que Ridley Scott es un grandilocuente, anti naturalista, efectista y muchas otras cosas más, pero ha filmado más de 17 películas como director y tres de ellas están entre las 100 más memorables del pasado milenio : “Alien”, con la cual impuso un semi género dentro de la ciencia ficción , con un estilo y una estética imitada hasta el cansancio y que hoy en día sigue vigente véase el caso de “Alien Vs Depredador”. Con  “Blade Runner”, trato el tema de las réplicas de humanos, una especie de adelanto a la clonación que conocemos hoy en día, que marco pauta tanto por su factura como por su temática.  “Thelma y Louise”, fue completamente vanguardista mostrando mujeres a cargo de la acción cosa que hasta la época no era común y que actualmente es parte de  la cinematografía como un género más y usualmente exitozo como la recién estrenada ultima entrega de “Resident Evil Extinction” donde toda la trepidante acción recae sobre Milla Jovovich, una entre varias heroínas del cine contemporáneo. Ridley Scott ha destacado especialmente por su sentido artístico y su corte de originalidad. Obsesivo con la estética visual de sus films, ha logrado recrear mundos, ya sean futuristas, actuales o pasados, que se quedan pegados a nuestra retina, proporcionándonos un pequeño viaje a otras épocas y ambientes dado el amplio registro de diferentes géneros que este versátil realizador se ha atrevido a afrontar. Produciendo y dirigiendo casi un film por año, este hombre de más de setenta años, es una máquina creativa.

ALGUNOS TRAILERS

ALIEN- 1979



PROMETHEUS . 2012



BLADE RUNNER -1982



AMERICAN GANSTER - 2007



GLADIATOR 2008




THELMA AND LOUISE - 1991